Musical Awakening

Mord im Musikantenbeisl - Theater Drachengasse

2012-01-30T12:41:00.002+01:00

Wenn Florian Edelstahl auf Linda De Mehl und Helene Zwitscher trifft, sich die Weana Terzbuben in die Herzen der ersten Reihe singen und Otti Schnüffler seine Launen fest im Griff hat, dann heißt es „Mord im Musikantenbeisl“ im Theater Drachengasse.

Wer diese Volksmusik-Stadl-Parodie bis jetzt verpasst oder gar willentlich ignoriert hat, der hat noch am 2. und 3. Februar die Möglichkeit sich einmal so richtig zu amüsieren.

Nur so viel sei verraten: Wer nicht mitmacht, ist selbst schuld. Diese interaktive Blödel-Show auf hohem Niveau ist bizarr. Interessant die Partizipation des Publikums – jeder auf seine Weise. Kommt es dann zur Mordaufklärung steigert sich die Absurdität des Ganzen ins Unermessliche. Allerdings dürfte dies wirklich publikumsabhängig sein. Vieles ist improvisiert und lässt so einige Freiheiten. Absolut abstrus wird es, wenn sich in der Drachengasse viele sehr unterschiedliche Menschen zusammenfinden – es entsteht ein Spektakel der Menschlichkeit. Samt seiner Abgründe und Lächerlichkeiten.

„Mord im Musikantenbeisl“ ist ein Ereignis, das einen verwirrt schmunzelnd den Saal verlassen lässt. Das könnte aber auch daran liegen, dass man den einstudierten Fernsehgrinser nicht gleich wieder los wird. Muss es aber nicht, denn aufs Korn kann man schnell etwas nehmen, aber so punktgenau gelingt dies selten. Seien es nun die Entscheidungsmomente in Castingshows, Playback-Asynchronität, vorgetäuschte Fröhlichkeit der Musikanten – alles dabei, alles zum Kaputtlachen und Mitklatschen.

Kurzweilig gestalten die sechs Darsteller dieses bizarre Spiel, dazu gibt es Musik von Rory Six, der sich – sollte es mit dem Musical mal nicht so klappen - auch als Schlagerkomponist sicher gut machen würde.

Das Buch von Ronny Rindler (deutsche Fassung: „Mord im Musikantenschuppen“) wurde von Richard Panzenböck „verösterreichert“ und charmant in Szene gesetzt. Die sechs Hardcore-Musikanten-Verarscher dürfen nicht unerwähnt bleiben - grandios: Jacqueline Braun, Nikolaus Firmkranz, Karsten Kammeier, Katrin Mersch, Rory Six und Joanna Godwin Seidl.

Ein Abend, der viel Spaß macht. Hossa!

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Premiere: RENT unplugged - Konservatorium Wien Privatuniversität

2012-01-29T01:29:00.003+01:00

RENT ist immer eine Herausforderung. RENT Unplugged (keine Verstärkung, keine Band, nur Klavier) eine noch größere, aber ob es die richtige Entscheidung war, bleibt die Frage*.

Unplugged ist mutig, aber riskant. Unplugged heißt Herausforderung für die Stimme in jeglicher Hinsicht. Heißt auch: irgendwie wettmachen was nicht da ist. Am Konservatorium hat man sich also für eine unübliche RENT-Unplugged-Version entschieden. Das hat Vorteile und Nachteile. Harmonien kommen stärker hervor, andererseits hört man auch jeden falschen Ton. Manche Songs können sich besser entfalten, bei anderen fehlt einfach etwas. Bei manchen Songs erkennt man neue Qualitäten („Your Eyes“, „Without You“), andere wiederum zerbrechen in Einzelteile („Out Tonight“, „Take Me Or Leave Me“). Alles in allem geht einem der geniale Score von Jonathan Larson einfach ab. Auch wenn Musikalischer Leiter Peter Uwira sein Bestes gibt und kräftig in die Tasten haut.

Lassen wir aber nun das Unplugged ein wenig beiseite...
RENT auf Deutsch ist wie als würde man sich ritzen. Ich finde im Moment keinen besseren Vergleich – man sehe darüber hinweg. So grauenvoll ist selten eine Übersetzung, außer vielleicht Sondheim-Übertragungs-Versuche (Larsons großes Vorbild). Wenn „Rent“ plötzlich zu „Geld“ wird, „fucking weird“ zu „scheiße ätzend“ und „durch“ sich auf „Lurch“ reimen muss – ein Ritz folgt dem nächsten. Irgendwann muss man für sich die Entscheidung treffen, ob man jetzt stirbt oder die Wunden verbindet, indem man sich den deutschen Text wegdenkt, sich den englischen vorstellt und einfach nur auf Stimme, Gefühl und Ausdruck achtet. Hat man sich dann soweit im Griff funktioniert es ganz gut.

RENT am Kons ist eine sehr emotionale Produktion. Sicher auch teilweise aufgrund der Unplugged-Performance, da noch Unmittelbarer. RENT ist ein Ensemble-Musical, das u.a. dadurch so eine tolle Wirkung hat, weil so unterschiedliche Charaktere zusammenkommen, die Freundschaft und Liebe verbindet. Sie gehen gemeinsam durch die schweren und schönen Zeiten des Lebens. Dieser Zusammenhalt, diese Chemie fordert Präzision und vor allem viel Gefühl. RENT zu spielen ist eine Herausforderung auch oder vor allem in dieser Hinsicht. Die Protagonisten, bis hin zur kleinsten Ensemblerolle, geben unwahrscheinlich viel her. Es sind Menschen – unerschöpflich und tief. Mit vielen Möglichkeiten.

Die Produktion im Konservatorium featured den 3. Jahrgang in den Hauptrollen und den 2. in den Ensemblerollen. Hier muss man zwar besetzen, wer zur Verfügung steht, aber man hat ein Grundensemble von äußerst talentierten Studenten, da liegt es dann daran, was man daraus macht. Regisseur und Kons-Dozent Wolfgang Groller hat etwas Sehenswertes daraus gemacht.

Dieter Hörmann als Mark ist Sympathieträger. Er spielt von Anfang bis Ende unglaublich authentisch. Er trägt das Stück durch seine ehrliche Performance. Steht er plötzlich direkt im Publikum, braucht man ihm nur in die Augen zu sehen. Da sieht man alles, jede Emotion.

Am meisten beeindruckt hat mich Manuel Walcherberger als Tom Collins. In einer Szene, kurz nach Angels Tod, spricht er ein paar Sekunden kein einziges Wort, aber der ganze Saal spürt seine Gefühle. Sie liegen in der Luft und sind zum Greifen nahe. Gänsehaut. Das ist Hingabe an die Rolle, die einen nur staunend zurücklässt. Da kommt alles von Innen – mehr braucht es nicht. So auch bei „I’ll cover you“ mit Angel Manuel Heuser. Zwischen den beiden entstehen wunderbare Momente. Da kann man Liebe spüren. Hut ab vor den beiden!

Johannes Nepomuks Darstellung des Roger Davis ist durchzogen, doch insgesamt sehr gut. Manchmal ist er etwas zu „außen“, anstatt die Gefühle – die Performance – von Innen kommen zu lassen. Mit etwas mehr Vertrauen dazu und zu sich, hätte noch viel mehr „entstehen“ können. Bei seinem „Your Eyes“ für Mimi sieht man was möglich gewesen wäre, hätte er sich mehr darauf besinnt. Anfangs hätte Roger vielleicht auch etwas mehr „edge“ vertragen – aber gut, das ist Rolleninterpretation.

Die Rolle der „Mimi“ steht Salka Weber gut. Allerdings bekommt sie die Nachteile des Unplugged am meisten ab. „Out Tonight“ klingt langweilig und abgehackt, da kann sie spielen und singen wie sie möchte. Es fehlt einfach der Drive. "Without You" klingt hingegen schön "zerbrechlich" und sehr gefühlvoll.

Auch mit „Take Me Or Leave Me – unplugged” geht eine großartige Nummer verloren. Hier kann man sich die Seele aus dem Leib singen, es wird einfach nicht viel daraus. Da braucht es Verstärkung. Zwar ist es ein Geschrei, das sich Maureen und Joanne in dieser Szene liefern sollen, aber nicht so. Die Stimme leidet und es klingt einfach nicht mehr. Tanja Petrasek als Joanne und Alixa Kalaß als Maureen können dieses „Hoppala“ aber in allen anderen Szenen wettmachen. Vor allem Kalaß gelingt mit Maureens Performance - „Over the Moon“ – ein Highlight. Sie hat tolle Bühnenpräsenz und gibt alles. Wie leicht kann diese Nummer danebengehen, aber man kann auch den Nagel genau auf den Kopf treffen, wie Alixa Kalaß das macht. Großes Kompliment.

Dann wäre da noch Steven Klopp als Benny mit ausgezeichneter Rhythmik und tollem Timing. Auch das restliche Ensemble gibt in diversen kleineren Rollen alles. Hier stechen vor allem Judith von Orelli als Mrs. Cohen, Lawrence Karla als „Wiener“ Obdachloser und Karolin Konert als Alexi Darling heraus.

RENT am Konservatorium ist äußerst sehenswert, auch wenn man anfangs ein bisschen Zeit braucht, um sich an das „Unplugged“ zu gewöhnen - über die "Sprachbarriere" sei mal hinweggesehen. Es ist eine gute Produktion. Eine sehr emotionsgeladene Show mit Höhen und Tiefen, aber einem großartigen Ensemble, das alles gibt.

Erwähnenswert sind auch das Lichtdesign (Barbara Dulcinea Jan) und das gelungene Bühnenbild mit Graffitis von Alixa Kalaß…und…ähm….ja…fuck se Energiesparlampe :)

Zwar sind die Vorstellungen bereits ausverkauft - will man RENT unplugged aber noch sehen (ja, man will!), dann gibt es immer noch die Möglichkeit sein Glück an der Abendkassa zu versuchen...

RENT unplugged noch bis zum 2. Februar 2012 im Leonie-Rysanek-Saal - Konservatorium Wien Privatuniversität, jeweils 19:30.

*An dieser Stelle ist hier vielleicht anzumerken, dass erst ein oder zwei Tage vor der Kons-Premiere das Wörtchen „unplugged“ an den Titel drangehängt wurde. Vorher sprach man noch von einer Live-Band. Da hat die Tontechnik leider einen Strich durch die Rechnung gemacht...

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Musical – klassisch anders

2012-01-24T12:13:00.003+01:00

Eigentlich nicht unbedingt hierher passend, aber doch auch irgendwie schon. Für mich gibt es fast nichts Schöneres, als großartige Musik von tollen, leidenschaftlichen Künstlern live zu hören – egal welche Musikrichtung, egal wer und wo.

„The Philharmonics“ bieten einen Musikgenuss der besonderen Art – so auch gestern im Wiener Konzerthaus. Das Ensemble aus fünf Wiener Philharmonikern, einem Berliner Philharmoniker und einem unglaublich talentierten jungen Pianisten überzeugt durch unfassbare Virtuosität. Jeder einzelne virtuos auf seine Art und trotzdem fähig derart genial zusammenzuspielen. Man spürt die Freude an der Musik, den Spaß, die „Berührtheit“, die Leidenschaft dieser Musiker und wird so mitgerissen, dass man alles um sich herum vergisst und in die Musik hineingezogen wird. Das Besondere an „The Philharmonics“ sind sicher die einzelnen Persönlichkeiten, die sich hier zusammengetan haben. Diese großartigen Musiker, die vor nichts zurückschrecken und zeigen, dass auch Philharmoniker abseits der Klassik einiges auf dem Kasten haben.

Mit ihrem Programm „Fascination Dance“ präsentiert das Ensemble ein Crossover von Franz Schubert bis Elton John von den Ungarischen und Slawischen Tänzen bis hin zu Eigenkompositionen, Astor Piazzolla und Chick Corea – in neuen Arrangements, die so unglaublich kreativ sind, dass sie einen fasziniert zurücklassen. Und dann ist da auch noch das Genre Musical, das von den „Philharmonics“ gekonnt in Szene gesetzt wird. In originellen Bearbeitungen finden Gershwins und Bernsteins Melodien ebenso ihren Platz wie Jerry Bocks „Fiddler on the Roof“ und Richard Rodgers „Sound of Music“.

Ich kann jedem Musikliebhaber nur empfehlen ein Konzert dieser sieben Vollblutmusiker zu besuchen – man wird es nicht bereuen. Das ist Live-Musik in ihrer besten Form.

Das nächste Konzert („Rhapsody in Rainbow Colors“) findet am 13. Mai 2012 im Konzerthaus statt, außerdem sind „The Philharmonics“ auch am diesjährigen Opernball zu Gast.

CD „Fascination Dance“ – The Philharmonics. Deutsche Grammophon. Bereits erhältlich.

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*Foto: Fadil Berisha - via

Being Alive - Der Song zum Sonntag

2012-01-22T15:18:00.000+01:00

Es ist Zeit wieder etwas regelmäßiger zu posten - beginnen wir mit einer weiteren Folge der Serie "Der Song zum Sonntag"...

...und zwar mit einem Sondheim. "Being Alive" gesungen von Raúl Esparza, einem sympathischen Darsteller, den ich unglaublich gerne live sehen würde. Er performt scheinbar mit einer wahnsinnigen inneren Kraft und fesselt einen damit.

Ein empfehlenswerter Link: Raúl Esparza zu Gast bei "Show People" auf broadway.com

Frohe Weihnachten!

2011-12-23T18:21:00.001+01:00

Ich wünsche euch allen - wer und wo ihr auch immer seid -

FROHE WEIHNACHTEN!

In den letzten Tagen ist dieser Song zu meinem Musical-Weihnachts-Favoriten 2011 geworden...

My Fair Lady - Stadttheater Klagenfurt

2011-12-22T18:44:00.002+01:00

Das Stadttheater Klagenfurt setzt diese Saison auf Klassiker mit einer Prise Innovation in Form der österreichischen Erstaufführung von Paul Graham Browns „King Kong“ – doch dieses Schmankerl wartet erst im Frühling auf uns…

„My Fair Lady“ heißt der erste Streich des Stadttheaters und es ist ein durchaus gelungener. Josef E. Köpplinger inszeniert das Stück klassisch ohne große Neuerungen. Sein Bestreben das Stück im Sinne George Bernard Shaws sozialkritischer zu zeigen und den Schluss so offen zu lassen, dass man das Publikum rätselnd zurücklässt, ist bei mir leider nicht wirklich angekommen. Sozialkritisch ist die „Lady“ ja an sich, in Klagenfurt aber nicht mehr als in anderen Inszenierungen. Offenes Ende – Higgins, Freddy und/oder Blumenladen? Naja, hätte offener sein können – Elizas Weg über die Stufen in Higgins Townhouse (zu welchem Schlafgemach auch immer) ist doch ziemlich eindeutig. Bei „My Fair Lady“ bin ich grundsätzlich immer für ein open end – das Musical gewinnt dadurch ungemein, denn es spielt dann plötzlich auf einer weiteren Ebene. Es verlangt u.a. nach einer weiteren Definition von Liebe und gerade dieses Element fände ich spannend.

„My Fair Lady“ ist eine Gesichte der Selbstentwicklung. Die Hauptfiguren finden durch die Wertschätzung des Anderen und die Öffnung für Anderes etwas mehr zu sich selbst. Eliza ist eine selbstbewusste junge Frau, die sich weiterentwickeln möchte. Sie sucht Hilfe bei Higgings, der ihr ein Stück auf ihrem Weg weiterhilft. Doch auch Eliza hilft Henry Higgins. Der starrköpfige Sprachprofessor wehrt sich zunächst gegen jeglichen Eingriff in sein Leben, doch Eliza trifft nicht seinen Verstand, sondern sein Herz – auch er ändert sich.

Köpplingers Intention dem Publikum die Vielfalt der Worte bewusst zu machen und das Sprachbewusstsein zu schärfen gelingt durch die großartige Sprachbeherrschung des Ensembles. Im Opening dürfen alle reden wie ihnen der Schnabel gewachsen ist – da hört man hochdeutsch, bayrisch, wienerisch…herrlich! Die Klagenfurter „Lady“ ist eine wienerische (Wiener Fassung von Gerhard Bronner), der Wiener Dialekt bietet sich einfach gut an. Ich persönlich finde besonderen Gefallen an den Dialekt-Szenen, wenn da einmal ordentlich ein g’scheiter Dialekt eineg’haut wird - das befreit mich immer irgendwie! Es macht Spaß!

Besonders lobenswert in puncto Sprache die Ascot-Szene. Nadine Zeintl vermag es perfekt immer mehr in den Dialekt hineinzurutschen, um letztendlich ganz darin aufzugehen. Da trifft sie den Nagel auf den Kopf – pures Vergnügen!

Zeintl spielt eine Eliza deren innerer Kern nie verloren geht, man sieht ihr immer genau an, wie es wohl in Elizas Innenleben aussehen muss. Ihre Eliza ist frech und vor allem menschlich. Sie trägt das Stück. Sehr lustig auch die Szene mit den Sprachübungen. Egal ob Kieselsteine oder ein kleines Feuerchen zum Üben des „H“s – diese Mimik!

Ihr Gegenüber Henry Higgins gibt Matthias Freihof – anfangs etwas schwach, dann aber immer besser und gegen Ende als kindlich-bockiger Higgings, dem die Änderungen in seinem Leben und die Rolle Elizas darin zunächst gar nicht passen, mitreißend sympathisch.

Großes Manko der Inszenierung ist leider die Tonregie. Das Orchester spielt in optimaler Lautstärke, die Mikroports hätten aber deutlich lauter eingestellt werden können. Man musste sich sehr konzentrieren, um die Songtexte verstehen zu können. Einige von Higgins‘ Textpassagen gingen ganz unter. Schade!

Ein Highlight: Gerhard Ernst als Alfred P. Doolittle! Ernst spielt Doolittle mit fabelhafter Leichtigkeit, er lebt diese Rolle auf der Bühne. Da kommt alles so natürlich, dass es einfach nur ein großer Spaß ist. Wie gerne hätte ich mich einfach an die drei Saufkumpanen Gehard Ernst, Stefan Bischoff und Hannes Muik angehängt und ein bisschen mitgeschunkelt – muss das Spaß machen!

Lotte Ledl als Mrs. Higgins erwischt ebenfalls das richtige Maß – sie ist eine Dame mit einem frechen Funkeln im Auge. Eine Schauspielerin, die ich immer gerne auf der Bühne sehe.

Ebenfalls sympathisch Rudolf Zollner als Oberst Pickering. Ein guter Gegenpol mit kindlichem Einschlag zum strengen Higgings und der etwas derben Eliza.

Christof Messner spielt Elizas Verehrer Freddy Eynsford-Hill sehr verliebt, naiv und mit großem „Strahlegesicht“. Auch wenn er im ersten Akt nicht viel zu tun hat, so schafft er es mit seinem Solo „In der Straße wohnst du“ sofort das Publikum auf seine Seite zu ziehen. Die Straßenlaterne bietet Freddy plötzlich ganz neue Möglichkeiten, um seinen Gefühlen Ausdruck zu verleihen. Ein toller Song!

Die Inszenierung am Stadttheater wird nie langweilig, etwas prägnanter hätte aber die Szene nach dem Ball sein können („Sie sind’s, der es geschafft hat“). Zu gerne würde ich aber einmal eine „My Fair Lady“-Inszenierung sehen, die sich etwas mehr traut. Wer weiß, vielleicht bin ich danach für eine klassische Inszenierung, aber ich glaube, dass man bei der „Lady“ noch immer oder zumindest ziemlich oft an der Filmvorlage hängenbleibt und sich nicht weiterbewegen möchte. Ein bisschen mehr Mut beim Bühnenbild, ein bisschen mehr Mut bei den Kostümen,… – ich glaube, da könnte man noch einiges oder anderes herausholen…wenigstens erfrischt die schöne grüne Wandfarbe in Higgins‘ Domizil, zwischen all dem Grau in Grau eine Wohltat für das Auge (Bühnenbild: Rainer Sinell). Auch die Kostüme (Marie-Luise Walek) sind passend klassisch – Ascot in Schwarz und Weiß (warum geht es da nicht einmal bunt zu?), die Hutmode kreativ. Elizas Ballkleid gefällt mir besonders. Es ist schlicht und auf ihre Persönlichkeit zugeschnitten – mit einem Hauch Extravaganz.

Karl Alfred Schreiner, der zuletzt den „Nussknacker“ im Stadttheater auf die Bühne gebracht hat, choreografiert auch hier Ensemble und Ballett gelungen.

Großes Lob an das Ensemble, das als Higgings‘ Bedienstete, Ascot-Aristokraten, Bettler und Betrunkene alles gibt. Da braucht man sich nur einmal genau die einzelnen Gesichter anzusehen, man findet so viel darin. Kein Ausdruck ist ihnen zu schade, auch wenn man nicht im Mittelpunkt der Szene steht, hier werden tolle schauspielerische Leistungen geboten, von jedem einzelnen. Sogar das Ballett lässt sich da ab und zu mitreißen…

Mit einem Besuch bei „My Fair Lady“ in Klagenfurt kann man nichts falsch machen – man bekommt eine gute Inszenierung geboten, die vor allem durch die großartigen Darsteller lebt. Ein vergnüglicher Theaterabend.

Link:

- Stadttheater Klagenfurt
- Video mit Szenenmitschnitten

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Premiere: Die spinnen, die Römer! - Volksoper

2011-12-17T18:00:00.002+01:00

Heute feiern wir PREMIERE - deswegen ein bisschen Werbung...
Da ich selbst in die Produktion involviert war, wird hier keine Kritik von "Die spinnen, die Römer!" zu lesen sein. Lachen ist bei den "Römern" garantiert, Tiefgang darf man nicht erwarten, denn hier geht es um die Unterhaltung! Die Proben haben jedenfalls viel Spaß gemacht...das Motto könnte ungefähr so lauten:

"Ihr fragt nach Tiefgang? Man braucht doch Tiefgang! Auch daran haben wir gedacht: Morgen gibt es Tiefgang, heute wird GELACHT!"

COMEDY TONIGHT!!!

Links:

- Kritik: "Turbulent bis zum Happy End" - Kurier

Premiere: Wenn Rosenblätter fallen. Das Musical – Theater Akzent

2011-10-30T19:44:00.002+01:00

Fast zwei Jahre ist es jetzt her seit dem ich „Wenn Rosenblätter fallen“ zum letzten Mal – damals noch als Workshop-Präsentation – gesehen habe. Damals war ich sowohl von Stoff, Darstellerleistung als auch von Musik und Umsetzung sehr angetan und berührt. Zwei Jahre später hat es das Musical also endlich geschafft seine „richtige“ Uraufführung zu feiern und ist nun in Deutschland und Österreich auf Tour. Gestern feierte das Musical seine Wien-Premiere. Der Arbeitstitel „Ein Leben ohne dich“ wurde verworfen, „Wenn Rosenblätter fallen“ wieder aufgenommen. Eine gute Entscheidung.
Das Musical ist sehenswert, aber für mich ist es noch nicht ganz „angekommen“. Es berührt und hat viel Potential und ich stimme auch heute noch meiner „Kritik“ vom Januar 2010 zu:

„Rory Six (Musik) und Kai Hüsgen (Texte, zusätzliche Texte: Ellen de Clercq) haben ein intimes, berührendes Werk geschaffen dem unbedingt Beachtung geschenkt werden sollte. Die Musik ist sehr vielfältig - mal rockig, mal ganz zurück genommen. Die Texte ehrlich und berührend. Die Dialoge herzlich und echt. […] Dieses Musical braucht eigentlich nicht viel mehr, denn reduziert wirkt es, glaube ich, am besten.“

Der letzte Punkt spricht an, warum mir „Wenn Rosenblätter fallen“ damals besser gefallen hat als in der gestrigen Inszenierung. Das Stück hat Qualität und ich finde, dass es viele Menschen sehen sollten, aber es würde von mehr „Intimität“ profitieren. Eine kleinere Bühne, ein kleineres Theater. Zwar konnten die Darsteller die Emotionen ohne Weiteres bis in die hinteren Reihen des Theater Akzent vermitteln, aber es würde dem Musical gut tun, wenn es noch unmittelbarer, ursprünglicher und persönlicher daherkäme; vielleicht auch ohne Mikrofone. Ich glaube, dass „Wenn Rosenblätter fallen“ sich erst in einem kleineren Rahmen ganz entfalten könnte, sowie damals bei der Workshop-Präsentation.

Ich selbst störte mich neben fehlender „Intimität“ am Bühnenbild, das farblos wirkte und keinerlei Atmosphäre vermitteln konnte. Die Darsteller hatten also eine Herausforderung mehr…

Eines der beste Dinge, die diesem Musical passieren konnte ist die Besetzung von Dirk Johnston als Till. Eine Performance, die mir sicher noch lange in Erinnerung bleiben wird. Ursprünglich, ehrlich und glaubhaft. Sehr emotional, ohne Angst vor dem Charakter. Er hat sich in die Geschichte und in Till fallen lassen und ist darin aufgegangen. Till wurde dadurch so spürbar, die Emotionen so tief, dass sie mich im Publikum wirklich punktgenau erreicht haben. Was für eine Leistung!
Auch Carin Filipcic lieferte Höchstleistung ab, mit einer sehr glaubwürdigen Darstellung einer Krebskranken.
Jana Stelley überzeugte vor allem durch ihren Gesang. Sie spielte etwas zu viel und obwohl ihr Charakter Iris eine quirlige, sehr lebendige junge Frau ist, wäre ein bisschen weniger besser gewesen. Erst gegen Ende wo Iris endlich zu verstehen und Till wieder zu vertrauen und lieben beginnt, gelingt es Stelley mehr Ehrlichkeit mit in ihr Spiel zu bringen.

Wer Näheres zum Inhalt erfahren möchte, der informiert sich am besten auf der Homepage des Musicals, liest meinen ersten Eindruck des Musicals von der Workshop-Präsentation ODER – die wahrscheinlich beste Variante – kauft sich eine Karte für das Musical, das noch bis 3. November im Theater Akzent zu sehen ist. 10 Prozent des Kartenerlöses gehen übrigens an die Krebshilfe.

"Wenn Rosenblätter fallen" ist ein sehr emotionales Musical, da es ein Thema behandelt, das uns alle beschäftigt - der Verlust eines geliebten Menschen. Deswegen trifft es genau ins Herz. Es spielt auf mehreren Ebenen und geht nicht an einem vorbei - das ist das Besondere dieses Werkes. Hie und da könnte es noch eine Überarbeitung vertragen, vor allem wenn man es weiterhin auf einer größeren Bühne aufführen möchte. Szenen, die ohne Worte wirken könnten, können dies aber in dieser Größe weniger. Um noch mehr herauszuholen, wäre eine Rückkehr zu den Anfängen - ein kleinerer Rahmen - sicher von Vorteil.

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Musical Tenors - Das Album

2011-10-23T12:39:00.003+02:00

Jetzt ist sie also da – die CD der Musical Tenors. Ließ ich mich noch nach dem Konzert zu Begeisterungstürmen hinreißen – das Konzert war ja wirklich gut - ebben diese mit Veröffentlichung des Albums wieder ab. Wie einfallslos und unkreativ kann eine Tracklist eigentlich sein? Mal abgesehen von 08/15 Best of Musical CD Veröffentlichungen, von denen alle gleich klingen – bei einer Idee und Produktion dieser Qualität hätte ich mir wesentlich mehr erwartet. Die Musical Tenors haben im Moment ein Niveau erreicht, bei dem mein persönliches Interesse nachlässt. Wer braucht Tassen mit den Gesichtern der vier Tenors? Wer braucht einen Kalender? Warum begibt man sich als Produzent oder auch als Darsteller freiwillig auf diese Ebene?

Da gibt es die Idee der „Musical Tenors“, auch wenn es keine neue ist und sehr klischeebeladen daherkommt, sie funktioniert. Da stellt man eine Show auf die Beine, die neben ein paar Gassenhauern auch Verstaubtes, Unbekanntes ausgräbt. Dann streut man ein paar „All Time Favorites“ drüber, schreibt ein paar witzige Anmoderationen (die allerdings keinen Raum für Spontanes lassen), fügt ein paar Tanzschritte hinzu, die sich zwischen Boygroup und Chorus Line bewegen und stellt vier sympathische, gutaussehende Musicaltenöre geschniegelt und gestriegelt auf die Bühne. Und dann kommt die CD auf den Markt, die mich als Musicalliebhaber enttäuscht. Sehr enttäuscht. Die ausgegrabenen Musicalschätze wurden weitgehend wieder vergraben, die ewige Leier beginnt wieder einmal von vorne, aber seht selbst – die Tracklist:

1. Limelight – Gambler
2. In der Straße wohnst du – My Fair Lady
3. Memory – Cats
4. Die Musik der Nacht – Das Phantom der Oper (Solo Christian Alexander Müller)
5. The Impossible Dream – The Man of La Mancha
6. Maria – West Side Story
7. I Will Always Love You – The best little whorehouse in Texas (Solo Mark Seibert)
8. The Show Must Go On – Queen
9. Closer To Heaven – Gaudi
10. The Winner Takes It All – Mamma Mia (Solo Patrick Stanke)
11. Starlight Express – Starlight Express
12. Am Ende bleiben Tränen (Tu Cosa Fai Stasera)
13. Die unstillbare Gier – Tanz der Vampire (Solo Jan Ammann)
14. This Is The Moment – Jekyll & Hyde
15. Vivo Per Lei

Schön eingesungen ist die CD, dazwischen herrscht aber Langeweile und das ist unglaublich schade. Ein paar Songs gefallen: Limelight, Closer To Heaven, Am Ende bleiben Tränen und die Soli von Mark Seibert und Patrick Stanke. Müllers Phantom wirkt auf der CD so ohne Leidenschaft, es tut fast weh, „Die unstillbare Gier“ von Ammann kann man auf seinem Soloalbum und sonst wo auch hören, „Starlight Express“ – ohne Worte - und diese Fassung von „Maria“ muss ich auch nicht haben. „Memory“ hält man wenigstens aufgrund der viersprachigen Fassung gut aus, es muss aber wirklich nicht sein. „Vivo Per Lei“, „The Impossible Dream“ und „This Is The Moment“ – tolle Songs, keine Frage. Aber davon brauche ich keine mittelmäßigen Musical Tenors Fassungen. Gerade bei letzterer bekommt man beim Zuhören eingeschlafene Füße.

WARUM? Warum immer dasselbe? WARUM? Ich kann es nicht mehr hören. Vielleicht bin ich mit dieser Meinung die Einzige – ist mir auch recht, ich wünsche den Tenors ihren Erfolg. Gewünscht hätte ich mir allerdings, um meinen Eindruck des Konzertes vom letzten Jahr aufrechterhalten zu können, ein Album, das mich ein bisschen umhaut, etwas Anderes bietet. Meine Erwartungshaltung war klar zu hoch, aber wie immer stirbt die Hoffnung zuletzt. Ich gebe sie weiterhin nicht auf und hoffe, dass sich in Zukunft Musical-Compilation-Alben auch einmal an "neue" Songs herantrauen. Ich kann mir nicht vorstellen, dass dieser Schuss nach hinten losgehen würde. Nein, er würde ziemlich sicher genau treffen – in das Herz des wahren Musicalfans.

Das Repertoire der Musical Tenors hat eine größere Bandbreite, als man glaubt - sieht man allerdings die Tracklist des Debutalbums kommt man ins Zweifeln. Aber laut Porgrammheft und Live-Konzert gibt es da doch viel mehr Gutes.
Aus diesem "Repertoire" habe ich mir eine Wunschtracklist zusammengestellt, so ungefähr hätte mich die CD eher überzeugen können:

1. Braver Than We Are (Tanz der Vampire)
2. Draußen (Der Glöckner von Notre Dame) – Mark Seibert Solo
3. I Believe In You (Das dieser Song auf der CD fehlt ist wahrscheinlich der größte Fehler.)
4. Du warst mein Licht – Patrick Stanke Solo
5. The Man of La Mancha (The Man of La Mancha)
6. Wo ist der Sommer? (3 Musketiere)
7. Look With Your Heart (Love Never Dies)
8. Those Magic Changes (Grease)
9. Love Of My Life (Queen)
10. Einsam sind alle Sänger
11. More Than Words

Bleiben dürften außerdem: Am Ende bleiben Tränen, Closer To Heaven und Limelight.
...und dazukommen dürfte noch eine kräftige Portion Innovation und verstraubte Musicalschätze aus den Tiefen der alten und neuen Musicalgeschichte.
Über diese Enttäuschung trösten mich zwei gelungene neue (Musical-)Alben hinweg - Drew Sarich: "Silent Symphony" und Kristin Chenoweth: "Some Lessons Learned" - zwei Künstler auf die man sich wenigstens verlassen kann!

"Color and Light" - Der Song zum Sonntag

2011-10-16T19:45:00.001+02:00

Wenn ich mir wünschen könnte jetzt sofort ein Musical anzusehen, dann würde ich wohl "Sunday in the Park with George" (Sondheim/ Lapine) wählen. Wenn ich auch noch zeitreisen könnte, dann die Inszenierung mit Bernadette Peters und Mandy Patinkin (1985) - aber auch Raúl Esparza als George hätte ich gerne gesehen...

An Evening Without Scott Alan - Theater 82er Haus

2011-10-08T17:42:00.001+02:00

Ein Abend ohne Scott Alan - wäre er dabei gewesen, hätte er sich geehrt gefühlt. Ein Abend mit Songs, die aus dem Leben gegriffen sind und deswegen so ergreifen. Fragen, die man sich stellt, Entscheidungen, vor denen man steht, Herzschmerzen, vor denen man sich nicht schützen kann. Doch Scott Alan kann auch komisch sein, die Komik des Alltags in Songs wie „His Name“ verpacken. Gerne hätte ich auch „At Seventeen“ gehört, doch ich möchte nichts bemängeln, denn was im Theater 82er Haus in Gablitz geboten wurde, war ein besonderer Genuss.

Eine nette Truppe von Musikern und Musicaldarstellern, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, Scott Alan dem österreichischen Publikum vorzustellen. Rita Sereinig, Initiatorin des Projekts, scharrte Talente um sich und stellte etwas auf die Beine, was hoffentlich noch kein Ende gefunden hat. Musicaldarsteller, Künstler, die eine Message haben, eine so großartige Idee sind nicht nur bewundernswert, sondern gehören in ihrem Vorhaben unbedingt unterstützt. Da geht es nicht um Umsatz, Auslastung oder Ruhm, da geht es um Musik.

Jeder der Darsteller konnte sich gut in den Abend einbringen, u.a. auch durch kreative neue Arrangements des künstlerischen Leiters Bernd Leichtfried. Da kann man nichts herausgreifen, ein gelungenes Gesamtes. Ein Abend, der einen von innen gewärmt hat. Ich habe mich gut aufgehoben gefühlt, war berührt, habe mich gefreut wie schön die Musik in Szene gesetzt wurde und war für über 2 Stunden angenehm entspannt und glücklich. Und auch heute denke ich gerne und oft an den gestrigen Abend. Reduziert, ohne viel Drum und Dran, mit Klavier, Gitarre und Cello oder einfach nur Stimme und Instrument, die Musik und die Geschichten der Songs im Vordergrund. Sympathisch interpretiert von allen Beteiligten, doch einer muss doch besonders erwähnt werden – Philipp Hägeli. Was er in seiner Stimme und in seinem Ausdruck, seiner Hingabe transportieren kann ist unglaublich. Unglaublich bemerkenswert und schön. Kein Ton ist schief, Hägeli immer präsent und doch in der Welt des Songs.

Mit „The Distance You Have Come“ und „If I Own Today“ kam der Abend zu seinem Ende - die richtigen Songs, um das Publikum in einer kalte Herbstnacht zu entlassen. Der perfekte Abschluss eines Abends, der nach Fortsetzung seiner Art geradezu schreit.

Man kann nur hoffen, dass „An Evening without…“ weiterhin bestehen bleibt und sich auch an andere „frische“, unbekannte Musicalkomponisten heranwagt.

Mit: Rita Sereinig, Jürgen Kapaun, Ruth Kraus, Markus Richter, Philipp Hägeli, Bernd Leichtfried, Tom Delbeke, Hana Yamazaki (und Susanna Kratsch - 8.10.)

Nur noch heute um 19:30 im Theater 82er Haus in Gablitz - Restkarten an der Abendkassa.

Links:

- Theater 82er Haus
- Scott Alan
- Ein ausführlicherer Bericht bei Musical Musing
- Scott Alan - Musical Awakening

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TV-Tipp: The Sound of Music - Ein Musical kehrt heim

2011-10-03T18:54:00.000+02:00

Hinter die Kulissen des Salzburger Landestheaters und der Produktion "The Sound of Music" (Regie: Andreas Gergen, Christian Struppeck) kann man Ende Oktober mit ServusTV blicken. In drei Teilen wird die Dokumentation am 20., 27. Oktober und 3. November einen Einblick in Auditions, Proben und anderen Vorbereitungen geben, jeweils um 20:15. Wiederholt wird die Sendung außerdem am nächsten Tag um 10:50. Wer also Uwe Kröger, Wietske van Tongeren, Hanna Kastner, Sebastian Smulders und viele weitere bei der Arbeit beobachten möchte, der sollte einschalten. Premiere ist übrigens am 23. Oktober.

Ich freue mich auf die Dokumentation - eine gute Idee, hoffentlich auch interessant umgesetzt.

The Sound of Music - Ein Musical kehrt heim

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Link:
The Sound of Music - Landestheater Salzburg

Musical Unplugged 6 - free voices, one piano

2011-09-28T18:36:00.004+02:00

Es gibt sie also doch...Musicalkonzerte bei denen von vorne bis hinten alles stimmt. Was für eine Wohltat für die Seele!

„Musical Unplugged 6“ macht unglaublich viel Spaß, berührt, gibt Lebensfreude. Die Zeit bleibt stehen, geht aber viel zu schnell vorbei, da man nicht möchte, dass dieses Konzert zu einem Ende kommt. Es könnte immer so weiter gehen…leider hat es ein Ende und das ist wahrscheinlich der einzige Makel…ein, zwei Zugaben mehr wären schon noch nett gewesen...

Ich weiß gar nicht wo ich anfangen soll das Besondere dieses Konzertes in Worte zu fassen, da gibt es so viel Gutes…Die Chemie der Sänger auf der Bühne, das Zusammenspiel der unterschiedlichen Persönlichkeiten, denen man anmerkt gerne miteinander auf der Bühne zu stehen. Der Spaß, mit denen die 10 Männer performen, der Spaß, den das Publikum dabei hat. Die Reaktionen des Publikums, die Hingabe jedes einzelnen Sängers, die den Song ganz bei sich singen, ihn aber gleichzeitig in den Raum stellen und für das Publikum sichtbar, greifbar und spürbar machen. Die Zusammenstellung der Songs, von bekannten Musicals das Besondere (nicht „Verschlagerte“), Kirchenlieder, die - von vollen Männerstimmen gesungen - mitreißen, Rocksongs von Queen bis Bon Jovi, Seltenes aus Love Never Dies, Martin Guerre, I Love You, You’re Perfect, Now Change, Komisches wie Medleys und „Bodenunebenheiten“, Berührendes wie „Ghetsemane“, „Streets of London“ und „Last Supper“ und ein bisschen Udo Jürgens.

Das Schöne ist außerdem, dass jeder seine eigenen Qualitäten einbringt. Jeder bringt seine Persönlichkeit, sein Können, seine Leidenschaft auf die Bühne und stellt sie zur Verfügung. Alles vereinigt sich und ergibt ein stimmiges Ganzes, das überzeugt, mitreißt und Spaß macht.

Da gibt es den Priester aus Perchtholdsdorf, Andreas Guganeder, der trotz seiner Nervosität dem Lied „Stern“ aus Les Miserables eine ganz eigene Qualität verleiht oder den Wahnsinns-Pianisten und musikalischen Leiter Florian C. Reithner mit einem unglaublichen Klaviersolo und einem sehr witzigen „Bodenunebenheiten“ (Funny van Dannen).

Die Idee und die Umsetzung dieser Konzertreihe verdanken wir Florian Schützenhofer. Wäre das nicht schon genug, legt er noch Performances drauf, die vor allem durch ihren Humor überzeugen. Die Duette mit Jakob Semotan sind zum Schreien komisch und sehr gelungen. Anders wiederum und sehr ergreifend, „Dunkles Schweigen an den Tischen“ und „Gebet“ - ein Tribute an einen verstorbenen Freund.

Jakob Semotan überzeugt nicht nur in den Duetten mit Schützenhofer, sondern vor allem auch mit „Til I hear you sing“ aus Love Never Dies. Hut ab! Semotan singt und performt sehr ehrlich und ist mit unglaublich viel Spaß bei der Sache, so auch im Duett mit Christof Messner bei „Cantata for a first date“ – ein Highlight aus einem Abend voller Highlights.

Christof Messner kam mit „Mut zur Tat“ auf die Bühne und performte den Song noch besser als in der Bachelor-Show im Juni. Bei ihm merkt man die Liebe zur Musik irgendwie besonders. Apropos Liebe zur Musik - Freddie Mercury wäre stolz wie Oskar hätte er die Performance von „Love of my Life“ gehört. Wenn ich so nachdenke, war das mein persönliches Highlight des Abends – ein Gänsehaut-Moment. Acapella vom Feinsten, mit wunderschönen Stimmen, die perfekt miteinander harmoniert haben. Kein Mucks im Publikum, die ganze Konzentration auf die Bühne gerichtet. Ein wirklich besonderer Moment. Ein unglaublich berührender Moment. Als Lead Sänger überraschte Luc Devens. Bin ich froh diese Stimme kennengelernt zu haben - was für ein Organ, was für eine Musikalität, jeder Ton sitzt und ist in jedem Moment genau dort wo er hingehört. So auch bei einem packenden "Ghetsemane".
Stefan Bischoff zieht einen gleich zu Beginn mit „Martin Guerre“ auf seine Seite. Eine gute Wahl, ein tolle Performance, ebenso wie sein „Streets of London“, das zurückgenommen seine ganze Schönheit entfalten konnte.

Die letzten Sänger im Bunde sind Martin Pasching und Peter Neustifter. Pasching und „Jeder Abschied ist der Anfang einer Reise“ – die zwei gehören zusammen. Ein Song, der mich immer wieder aufs Neue überrascht. Noch ein paar Klassiker aus „Elisabeth“ dazu, aber nur „Die Schatten werden länger“, „Wenn ich dein Spiegel wär“ (Schützenhofer) und „Kitsch“ – genau die richtigen Songs, genau das richtige Maß. Peter Neustifter traf mit „King of the world“ aus „Songs of a new World“ eine sehr gute Wahl, auch wenn er ein bisschen gebraucht hat das Lied ganz zu seinem zu machen – er ist ein guter Tenor mit toller Stimme, doch manchmal kommt noch ab und zu der Sängerknabe durch.

Das Programmheft mag zwar ein bisschen viel kosten, darüber sieht man aber nach der Veranstaltung hinweg – so gut hat sie einem gefallen – oder spätestens wenn man Florian C. Reithers Antwort auf die Frage „Welche Erlebnisse in dieser Produktion haben dich nachhaltig geprägt?“ liest – Lachanfall!

Das Resümee des Abends bringt Luc Devens gut auf den Punkt: “It’s really cool to do this ‚unplugged‘, just with a piano. The songs will be brought back to their essence and that’s a thing I always search for in music.” Die Songs zu ihrer Essenz zurückbringen, sie selbst sprechen zu lassen, dazu eine große Portion Humor, tolle Menschen und Stimmen auf der Bühne, eine schöne Location, ein großartiges Programm – Musical Unplugged 6. Ein unvergesslicher Abend!

Wer weiß vielleicht gelingt es Musical Unplugged – sollte es in dieser Form weiterbestehen (bitte, JA!!!) – tatsächlich, wie Stefan Bischoff im Programmheft meint, die Musicalszene in und um Wien in ihren Grundfesten zu erschüttern und auf längere Sicht die künstlerische Weltherrschaft an sich zu reißen. Wäre durchaus wünschenswert! :)

Ein kleines Best Of:

Links:

- Musical Unplugged

- Musical Unplugged YouTube Channel

*Image via

notes on...

2011-09-26T10:02:00.005+02:00

...the Musical at the present.

Vielleicht eine neue Kategorie? "Notes on..." als Kommentare, die es wert sind formuliert und geschrieben zu werden, da sie musical-betreffend aufregen oder gar erfreuen...

- "Woyzeck als hybrides Musical", Salzburger Nachrichten 26.9.11, Derek Weber: "'Woyzeck' als hybrides Musical" - warum Musical, wenn kein Darsteller singt? Musiktheater ja, aber nur weil die Vereinigten Bühnen dahinterstehen muss man nicht gleich von einem Musical sprechen. Ich habe das Stück noch nicht gesehen, aber ich werde es mir anschauen. Nicht weil ich ein Tiger Lillies Fan bin, sondern weil ich Büchners Fragmentstück "Woyzeck" mag und Raphael van Bargen in der Titelrolle nicht verpassen möchte. Ich bin mir sicher, was ich da auf der Bühne zu sehen bekommen werde, wird kein Musical sein. Musiktheater, ja.
Es ist aber nicht die Bezeichnung des Stücks als Musical, die mich aufregt, nein, es ist die Conclusio der Kritik: "Ein gelungenes Stück, ein empfehlenswerter Abend. Warnung: Nichts für die Musicalomanen, die sich eine glatte Actionshow zum Mitwippen und Mitjohlen erwarten." "Musicalomanen" - eine furchtbare Wortneuerfindung, zu viel "Freak" steckt darin- mögen vielleicht keinen Gefallen an "Woyzeck" finden, nicht aber aus angegebenen Grund (das einzige rettende Wort ist hier der Artikel, der vor der kompletten Verallgemeinerung schützt). "Mitwippen" bezieht sich auf Jukebox-Musicals à la "Ich war noch niemals in New York", das allerdings eher bei Nicht-Musicalomanen ankommt, "Actionshow" womöglich auf Shows wie "Spiderman - Turn Off The Dark", von dem ich mich vor Kurzem selbst überzeugen oder nicht überzeugen konnte, "Mitjohlen", hmm...vielleicht machen das manche Musicalomanen, aber da geht es dann um etwas anderes. Fazit: Das Musical wird nicht ernst genommen, seine Liebhaber auch nicht. Das Potenzial wird nicht gesehen, wird unter den Tisch gekehrt, nicht wahrgenommen. Man lässt dem Musical keine Chance mehr. Man spricht von Zeiten, die für das Musical vorbei sind und bringt nur mehr Kritiken über Musicals heraus, die es als flach bezeichnen. Soll man jetzt also froh sein, dass das von der Kritik hochgelobte "Woyzeck" als Musical bezeichnet wird, weil nun ein paar positive Meldungen kommen?
P.S.: Woyzeck als "schräges Musiktheater" in orf a.viso - da könnten sie Recht haben, 1+ für diese Bezeichnung.

+ Jesse Eisenberg und das Musical: Heute morgen, ich stolpere über einen interessanten Artikel - "Some Actors Work Both Sides of a Script". Jesse Eisenberg und Zoe Kazan im Gespräch mit Jason Zinoman, The New York Times. Beides Schauspieler, die sich zurzeit als Dramatiker versuchen und deren Stücke im Oktober in New York zur Uraufführung kommen. Gerne würde ich Eisenbergs Komödie "Asuncion" sehen, er selbst als "blogger whose ideals clash with his life experience"...ein Kommentar am Rande des lesenswerten Interviews: "At the end of a 90-minute conversation Jesse Eisenberg announced that what he really would like to do is write a musical." Nach ein wenig Recherche kommt heraus, dieses dürfte bereits - zumindest in Grundzügen - existieren. Sean Gandert interviewte Eisenberg schon 2009 für das Paste Magazine und auf die Frage "What’s the stuff you’ve written like?" antwortete Eisenberg "I wrote a musical that’s just starting to get to the early stages of production, which is called Me Time, about modern self-indulgence. It’s a musical satire." Auch in einem Guardian Artikel (Oktober 2010), sowie in der New York Post (Oktober 2011) ist von einem Musical zu lesen. Vielleicht verspreche ich mir zu viel, erwarte zu viel, doch irgendwie glaube ich, dass dieses Musical etwas Besonderes sein könnte, in der Manier von Jonathan Larson und Jason Robert Brown - vielleicht nicht ganz so genial - mit Sondheims Witz und einer Prise Woody Allen oben drauf, so meine Vorstellung. Diese Geschichte werde ich jedenfalls weiterverfolgen, vielleicht wird es auch nichts, aber die Idee von einem Jesse Eisenberg Musical gefällt mir irgendwie sehr gut.

Premiere: Singin' in the Rain - Kammerspiele

2011-09-24T19:43:00.001+02:00

„Das Stück legt sich wie ein kleiner Zauber auf die Zuschauer. Es macht unendlich viel Spaß und bringt die Atmosphäre der damaligen Zeit auf die Bühne.“ (Kritik zu Singin‘ In The Rain – Stadttheater Klagenfurt, 1.8.10)

Diesen Zauber erreicht die Produktion in den Kammerspielen nicht ganz, da macht sich die fehlende Größe der Bühne zu bemerken. Spaß macht die Produktion aber, ein netter Theaterabend ist garantiert.
Die kleine Bühne macht sich gut. Werner Sobotka und das restliche Creative Team haben gut gearbeitet und gezeigt, dass nichts unmöglich ist (sogar der Regen beim Titelsong).
Ein Grund warum „Singin‘ In The Rain“ auf der kleinen Kammerspiel-Bühne funktioniert sind die Choreographien und die Tänzer, die sie leichtfüßig auf die Bühne bringen. Fulminant, spritzig und herausfordernd bietet Choreograph Ramesh Nair (Assistenz: Katrin Mersch) einen (kleinen) Augenschmaus. Wie im ORF Making Off zu hören wurde die Latte sehr hoch gelegt – man sieht es und bewundert. Vor allem die Steppnummern und die Hebefiguren von Kathy (Nina Weiß) und Don (Gaines Hall) haben es in sich und bieten mehr als man sich denkt.

Gaines Hall has got the looks für den Part des Stummfilmstars Don Lockwood, die Ausstrahlung und die Tanzkünste, auch gesanglich liefert er eine ganz gute Leistung ab. Insgesamt hat mir jedoch irgendetwas gefehlt. Daniel Prohaska versprühte in der Rolle des Don in Klagenfurt doch mehr Charme. Prohaskas Vorteil war außerdem das fantastische Zusammenspiel mit Peter Lesiak als Cosmo Brown. Diese Chemie erreichen Hall und Nair nicht, wobei letzterer für mich DAS Highlight - neben Jennifer Kossina als Lina Lamont (großartige Performance in einer Abräumerrolle) - von „Singin‘ In The Rain“ in den Kammerspielen ist. Sein „Make Em Laugh“ ist sehr komisch und von Sobotka toll inszeniert, es gibt zwar viel „Drumherum“, aber es funktioniert alles. Von der Königin der Nacht, über den Hasen aus dem Hut bis hin zu Schwanensee – ein „Gustostückerl“ der Inszenierung. Ramesh Nair hat die Sympathien das ganze Stück über auf seiner Seite, seine Mimik, sein Timing, sein ganzes Auftreten sind bis ins Detail gelungen.

Nina Weiß gibt Kathy Selden natürlich und charmant. Aus dem Ensemble stechen Katharina Dorian – sie trifft Dora Bailey wie auch Miss Dinsmore genau, einfach nur witzig („Rrrunde Töne, rrunde Töne“) und Markus Simader heraus, der Hall und Nair beim „Sprechunterricht“ die Schau stiehlt; seine Perfomance als Sprechlehrer ist ein wahres Highlight.

Überraschend sind die neuen Arrangements von Christian Frank – vielfältig und kreativ.
Auffallend gut sind auch der Cameo Auftritt des Regisseurs Werner Sobotka im Kurzfilm zur Demonstration des Tonfilms und die Applausordnung – einmal anders.

"Singin' In The Rain" ab jetzt en suite in den Wiener Kammerspielen.

Links:

- Kritik "Singin' In The Rain" Stadttheater Klagenfurt
- Theater in der Josefstadt
- Trailer "Singin' In The Rain" Kammerspiele
- ORF Making Off - Matinee

Willkommen im Musical-Herbst...

2011-09-08T11:43:00.001+02:00

Man glaubt es kaum, aber es ist wieder soweit…der Musical-Herbst zieht ins Land.
Neben "Aida" und "Egon Schiele" brachte mich der Sommer nach London zu "Ghost" und "Billy Elliot", doch was in den nächsten Wochen und Monaten auf uns Musicalliebhaber wartet ist vielversprechend.

Da findet man Neues und wiederkehrendes Altes und Gutes wie z.B. das Musical Unplugged Konzert, das zum sechsten Mal stattfinden wird oder die Wiederaufnahme von „An Evening Without Scott Alan“. Man kann Deloris und die Klosterschwestern im Ronacher besuchen oder mit Jason Robert Brown und dem Vienna Theatre Project in der Drachengasse auf den Beziehungspfaden von Jamie und Cathy in „The Last 5 Years“ wandeln.

Im Akzent kommt eine überarbeitete Fassung von „Wenn Rosenblätter fallen“ auf die Bühne, ein Musical, das eine ganz eigene Feinheit besitzt und nach Workshops und Überarbeitungen jetzt (hoffentlich) in vollem Glanz erblühen wird. Im krassen Gegensatz dazu steht die „Rocky Horror Picture Show“ mit Rob Fowler, wieder auf dem Programm des Museumsquartiers, wo auch „Woyzeck“ mit dem großartigen Raphael van Bargen und den Tiger Lillies Ende September zur Uraufführung kommt.

Die Volksoper bietet ebenfalls eine Mischung aus Alt und Neu und zeigt noch einmal „Hello, Dolly!“ bevor es weiter nach Rom geht und ab Dezember „Die spinnen, die Römer“ aka Sondheims „A Funny Thing Happened On The Way To The Forum“ auf dem Spielplan steht. Ein mutiger Schritt in die richtige Richtung.

Die Kammerspiele trauen sich an eine En Suite-Produktion von „Singin‘ in the Rain“ heran, während sich in Salzburg Uwe Kröger als Baron von Trapp beweisen darf (schlechte Vorahnung), in Klagenfurt auf den Klassiker „My Fair Lady“ zurückgegriffen wird (warum nicht, immer nett) und das Wiener Metropol immer noch "Ti Amo 2" spielt (anscheinend immer noch erfolgreich?!).
Ein buntes Programm also, das längst nicht vollständig ist, aber trotzdem schon Vorfreude aufkommen lässt. Und auch sonst steht viel Neues an, sollte z.B. Kathrin Zechner tatsächlich die VBW verlassen, um zum ORF zurückzukehren (was das bedeutet wird sich bald zeigen). Ganz besonders freuen darf man sich auch auf die lang ersehnte CD der "Wildhorn and Friends"-Gala, die am 11. November erscheinen wird.

Für mich geht es am Samstag aber erstmal nach New York, wo „How To Succeed in Business Without Really Trying“, „The Submission“ mit Jonathan Groff und „Spider Man Turn Off The Dark“ auf mich warten…

AIDA - Felsenbühne Staatz

2011-08-08T11:11:00.002+02:00

AIDA ist alleine schon wegen der Musik sehenswert. Elton John hat hier Melodien und Harmonien entworfen, die einen nicht loslassen – von „Durch das Dunkel der Welt“ über „Die Sonne Nubiens“ bis hin zu „Einen Schritt zu weit“ und „Die Wahrheit“. Ein toller Song folgt auf den anderen. Dieses Jahr wieder nach Staatz zu fahren war also eine ausgemachte Sache für mich.
Die Inszenierung auf der Felsenbühne lebt von den Ensembleszenen und einer großartigen Hauptdarstellerin. Charlotte Thompson als nubische Prinzessin Aida hat die Sympathien sofort auf ihrer Seite und singt ihre Partie sehr sicher. Auch schauspielerisch liefert sie eine gute Leistung ab und führt durch das Musical mit Gefühl und als starke Persönlichkeit. Ihr zur Seite steht Patrick Schenk als Radames. Er bemüht sich, hat aber das ganze Stück hindurch Höhen und Tiefen – sowohl im Gesang, als auch in seinem Spiel und wirkt etwas farblos. „Radames‘ Brief“ als Liebeserklärung geht da leider etwas unter, da es Schenk nicht ganz schafft die Gefühle in seiner Stimme zu transportieren, ein bisschen mehr Fingerspitzengefühl wäre an diese Stelle nicht schlecht gewesen. Doch zum Finale der Show gewinnt Radames wieder und stirbt einen tragischen Tod. Dem Liebespaar gegenüber steht Amneris, Tochter des Pharao und Verlobte von Radames - eine Rolle, in die man viel einbringen kann. Amneris macht im Laufe des Musicals eine große Entwicklung durch – die Darstellerin muss den Bogen von einem versnobten Prinzesschen, dessen einziges Ziel es ist gut auszusehen, zur mitfühlenden, starken Frau mit gebrochenen Herzen spielen können. Es ist kein leichter Part, denn man muss die Grenzen austesten und sie finden – sei es nun um die Sympathien des Publikums zu gewinnen oder die Glaubwürdigkeit zu bewahren. Elisabeth Sikora schafft dies leider nicht immer, auch ihre Leistung ist durchwachsen. Zu dumm – statt naiv dümmlich – ist mit die anfängliche Amneris, zu aufgesetzt und übertrieben. Die Pointen passen ab und zu aber doch und ihr Solo „Die Wahrheit“ überzeugt. Ihre Stimme harmoniert zudem sehr gut mit der von Charlotte Thompson.

Sympathisch und gerissen gibt Christof Messner Mereb, den nubischen Kammerdiener Radames‘, und stirbt einen überzeugenden Bühnentod. Schade, dass Mereb nicht mehr zu singen hat, Messners Stimme würde man gerne länger zuhören. Alice Macura als Nehebka spielt ihre Rolle gut, bleibt jedoch etwas zurückhaltend. Werner Auer als Zoser liefert eine passable Leistung ab.

Die Felsenbühne wurde gut in einen ägyptischen Palast verwandelt und ermöglicht mit einer Bühnenschräge sowohl einen Catwalk für „Ein Sinn für Stil“ als auch eine Grabkammer für das traurige Ende der Geschichte (Jack Hamal). Zu den Kostümen (Inge Föderler und Brigitte Hamal) gibt es zu sagen, dass die Sklaven besser angezogen sind als der Rest. Die bunten, afrikanischen Kostüme sind kreativ und schön, auch Aida steht das fliederfarbene Kleid ausgezeichnet. Merebs erstes Ensemble ist etwas gewöhnungsbedürftig, man hätte Messner gleich in seinem zweiten Kostüm spielen lassen sollen – Authentizität hin oder her. Das ägyptische Heer in violettem Lederimitat – da gibt es sicher bessere Lösungen. Amneris Kostüme wirken ab und zu etwas billig, funktionieren aber im Großen und Ganzen. Über kleinere Dinge lässt sich hinwegsehen, bei der Fashion Show bei „Mein Sinn für Stil“ sollte man sich aber überlegen die Augen zu schließen, zu viel Kinderfasching, wenig schönes Kreatives ist hier dabei. Allein ein blaues Kleid gefällt, warum ist man nicht bei jedem „Model“ bei einer Farbfamilie geblieben? Hier hätte die Kostümabteilung wirklich die Möglichkeit aufzutrumpfen und verpasst sie.

Aida in Staatz überzeugt in Szenen wie „Die Sonne Nubiens“, in denen das junge Ensemble alles gibt. Wenn das große Ensemble die Bühne bevölkert ist etwas los, sei es nun im Gefängnis, am Marktplatz oder am Nil beim Wäschewaschen. Hier entstehen schöne Bilder und Stimmungen. Wenn jedoch die Hauptdarsteller die Bühne alleine beherrschen sollen, kommt es hin und wieder zu Spannungsverlust – auch wenn Aida und Radames‘ Duette den Raum ganz gut füllen ist nicht immer viel zu spüren. Aber wie gesagt, schon alleine wegen der Musik ist AIDA einen Besuch wert.

Wer noch einen Ausflug nach Staatz plant, der sollte sich beeilen, gespielt wird nur noch diesen Donnerstag bis Samstag (Derniere). Tickets gibt es – wenn man Glück hat - noch über Ö-Ticket oder an der Abendkassa.

Nächstes Jahr wird übrigens Maury Alan Yestons TITANIC aufgeführt...
LINKS:

- Felsenbühne Staatz
- Kritik 3 Musketiere - Felsenbühne Staatz

Festspiele Gutenstein: Egon Schiele - Das Musical

2011-07-22T11:28:00.004+02:00

Dieses Jahr war es an der Zeit für mich den Festspielen Gutenstein einen Besuch abzustatten. Das Festival „rühmt“ sich in den letzten Jahren mit Musical-Uraufführungen, doch bis jetzt habe ich es nicht geschafft, mir selbst einen Eindruck zu verschaffen. Seit gestern bin ich allerdings der Meinung nicht viel verpasst zu haben, denn was dort geboten wurde, dafür ist es fast schade Geld auszugeben.
So dachten sich das anscheinend einige. Das Theaterzelt war in den ersten Reihen gefüllt – Regiekarten der Schauspieler, der Rest des Publikums staute sich in den letzten Reihen - die Sitzplätze mit Kartenpreisen, die für Sommertheater angebracht und erschwinglich sind – 30 bis 40 Euro. Mehr zahle ich nur in Ausnahmefällen und dann für Produktionen mit Garantie für gute Unterhaltung. Dann allerdings auch gerne.

Egon Schiele – Das Musical. Ich habe eine Vorliebe für Geschichten von „verschrobenen“ Menschen, „anderen“ Menschen, „Knallköpfen“ wie Schiele einer war, deswegen schien mir das Thema grundsätzlich ganz interessant – doch wie wird es umgesetzt? …da kommen wir schon zum ersten Kritikpunkt. Die Idee eine Verbindung zwischen heutiger und damaliger Welt zu schaffen hat ihren Reiz und ist eigentlich gar nicht schlecht…

Die Story. Museums-Security Julian übernimmt bei einer Egon-Schiele-Ausstellung den Nachtdienst und tritt in Kontakt mit Schieles Welt. Muse und Weggefährtin Schieles, Wally Neuzil, nimmt mit ihm Kontakt auf. Sie kann nicht ruhen bis sie von Egon eine Antwort auf ihre Frage bekommen hat. Julian wird zu Egon und in die Welt des Künstlers gezogen. Szenen aus dem Künstlerleben mischen sich mit Szenen aus Julians Alltag bis es anscheinend keinen Weg zurückgibt und Julian sich als Egon im Jenseits verfängt. Er wird für verrückt erklärt, doch Kuratorin Sarah Schumann und Julians Mitbewohner Peter wollen ihm helfen und versuchen zu verstehen. Sie glauben an die Rückführung und das Mysterium, glauben, dass Julian Egon Schiele gewesen sein kann und versuchen ihn in die reale Welt zurück zu holen. Zum Schluss gelingt dies. Julian stirbt als Schiele mit 28 Jahren an der spanischen Grippe, doch mit Hilfe seiner Freunde wird er wieder zum Leben erweckt. Sarah bittet Wally ihn loszulassen, Wally bekommt die Antwort auf die Frage und haucht Julian wieder Leben ein. Dieser fällt Sarah in die Arme und beteuert seine Liebe zu Wally, dem Leben und dem Tod.

Die Gundzüge des Buches sind durchaus brauchbar. Das Buch selbst eine Katastrophe. Bruchstücke, die sich einfach nicht aneinanderfügen wollen, Dialoge, die nicht funktionieren, weil steif und aufgesetzt. Die Story nicht gut ausgearbeitet, Sprünge, die viel zu viel wollen und keinen Sinn ergeben. Szenen, bei denen man sich fragt, was die hier verloren haben (Bsp.: „Für jede Anomalie die rechte Therapie“ – Julian sagt er muss zum Therapeuten, schon springen vier Freudianer aus den Ecken und umgarnen ihn mit Ratschlägen).

Das Buch (Sissi Gruber, Niki Neuspiel) ist sogar so schlecht, dass ich richtig Mitleid für die Darsteller empfunden habe. Sie können leider gar nichts dagegen machen, sie müssen spielen, was da steht, was geschrieben wurde. Müssen sich dafür hergeben, auch wenn es ihnen nicht gefällt. Wie schwer muss das für einen talentierten Künstler sein? Sich selbst auszuschalten und sich einem Text, einer Inszenierung zu verschreiben, die einfach nichts taugt, vielleicht weil man einfach das Geld braucht. Das schlechte Buch ist nämlich nur das eine, die Regie (Dean Welterlen) das andere – quasi nicht existent bis klischeebeladen grauenhaft. Von Staatz hört man Ähnliches. Keine Regie, keine Schauspielerführung, die Darsteller müssen alles selbst erarbeiten. Im Gegensatz zu Gutenstein gibt man den jungen Darstellern in Staatz wenigstens die Möglichkeit selbst etwas daraus zu machen, außerdem haben sie den großen Vorteil eines funktionierenden Buches. Es handelt sich um etablierte Musicals, die funktionieren, mit denen man arbeiten kann. „Egon Schiele – Das Musical“ fehlt es an jeglicher Grundlage. Als Darsteller kann man so gut spielen wie man will, es kann einfach nichts werden, wenn der Text nicht will. In diesem Fall will er leider überhaupt nicht. Unnatürlichkeit, die mir wie ein Schauer über den Rücken läuft. Aufgesetztes Gerede, das mich zum Kopfschütteln zwingt. Die Lyrics (Birgit Nawrata, Sissi Gruber) auf großen Strecken ein Graus, dabei haben die Melodien (Musik: Gerald Gratzer) ab und zu doch in Ansätzen Potential („Eros und Tod“, „Mein Platz im Leben“, „Feuerrot“, „Aus dem Feuer meiner Sehnsucht“).

Als ob das nicht schon genug wäre setzt die Choreographie von Cedric Lee Bradley noch einen drauf – lächerlich. Wirklich lächerlich - einfallslos bis zum Geht-nicht-mehr. Das Bühnenbild ist von der Idee her ganz nett – die Projektionsflächen mit Animation und Schiele-Bildern funktionieren größtenteils. Anderes wiederum ist peinlich und - was mich am meisten nervt - lieblos. Lieblose Wohnung von Julian, lieblose Krumau-Landschaft (die Schönheit der Natur bleibt mir hier verborgen), lieblose Kostüme (bis auf die durchaus gute Idee mit den Ganzkörperanzügen aus Aktbildern Schieles und Wally).

Das Ensemble will ich gar nicht viel kritisieren. Die haben ihr Möglichstes gegeben. Was soll man auch machen bei einer Vorlage und eine Regie wie dieser. Markus Neugebauer war vielleicht eine Fehlbesetzung – war mir zu wenig Schiele, zu wenig verletzliche, verrückte Künstlerseele. Als Julian hatte er ab und zu nette Momente. Sabine Neibersch und Franziska Schuster konnten mit ihren Stimmen wenigstens Einiges retten. Doch der wirkliche „Lifeguard“ der Show war Thomas Strobl als Novak. Er spielte natürlich, hatte die Lacher auf seiner Seite und war so wohltuend, dass man zeitweise vergessen konnte, wie sich das Musical am Rande des Abgrunds bewegt. Harald Baumgartner als Julians Mitbewohner Peter war zuviel "High School Musical" und sein Charakter eher Nacherzähler der Handlung, für die Zuschauer, die vielleicht am „Abdriften“ waren. Der Rest hat seine Leistung erbracht, leider konnte da auch nicht viel gerettet werden.

Ich hoffe für die Zuschauer der letzten Jahre, dass wenigstens „Tutanchamun“ und „Gustav Klimt – Das Musical“ mehr zu bieten hatten, wobei…wenn ich an den Applaus von gestern zurückdenke, dürfte "Schiele" vielen gefallen haben. Meinen Geschmack hat "Egon Schiele - Das Musical" leider nicht getroffen...

Ich schreibe nicht gerne einen Verriss, aber ich muss gestehen, dass ich mich betrogen fühle. Ich gebe Geld aus und bekomme so etwas geboten. Eigentlich ist es eine Frechheit. Man sollte sich Theater nicht „antun“ müssen. Vielleicht sollte sich das Team der Festspiele Gutenstein überlegen, ihren Stolz zurückzustellen und sich bereits etablierten Musicals zu widmen, die funktionieren, aber vielleicht nicht so oft gespielt werden – da gibt es doch einige - oder sich mehr Zeit mit der Entwicklung eines Stücks zu lassen, einige Überarbeitungen wären gut gewesen...

Kons: Bachelor-Show

2011-06-18T09:13:00.001+02:00

Gestern, heute und morgen findet am KONS die Bachelor-Show des Abschlussjahrgangs statt. Wer junge und unglaublich talentierte Darsteller in einem bunten Mix aus Musical, Operette, Chanson, Drama, Tragödie, Komödie, Tanz, Akrobatik (...) sehen will, der komme jeweils um 19:00 in den Leonie-Rysanek Saal in der Johannesgasse. Karten gibt es um 15 bzw. 9 Euro. Es zahlt sich aus...schon allein wegen der Interpretation folgender Nummer - die einen Tränen lachen lässt...

...und außerdem wegen Lena Brandt als Edith Piaf, Martina Lechner, die mit „Pirron und Knapp“ alle auf ihre Seite zieht, Miriam Mayr, die mit selbstgeschriebenen Monologen zur Heiratsfrage eine hinreißend charmante Performance gibt, Petra Straussová, die eine ganz besondere „Komposition“ zu Ehren Frida Kahlos zaubert und Christof Messner, der einfach nichts falsch machen kann (auch wenn das Mikro mal nicht so will), weil er nur so von Talent und Ausstrahlung strotzt, sei es nun „Rudolf“ oder Jamie Cullum…

West End Eurovision

2011-05-10T11:06:00.004+02:00

Während ich mich in wenigen Minuten auf nach Düsseldorf mache - ja, ich fahre zum Songcontest - könnt ihr euch auf diesen mit "West End Eurovision" einstimmen. Ein Wettbewerb der West Ends Shows ganz im Zeichen des Eurovision Songcontest. Die Ensembles der Shows treten gegen einander an, singen Eurovision-Hits in neuen, musicalischen Versionen und bekommen 1-12 Punkte :) Highlights der letzten Jahre kann man sich online ansehen - viel Spaß dabei.

Leider kann ich nicht beim zweiten VBW-Haiti-Benefizkonzert dabei sein, aber man kann nicht alles haben :) Wer von euch dabei ist, dem wünsche ich viel Spaß. Ich finde es großartig, was Marjan Shaki und Lukas Perman auf die Beine stellen und welchen Einsatz und ehrliche Betroffenheit sie zeigen. Wer keine Karten mehr ergattern konnte und dennoch etwas Gutes tun möchte - sich und den Opfern, der kann auf ebay seltene Musical-Souvenirs ersteigern. Los geht's!!

WEST END EUROVISION:

- Legally Blonde: Flying the Flag
- Billy Elliot: Let It Swing
- Avenue Q: Better the Devil You Know
- Les Miserables: Puppet on a String
- und viele andere...

Radio-Tipp: Apropos Musik - Filmmusical

2011-04-22T16:28:00.000+02:00

Am 6. Mai widmet sich die Ö1 Sendung "Apropos Musik" dem Thema "Filmmusical".

Gestaltung: Daniela Zimper, u.a. mit Ausschnitten aus Singin' in the Rain, Ein Amerikaner in Paris, The Sound of Music.

Ö1, 6.5.2011, 15:05-16 Uhr - Apropos Musik "Filmmusical"

Jesus Christ Superstar - Ronacher

2011-04-21T23:04:00.005+02:00

Eine Tradition. Kein Ostern ohne Jesus Christ Superstar. Für mich jedenfalls ist es nicht richtig Ostern, habe ich nicht einmal JCS gehört oder gesehen. Ich brauche es fast, um einen Moment inne zu halten und mich auf die Geschichte von Jesus zu besinnen.

Heute hat es mich also ins Ronacher gezogen, um die Geschichte in mich aufzunehmen und in mir "Ostern" werden zu lassen. Die konzertante Aufführung dieses Musicals ist mittlerweile auch Tradition der VBW, und zwar eine gute! Die Besetzung wechselt zwar von Jahr zu Jahr, aber ansonsten gibt es nicht viele Veränderungen.
Was gibt es also zu der diesjährigen Inszenierung (Dennis Kozeluh, Staging: Jerôme Knols) zu sagen? Ich kann gar nicht anders, als mit Drew Sarich zu beginnen. Lobeshymnen auf ihn singe ich nur allzu gerne und dieser Darsteller gibt mir auch immer einen Grund dafür. Seit ich ihn als Jesus Christ gesehen habe, gibt es keinen anderen mehr, der diese Rolle spielen kann. Er hat die Rolle so in sich, dass ich mir keinen anderen als Jesus vorstellen möchte. Sarich beherrscht seine Stimme - und was für eine! - wie kein anderer. Alle Töne sitzen, doch er geht noch darüber hinaus. Er füllt Jesus mit unzähligen Elementen aus und präsentiert ihn mit allen Facetten, die diesen Menschen ausmachen. Sarich ist Jesus Christ, ist Mensch mit Gefühlen. Zweifel, Ängsten, Wut, Gutmütigkeit, Liebe, Sanftheit, Aggression - alles ist da. Zum Greifen nah. Drew Sarich greift nahezu in unser Herz und berührt es direkt an der Stelle, wo wir am meisten wir sind - mit unseren Gefühlen, Zweifeln, Ängsten. Mir kommen bei "Gethsemane" immer die Tränen - es ist ein Song der mir die Luft wegschnürt. Obwohl ich kein großer Andrew Lloyd Webber Fan bin, beweist der Song immer wieder zu welchen Kompositionen Andrew Lloyd Webber fähig ist. Jesus Christ Superstar ist sein Meisterwerk. Finde ich.

Kommen wir nun zu Judas. Judas ist ein schwieriger Fall. Er ist ein komplizierter Charakter, doch vor allem ein Mensch, der enttäuscht wird. Judas ist ein guter Mensch, aber einer der nicht mehr weiter weiß, nicht mehr verstehen kann und die Grenze überschreitet, weil er glaubt richtig zu handeln. Er ist Spannung zwischen Gegensätzen, befindet sich dauernd im Zwiespalt - eine sehr herausfordernde Rolle, die viele Möglichkeiten offen lässt. Idealbesetzung der letzten Jahre war für mich klar Serkan Kaya. Kaya hat Judas genau "erwischt" und ihn nicht nur glaubwürdig, sondern auch sympathisch und ehrlich dargestellt. Dieses Jahr ist Mischa Mang Judas und tobt sich auf der Bühne aus. Leider etwas zu sehr. Er ist immer "slightly over the top" und beansprucht die Bühne zu sehr für sich. Seine tolle Rockstimme nützt er bis auf das Letzte aus, doch hätte er sie an manchen Stellen eher zurücknehmen sollen. Es war zu viel. Nicht immer war klar, wo er mit "Judas" hinwollte; zu wenig ausgearbeitet schien, was er hier performte. Wie es hätte sein können, konnte man nur kurz bei "Blood Money" erkennen.

Solide wie immer Caroline Vasicek, die "I Don't Know How To Love Him" immer zu seinem kleinen Erlebnis macht. Ihr Stimme ist so voll Liebe und hat einen wunderbar angenehmen Klang, dem man immer lauschen könnte. Schade, dass sie nicht auf der CD-Aufnahme von 2005 zu hören ist. Rob Fowler allerdings ist sowohl auf der CD, als auch jetzt wieder im Ronacher als Simon/ Annas zu hören. Fowler hat es einfach drauf. Auch er gibt alles und überzeugt einmal mehr mit Stimme, Charme und Gesamtperformance.

Überraschung: James Sbano als Herodes und Alexander Di Capri als Pilatus. Während Sbano sich in seiner Muttersprache einmal richtig austoben kann - wirkt gleich viel besser! - beginnt Di Capri zunächst schwach, gibt Pilatus dann aber ungeahnte Nuancen und blüht auf.
Enttäuschend: Norbert Kohler als Petrus. Langweilig und statisch. Schade.

Aus dem Ensemble sind vielleicht noch Gernot Romic und Robert D. Marx hervorzuheben, die mit einer großen Portion Spielfreude ihren Charakteren Leben einhaucht haben.

Dieses Jahr gut umgesetzt wurde auch die Bühnensituation mit dem Orchester on stage (Robert Hirner). Ein Kreuz zieht sich quer über die Bühne, ist immer präsent. Es lässt einen nicht los und zwingt dazu, das Ende im Gedächtnis zu behalten - man kann es aber auch so nicht vergessen. Schön auch die Idee mit dem "Feuer-Kreuz".

Zu bemängeln wären noch die öden Choreographien, die trotz des Platzmangels peppiger ausfallen hätten können. Da wäre noch mehr drinnen gewesen...
Und wie immer: Das Orchester top, aber zu laut. Mang, der eh schon viel schreit, musste noch einen drauf setzen - das war dann zu viel.

Achja, eine Anmerkung gäbe es da noch: Das Premierenpublikum war zwar sehr enthusiastisch, konnte es aber ab und zu gar nicht aushalten mit dem Applaus zu warten. Die Songs waren eindeutig noch nicht zu Ende und es wurde direkt hineingeklatscht, in die berührendstens Momente. Mit so etwas habe ich manchmal ein Problem, aber vielleicht geht das nur mir so...

Alles in allem ca. 90 min (ohne Pause) gute Unterhaltung mit einigen tollen Stimmen. Schon wegen Drew Sarich alleine zahlt es sich aus hinzugehen!

Jesus Christ Superstar (In Concert) ist noch an diesen Terminen zu sehen:

Freitag, 22. April 2011 um 19:30 Uhr
Samstag, 23. April 2011 um 19:30 Uhr
Sonntag, 24. April 2011 um 18:00 Uhr

Links:

- Tickets und Info
- Fotos

Tanz der Vampire - Die Neuen

2011-03-02T09:49:00.001+01:00

So, gestern habe ich also endlich Drew Sarich als Vampirgrafen gesehen und - wie angenommen - hat er mir unglaublich gut gefallen. Ich könnte mit Superlativen um mich werfen, unterlasse dies aber lieber - ihr könnt es euch vorstellen.

Drew Sarich wurde mit einer Stimme gesegnet, die man einfach nicht beschreiben kann. Sie trifft einfach direkt ins Herz und erfüllt mich immer ganz - sie ist ein kleines Wunder. Die Stimme ist es auch, die seinem Krolock die erhabene Präsenz gibt - im Gegensatz zu Thomas Borchert, der durch seine Statur schon eine natüliche Krolock-Präsenz hat, er braucht eigentlich nicht mehr viel zu machen. Aber Drew Sarich ist anders. Er ist ein anderer Krolock und was für einer. So sehr ich Borchert schätze, der Cast Wechsel war gut, denn er hat frischen Wind in das Musical gebracht.
Sarich legt seinen Krolock ganz anders an. Er bewegt sich wie irgendwie ein bisschen wie ein Panther und bekommt dadurch etwas Animalisches. Sarich spielt den Grafen ein wenig verrückt und mit einem leichten "Tick". Krolock wird unberechenbar und das verleiht ihm eine gruselige Aura, die einen nicht loslässt. Drew Sarich unterstützt dies mit vielen Gesten und einer ausgefeilten, sehr natürlichen Mimik. Alles an ihm ist Krolock, er lebt ihn auf der Bühne und das fesselt mich. Ein weiteres Plus sind seine stimmlichen Qualitäten, die er hier voll ausleben kann - besonders ist, dass er ziemlich viel variiert. Er singt die Patitur nicht herunter, sondern macht sie zu seiner eigenen. Die Variationen bringen neues Leben in die Show und verursachen bei mir Gänsehaut - ein tolles Gefühl. Natürlich auch bei "Unstillbare Gier" - die er energisch, sehr ehrlich, gefühlvoll, aber auch verzweifelt singt...unbeschreiblich gut.

Gestern habe ich außerdem das erste Mal den neuen "Fledermaus/Vampir-Flug" gesehen. Ob den die Show gebraucht hat ist fraglich, aber nett ist er allemal. Ein bisschen "Spiderman-Action" muss anscheinend heutzutage sein :)

Kommen wir noch kurz zum Rest der Besetzung...
Fernand Delosch als Chagal - eine Wohltat. Ich persönlich finde James Sbano lässt etwas nach, auch wenn er den Wirten sehr gut spielt, man versteht kein Wort. Delosch kann mit Sbano locker mithalten, er ist nicht so eingerostet und bringt frischen Wind.
Melanie Ortner gefällt mir als Magda sehr gut. Marjan Shaki und Lukas Perman werden immer besser. Vor allem Shaki gibt ihrer Rolle noch neue Dimensionen. Ich bewundere es sehr, wenn man eine Rolle so lange gespielt hat, jeden Abend - und trotzdem nicht an Qualität verliert, sondern seine Leistung noch einmal steigert. Man geht wahrscheinlich noch tiefer in den Charakter hinein, um sein Spiel noch zu verfeinern, doch die Gefahr nachzulassen besteht immer. Bei Perman und Shaki, sowie auch Katharina Dorian, Marc Liebisch und Thomas Weissengruber ist das nicht der Fall. Gernot Kranner jedoch spielt zwar den Professor wie eh und je, kann aber in puncto Ausdruck nicht mehr ganz überzeugen. Würde ich den Text nicht kennen, ich wüsste manchmal nicht, von was er denn singt. Ich finde das etwas schade, denn gerade auch die Lyrics sind oft sehr lustig.
Zum Schluss gibt es noch zu sagen...das Carpe Noctem Solo ist zwar gestern etwas besser gewesen als sonst, aber trotzdem immer noch katastrophal - den Sängern geht immer die Luft aus, sie stützen nicht und ihre Töne klingen schief und irgendwie abgewürgt. Ein kleines Trauerspiel, das Gänsehaut aus dem falschen Grund erzeugt. Schade, das muss eigentlich nicht sein.

LINKS:

- Making Of Fledermaus-Vampir-Flug Video
- Drew Sarich - Die unstillbare Gier
- Drew Sarich bei den Proben zu Tanz der Vampire

*Image via

South Pacific In Concert - Volksoper

2011-02-28T18:34:00.004+01:00

Letztes Jahr habe ich es leider nicht geschafft mir eine der konzertanten Aufführungen in der Volksoper anzusehen, aber dank der Wiederaufnahme konnte ich es gestern noch erleben. Wer es noch sehen will, der hat am 2. März noch die Möglichkeit dazu, danach ist erst einmal Schluss...

South Pacific In Concert wurde bereits 2005 in der New Yorker Carnegie Hall aufgeführt - und was für ein Konzert das gewesen sein muss. Die großartige Reba McEntire als Nellie Forbush, Brian Stoke Mitchell als Emile und Alec Baldwin als Luther. Ein Genuss. Auf dieser Fassung von David Ives basiert auch die Österreische Erstaufführung des Musicals, die letztes Jahr im Jänner in der Volksoper Premiere feierte.

Die Idee das Rodgers & Hammerstein Musical nach Österreich zu bringen war eine gute. Enstanden ist sie laut Dramaturg Christoph Wagner-Trenkwitz aufgrund eines Hoppalas bei einer Gala, wo er irrtümlich einen Titel aus South Pacific ankündigte. Der berühmte (mir aber nicht bekannte) Opern-Bass Ferruccio Furlanetto war davon jedoch begeistert und erzählte ihm darauf von seinem Traum einmal Emile de Becque zu spielen. Nachdem er die Rolle am Broadway abgelehnt hatte, um in Wien zu spielen, war der Plan perfekt.

Ich muss zugeben, dass ich aus dem Ensemble einzig allein Sandra Pires und Stephen Chaundry gekannt habe und die beiden waren leider auch so ziemlich die Einzigen, die mich gestern wirklich begeistern konnten...

Sandra Pires verkörperte Nellie mit viel Charme und Liebenswürdigkeit. Sie hat eine wunderschöne, sanfte Stimme und legte außerdem auch schauspielerische Qualitäten an den Tag. Ihr Spielpartner Furlanetto konnte aber nur stimmlich überzeugen. Wenn er gesungen hat, musste ich die Augen schließen um es zu genießen, denn ansehen konnte ich ihn nicht. Keine Ausstrahlung, steife Performance. Etwas lustlos hat er viel Text abgelesen und konnte Gefühle, wenn überhaupt, nur mit seiner Gesangsstimme transportieren - leider auch das nur selten. Trotzdem sahnte er am Schluss den meisten Applaus ab. Tja...
Die Chemie zwischen Pires und Furlanetto strebte gegen Null. Warum sich Nellie in diesen Emile verlieben konnte, bleibt mir ein Rätsel...

Stephen Chaundry gefiel mir als Lt. Joseph Cable wesentlich besser. Man merkt, dass Englisch seine Muttersprache ist und durch diesen Vorteil konnte er auch eine gelungene schauspielerische Leistung erbringen, auch stimmlich machte er sich gut.

Rodgers Musik ist größtenteils sehr schön melodisch, wer kennt "Some Enchanted Evening" nicht? Bali Ha'i finde ich aber immer etwa gewöhnungsbedürftig, obwohl es, wenn es gut performt wird, durchaus seine Qualitäten hat. "Bloody Mary" Marjana Lipovsek hat es passabel performt, sie konnte in ihrer Rolle doch auch überzeugen - aber z.B. im Gegensatz zu Lillias White, die die Rolle 2005 in der Carnegie Hall übernommen hatte, fällt sie aber sehr zurück. Der Chor der Volksoper wirkte durch die aufgesetzte Leichtigkeit etwas peinlich. Die Leistung war okay, aber wenig spritzig und viel zu steif. Das große Orchester der Volksoper hinterließ jedoch einen sehr positiven Eindruck.

South Pacific nach Österreich zu bringen, dafür gibt es schon einmal ein großes Lob. Endlich einmal ein Stück Musicalgeschichte. Die Besetzung ist - meiner Meinung nach - allerdings etwas daneben gegangen -trotz angeblich großer Stars der Opernwelt. Aber da liegt ja schon der Fehler. Musical ist keine Oper - vielleicht manchmal etwas operettig, aber das kann man leicht verkraften. Operndarsteller, die zwar große Stimmen haben, aber denen dafür oft jegliches Schauspieltalent fehlt sind hier einfach unpassend. Wer sehen und hören möchte, wie es wirklich funktioniert, der hört sich am Besten die Broadway Revival Cast Aufnahme oder die Fassung aus der Carnegie Hall (via Itunes erhältich) an - hier ist die Qualität zu Hause.

Fazit: Eine tolle Idee, mit großem Erfolg, aber klassischer Fehlbesetzung. Aber bitte nicht entmutigen lassen, liebe Volksoper. Bitte weitere Versuche dieser Art - sie retten das Musical in Österreich! (Eine CD der konzertanten Version der Volksoper ist bereits erhältlich - ich greife jedoch lieber auf die oben genannten Aufnahmen zurück.)

Das Konzert aus der Carnegie Hall ist auch als DVD erhältlich - ich setze es gleich mal auf meine Wunschliste! :)

LINKS:

Reba McEntire "I'm gonna wash that man right out of my hair"
Reba McEntire & Brian Stokes Mitchelle "Some Enchanted Evening"
South Pacific an der Volksoper

*Image via

Happy Birthday & The Oscar goes to...

2011-02-27T23:01:00.000+01:00

Heute feiert musicalawakening seinen 2. Geburtstag! Die anstrengenden Wochen sind so gut wie vorbei und ich habe wieder Lust und Zeit zu posten...morgen folgt ein Bericht zu den Academy Awards (go, Colin Firth!), die den Trailers nach zu urteilen, musicallastig werden könnten und South Pacific in der Volksoper.
Als Einstimmung auf eine tollen Oscar-Nacht empfehle ich Hugh Jackmans Opening Number von 2009 und die zahlreichen Musical-Trailer mit Anne Hathaway und James Franco, wie dieser hier:

...

2011-02-19T11:45:00.000+01:00

Ich bin eine schlechte Bloggerin und werde auch noch ein, zwei Wochen eine schlechte sein. Im Moment kommt einfach alles zusammen - wie immer. Arbeit am Theater, eine wichtige Arbeit für die Uni, etc. etc. Fakt ist, mir bleibt keine Zeit für Theaterbesuche und Bloggen - und zu vielem anderen auch nicht.

Gestern war ich allerdings seit Ewigkeiten wieder einmal in Tanz der Vampire. Um Drew Sarich und die "neue" Cast zu sehen - wer hat nicht gespielt? Drew Sarich. Naja, vielleicht werde ich es nächste Woche noch einmal versuchen...
Robert D. Marx durfte gestern Krolock sein und das habe ich mir durchaus sehr interessant vorgestellt. Stimmlich einwandfrei. Er spielt sehr viel mit seiner Mimik und spricht auch einige Textpassagen, die bei manchen eher gesungen werden - gar nicht schlecht. Das einzige was mir ich vermisse ist Bühnenpräsenz. Es fehlt einfach etwas. Er ist keine "Erscheinung" wie es Krolock sein sollte. Das "Übersinnliche", "Erhabene" geht mir bei ihm ab, er ist mit den anderen eher auf gleicher Ebene und vermenschlicht die Rolle sehr - was auch ganz gut sein kann, aber hier nicht immer passt. Grundsätzlich hat Marx seine Sache doch sehr gut gemacht, seine angereiste Fan-Schar hat es ihm mit Stofftieren und lautem Kreischen gedankt...

Bald bin ich zurück und starte in einen hoffentlich Musical-reichen Frühling!

Liebe Grüße!

Veranstaltungstipps für den 2.2.

2011-02-02T13:13:00.000+01:00

Heute Abend noch nichts vor und Lust auf Theater? Heute habt ihr die Qual der Wahl...

MUSICAL MAMIS - Metropol. Alljährlich findet diese Benefizgala zugunsten von "Young Mum" statt und bezaubert immer wieder mit netten Beiträgen der Musical Mamis. Bereits zum 6. Mal geht die Charity-Gala im Wiener Metropol über die Bühne. Diesmal mit dabei sind u.a. Maya Hakvoort, Ann Mandrella, Caroline Vasicek und Susanne Carey. Beginn ist um 20 Uhr.

FRAU LUNA - Konservatorium Wien Privatuniversiät. Die neueste Produktion der Kons Abteilung Musikalisches Unterhaltungstheater ist diese spritzige Operette von Paul Lincke. Heile Welt, gute Laune, phantastische Wesen, Berliner Luft und ganz viel Humor. Unter der Regie von Alexandra Frankmann-Koepp spielt der zweite und dritte Jahrgang mit Unterstützung der Abteilung Tanz (Choreografie: Marcus Tech) im Leonie-Rysanek-Saal in der Johannesgasse. Sebastian Brandmeir als Fritz Steppke, Konstantin Zander als Lämmermeier, Florian Stanek als Pannecke, Oliver Liebl als Theophil und Alixa Kalaß als Pusebach heißen die fünf Studenten, die das Stück von Anfang an in der Hand haben und mit viel Elan und Spielfreude an die Sache herangehen. Aber auch Timo Verse (auch Bühnenbild!), Andreja Zidaric als Frau Luna, Caroline Zins als Stella und Tanja Petraschek überzeugen in ihren Parts. Ein beschwingtes Vergnügen mit einigen Ohrwürmern!

"Here Right Now" - Der Song zum Sonntag

2011-01-30T19:22:00.001+01:00

Ich LIEBE diesen Song. Jedes Mal wenn ich ihn höre geht er mir nicht mehr aus dem Kopf. Ich bin schon unendlich gespannt auf dieses Musical - vor allem weil die Musik so vielversprechend ist...

Miss Saigon in Klagenfurt - Ein Trailer

2011-01-23T23:57:00.002+01:00

Eine Art „Trailer“ für die neuste Musicalproduktion am Stadttheater Klagenfurt durfte ich mir heute Vormittag anschauen. Im Rahmen einer Matinee wurde „Miss Saigon“ dem Publikum vorgestellt und das gratis. Alles was man dafür machen musste war sich zwei Wochen vorher pünktlich für Karten anzustellen – diesen Part hat man für mich übernommen und so hatte ich die Möglichkeit heute dabei zu sein, um einen ersten Eindruck des Boublil/Schönberg Musicals in Österreich zu bekommen. Es handelt sich nämlich um die österreichische Erstaufführung, die keinesfalls leicht auf die Bühne zu bringen ist, wie u.a. Matthias Davids (Regie) und Heiko Cullmann (Dramaturgie) berichteten. Angefangen von den kleineren Maßstäben, die das Stadttheater u.a. im Gegensatz zum Stuttgarter Apollo Theater, das eigens für den Hubschrauber umgebaut wurde, bis hin zu ewigen Verhandlungen mit Cameron Mackintosh, der alles absegnen muss bevor es passieren darf. So muss jeder einzelne Darsteller, jedes Kostüm von „oben“ freigegeben werden – was Wochen dauern kann und die Planung nicht gerade einfach macht. Wie ein „Phantom“ schwebt Mackintosh über jeder Produktion "seiner" Stücke und erschwert dadurch so manchen Schaffensprozess. Vermurkst werden darf nichts, dafür wird gesorgt. Videos von den Darstellern müssen nach London geschickt werden, die Besetzung steht nicht, wenn nicht Mackintosh eine Auge darauf geworfen hat, und und und.

Die Matinee ist eine Art Vorbereitung auf die Premiere. Man erfährt hier Hintergrundinformationen, von Bühnenbild, über die Arbeit des Musikalischen Leiters bis hin zu den Ideen des Regisseurs. Außerdem werden dem Publikum die Darsteller vorgestellt. Ein erster Eindruck wird vermittelt, auch um den Kartenverkauf anzukurbeln. Ein kluger Schachzug so eine Matinee und auch ein Erlebnis für sich. Der Musikalische Leiter Michael Brandstätter stellte sehr sympathisch eine Reihe von exotischen Instrumenten vor, Hans Kudlich präsentierte ein Modell der Bühne (Flugzeugwrack trifft menschliches Skelett – „alles ein bisschen grauslich“), Magali Gerberon erklärte ein paar Kostüme und Matthias Davids plauderte über seine Arbeit als Regisseur bei Miss Saigon (das er auch schon 2003 in St. Gallen auf die Bühne gebracht hatte). Heiko Cullmann führte in das Stück ein und interviewte. Dazwischen Songbeispiele der Hauptdarsteller mit Klavierbegleitung.

Kun Jing, die 2010 ihr Studium am Konservatorium Wien abgeschlossen hat, spielt Kim – Miss Saigon. Etwas blass wirkt ihr „Ich gäb’ mein Leben her für dich“, lag aber vielleicht auch an der Aufregung. Auch Carsten Lepper, der in Klagenfurt den „Chris“ geben wird, wirkte eher unscheinbar und performte „Mein Gott, Warum?“ gut, aber nicht wirklich überzeugend. Ich war zunächst enttäuscht die beiden Hauptrollen so farblos zu sehen, aber irgendwie wollte es nicht so recht. Ganz anders die drei anderen Hauptdarsteller – Daniel Eriksson (The Engineer), David B. Whitley (John) und Wietske van Tongeren (Ellen).

Eriksson war mir kein Begriff, heute war er der erste Darsteller, der Leben auf die Bühne gebracht hat. Er hat sich sein Mikro geschnappt, war in der Rolle und hat mitreißend und schmierig performt, so wie es die Rolle verlangt. Eine positive Überraschung. Mit viel Energie brachte er Stimmung und man konnte auch ohne Kostüm, Bühnenbild und Handlung, nur durch seine Perfomance sofort in die Story des Songs ("Tja, wer stirbt nicht gern im Bett") hineinfinden.
David B. Whitley trat mit Verstärkung des Herrenensembles mit „Bui-Doi“ auf. Ein gefühls-intensiver Song, dem Whitley Leben und Soul eingehaucht hat. Er hat eine wunderbare Stimme und obwohl es an seiner deutschen Aussprache noch etwas mangelt, hier passt es – er spielt schließlich einen Amerikaner.
Ebenfalls großartig Wietske van Tongeren als Ellen, Chris Ehefrau. Auch sie brachte viel Energie und Spannung mit auf die Bühne. Sie sang voll Gefühl („Ich kam und sah sie“) und hat ihre Geschichte erzählt, war in der Rolle. Den Abschluss bildete „Sonne und Mond“ – hier tauten Chris und Kim ein bisschen auf, so ganz konnten die beiden aber immer noch nicht überzeugen…

So eine Matinee ist etwas Feines und da ich bei der Premiere nicht dabei sein kann und ich noch nicht genau weiß, wann ich wieder nach Klagenfurt komme, war es die beste Möglichkeit einen ersten Eindruck dieser Produktion zu bekommen. Ich bin gespannt, ob sich Lepper und Jing im Stück besser zurechtfinden. Nehme es aber doch an. Mein erster Eindruck der Produktion war sehr gut und ich bin gespannt, wie es letztendlich wird - viel verraten wurde ja doch nicht...

Für Operettenfreunde unter euch: Zurzeit läuft Millöckers „Der Bettelstudent“ unter der Regie von Emmy Werner im Stadttheater Klagenfurt. Daniel Prohaska ist in der Hauptrolle zu sehen und singt und spielt sich die Seele aus dem Leib. Ein wunderbarer Part für ihn und eine gelungene Performance. Auch im Ensemble u.a. Frank Berg, Stefan Bischoff und Florian Claus. Trotz einiger gravierender Abänderungen, die dem Stück allerdings neuen Schwung, ist es eine wunderbare, spritzige Inszenierung mit tollen Darstellern und viel Humor. Besonders auch eine Art „Quodlibet“ gesungen von „Oberst Ollendorf“ mit aktuellen Texten zu Causa Hypo und Wörtherseebühne.

*Image via

LINK:

- Stadttheater Klagenfurt

Neu & Gut

2011-01-20T12:11:00.004+01:00

Fast frühlingshaft ist es in den letzten Tagen schon, auch wenn es jetzt wieder kälter werden soll... Musicalmäßig blüht aber im Moment vieles auf. "Neu & Gut" sind vor allem die Alben, die jetzt aus der Erde schießen. Neue Komponisten mit neuer Musik. Neuer Musicalmusik. Drei CDs kann ich euch da ans Herz legen:

Love on a Summer Afternoon : Songs of Sam Davis: Wer das Debütalbum von Stuart Matthew Price besitzt hat mit "Greenwich Time" einen kleinen Eindruck vom Werk des Komponisten bekommen. Auf dem Album "Love on a Summer Afternoon" kann man nun einige großartige Songs von Davis hören - vielseitig, melodisch, gut. Eingesungen wurden die Songs u.a. von Gavin Creel (Hair), Will Chase (Billy Elliot), Will Swenson & Christopher Sieber (sehr lustig: "A Kilt Is Not A Dress").

What I Wanna Be When I Grow Up - The Songs of Scott Alan: Das neue Album von Scott Alan ist jetzt schon ein wenig länger auf dem Markt, trotzdem gehört es noch einmal erwähnt. Patina Miller (Sister Act), Willemijn Verkaik (Wicked), Christopher Sieber (Shrek) und viele weitere performen die 12 Tracks auf der CD.

More with every line - The music of Tim Prottey-Jones: Ein junger Musiker und Komponist aus Birmingham schnappt sich tolle Darsteller aus dem Londoner West End und nimmt mit ihnen eine CD mit seinen Kompositionen auf. Besondern schön ist, dass auch Drew Sarich einen Song eingesungen hat ("Rescue Remedy" ist auch als Single erschienen und auf itunes erhältlich). Ein bisschen Folk, ein bisschen Rock, ein bisschen Musical UND tolle Lyrics. Kaufen! :)

Update (Danke an Elisabeth!):

Our First Mistake - Kerrigan-Lowdermilk: Ganz frisch auf dem Markt ist auch das Album von Kait Kerrigan und Brian Lowdermilk (u.a. Hendry & Mudge, The Unauthorized Autobiography of Samantha Brown) auf dem u.a. Natalie Weiss und Matt Doyle mit Songs des Duos zu hören sind.

LINKS:

- Kerrigan-Lowdermilk
- Scott Alan
- Tim Prottey-Jones Twitter & My Protege
- Sam Davis

*Images via & via & via & via

3 Golden Globes für GLEE

2011-01-17T11:13:00.001+01:00

Fast den ganzen Vormittag habe ich damit zugebracht mir die gestrige Golden Globe Verleihung anzusehen. Gott sei Dank gibt es einen deutschen Fernsehsender, der es für wichtig hält diese zu übertragen. Danke!

Es haben so tolle Schauspieler, Regisseure, etc. gewonnen, die vor allem - so glaube ich - auch tolle Menschen sind. Es gab einige witzige, einige berührende Reden an diesem Abend und auch einige Überraschungsgewinne, wie z.B. Chris Colfer. Was für eine Message mit diesem Gewinn einhergeht ist einfach unbeschreiblich schön. Ellen DeGeneres erzählte er einmal wie er in der Schule gehänselt wurde, jetzt steht er hier, vor Größen Hollywoods und der halben Welt und gewinnt - mir sind die Tränen gekommen. Ein besonderer Moment. Auch Jane Lynch durfte einen Globe entgegen nehmen und bedankte sich gekonnt mit einer sehr unterhaltsamen Rede. Auch wenn Matthew Morrison und Lea Michele leer ausgegangen sind, als beste TV Serie - Comedy or Musical hat es GLEE geschafft. Gratulation und bitte weiter so! GLEE ist eines der besten Dinge, die dem amerikanischen Fernsehen in den letzten Jahren passieren konnte!

Wie heute außerdem bekannt wurde, wird Anne Hathaway als Gaststar zu sehen sein. In welcher Rolle wurde noch nicht bekannt gegeben - Quellen meinen, dass es sich um Kurts Tante handeln könnte...

Don't Stop Believin' - ein Motto nach dem man Leben sollte!

Links:

GLEE
Golden Globes - alle Gewinner und weitere Infos

"Not While I'm Around" - Der Song zum Sonntag

2011-01-16T18:06:00.000+01:00

...an diesem Sonntag mal etwas "Anderes". Sondheims "Not While I'm Around" (Sweeney Todd) gesungen vom großartigen Jamie Cullum. Schönen Sonntag!

Newsflash: Kurzmeldungen, die mich erfreuen...

2011-01-11T11:59:00.001+01:00

Ein neues Jahr hat begonnen und schon munkelt es wieder "Musical-News" in allen Ecken der Welt. Hier präsentiere ich euch nun eine Auswahl von Kurzmeldungen, die mich in den letzten Tagen wirklich erfreut haben.

1. Spider-Man LEBT! Wie hier schon berichtet kam es vor wenigen Wochen wieder zu einem - diesmal sehr schockierenden - Unfall bei Julie Taymors neuer Bühnenshow Spider-Man: Turn Off The Dark. Ein Schwall von Kritik folgte und ein paar Shows fielen aus. Jetzt scheint sich wieder alles eingerenkt zu haben, denn in den letzten Tagen hört man vor allem welcher Celebrity die Show besucht hat und nicht welcher Darsteller sich wieder verletzt hat...und die bessere Nachricht: Aerialist Christopher Tierney geht es auch wieder besser und das erzählt er gerne auch persönlich in so machen TV-Shows oder News-Reports.

2. ONCE - The Musical. Gestern kam die Meldung: "Modern day Irish musical 'Once' will bow on Broadway in the fall of 2011." (broadway.com). Über die Cast des auf dem gleichnamigen Film (2007) basierenden Musicals ist bisher noch nichts bekannt. Was man schon weiß ist allerdings, dass kein Geringerer als Enda Walsh für das Buch verantworlich ist. Die Musik stammt von "The Swell Season" aka Glen Hansard und Markéta Irglová, die damals mit "Falling Slowly" überraschend einen Best Song-Academy Award entgegen nehmen durften. Auch der Rest des Creative Teams hört sich vielversprechend an: Bob Crowley (design - u.a. Mary Poppins, Tarzan), Steven Hoggett (musical staging - u.a. American Idiot), Martin Lowe (music direction - u.a. Mamma Mia!) und Regie von John Tiffany (Black Watch). Eine Workshop-Präsentation soll es Ende April, Anfang Mai geben...ich bin gespannt!

3. Jubiläum Blickpunkt Musical. Am 13.1. geht die Jubiläums-Ausgabe der deutschsprachigen Musical-Fachzeitschrift "Blickpunkt Musical" in den Verkauf. Meiner Meinung nach hat das Fachmagazin in den letzten Monaten etwas nachgelassen, u.a. das unregelmäßige Erscheinen. Ich hoffe auf viele weitere Jahre Blickpunkt Musical und deute die Bonus-CD der 50. Ausgabe als gutes Omen. Für die Förderung von jungen Musicaldarstellern bin ich ebenso wie für die Förderung von neuem Musical-Material und das wird hier gemacht, in dem einige Ergebnisse der "schreib:maschine" auf CD präsentiert werden. Eine gute Idee.

4. CATS Tour in Wien. Der angekündigte Tour-Stop in Wien hat mit der Bekanntgabe von Datum und Ort endlich Hand und Fuß angenommen. 22.10.2011 bis 15.1.2012 am Gelände Neu Marx. Nähere Infos auch auf der Homepage des Veranstalters.

5. Tom Kitt Interview. Vor ein paar Tagen bin ich auf dieses aktuelle Interview mit Next To Normal-Komponist Tom Kitt gestoßen. Ein sehr ausführliches, interessantes Interview. Er spricht u.a. über den Next To Normal-Film, seine Komponier-Gewohnheiten, aktuelle Musicals, Musical-Komponisten, und und und. Prädikat: Empfehlenswert! :)

6. ...und zu guter Letzt: Ein neues Ask A Star mit Lin-Manuel Miranda. Sehr lustig und sympathisch. Ebenfalls epfehlenswert!

"Sky Above Manhattan" - Der Song zum Sonntag

2011-01-09T16:57:00.000+01:00

Ich melde mich nun offiziell zurück aus der Weihnachtspause und starte mit einem weiteren "Song zum Sonntag". "Sky Above Manhattan" heißt er und ist auch der Titelsong des dritten Soloalbums von Jersey Boy Matt Bogart. Wann das Album erscheinen wird konnte ich bisher nicht herausfinden, Bogarts Homepage wird leider auch nicht sehr regelmäßig aktualisiert. Die ersten zwei Alben (eigentlich ein Album "Simple Song" + EP "More Simple Songs) kann ich aber nur sehr empfehlen. Matt Bogart hat ein sehr eigenes, wohliges Timbre und präsentiert eine gelungene Songauswahl...und außerdem: he's got the looks und erinnert mich immer ein wenig an den jungen Patrick Swayze. Erschienen sind die CDs bei Jay Records.

"Sky Above Manhattan" fesselt mich jedes Mal, wenn ich mir dieses Video ansehe. Sehr charmant und ganz bei sich singt Bogart hier diesen wundervollen Song. Irgendwie passend zu diesem nebeligen Tag...

TV-Tipp: Rodgers and Hammerstein's Cinderella

2011-01-09T11:24:00.002+01:00

Gerade läuft auf kabeleins das 90er Jahre-Remake des Filmmusicals Rodgers and Hammerstein's Cinderella. Das Musical wurde von Richard Rodgers (Music) und Oscar Hammerstein II (Book & Lyrics) für das Fernsehen geschrieben und 1957 das erste Mal ausgestrahlt. Julie Andrews bezauberte damals als Aschenputtel.

Remakes folgten 1965 und 1997. Letzteres erstmal mit einer afroamerikanischen Cinderella. Regie führte Robert Iscove (Eine wie keine, The Ten Commandments: The Musical), Rob Marshall (Chicago, Nine)choreographierte. Große Namen tummeln sich neben Brandy Norwood, die die Hauptrolle übernahm: Whoopi Goldberg, Whitney Houston, Jason Alexander, Bernadette Peters, Victor Garber,...eine illustre Zusammensetzung.

Schnell einschalten!

...und wenn wir schon dabei sind, in den nächsten Wochen läuft auch:

The Rocky Horror Picture Show - skycomedy, u.a. am 21.1., 17:05 (mehrere Termine)
Chitti Chitti Bang Bang - MGM, 18.1., 9:20
White Christmas (Irving Berlin), kabeleins classics, 18.1., 11:30

*Image via

recap musical-year 2010

2010-12-28T11:00:00.000+01:00

Wie auch im letzten Jahr möchte ich das Blogger-Jahr 2010 mit einer recap abschließen. Ich habe zusammengefasst welche Musicals und Musical-Konzerte ich 2010 besucht habe und präsentiere euch nun meine Liste. Ich bin gespannt welche aufregenden Produktionen und „Blog-Abenteuer“ das neue Jahr so mit sich bringt… Bis dahin wünsche ich euch einen guten Rutsch und viel Glück 2011! Ich begebe mich jetzt erst mal auf Reisen und werde Silvester auf einem anderen Kontinent feiern, bis bald!

JÄNNER:

- Intendantenvorsprechen, Konservatorium Wien Privatuniversität - Wien
- Workshop Präsentation Wenn Rosenblätter fallen, Raimund Theater – Wien
- Waiting for Romance, Kons – Wien
- Rudolf. Affaire Mayerling (Derniere), Raimund Theater – Wien
- Karneval ist überall (Kons), Musikverein – Wien
- Musical Quiz (Kons), Theater Akzent – Wien

FEBRUAR:

- Legally Blonde, Savoy Theatre – London
- Blood Brothers, Phoenix Theatre – London
- West Side Story, Stadttheater Baden
- Best Of Musical, Olympiahalle – München
- Musical Mamis, Metropol – Wien

MÄRZ:

- Gemeinsam für Haiti Gala, Ronacher – Wien
- Drew Sarich & Kyrre Kvam, Ost Klub Bar – Wien
- 2 x Ich war noch niemals in New York, Raimund Theater – Wien
- Tanz der Vampire, Ronacher – Wien

APRIL:

- Go West, Metropol – Wien
- Heart & Music (Abschlussshow des Performing Center Austria) – Wien
- RENT, Deutsches Theater – München

MAI:

- Novecento. Die Legende vom Ozeanpianisten., Stadttheater Walfischgasse – Wien
- The Wild Party, Kons – Wien

JUNI:

- Stadtneurotiker, Kons – Wien
- Krawutzi Kaputzi, Palais Nowak – Wien
- Musical Forever II, Ronacher – Wien

JULI:

- Les Miserables, Queen’s Theatre – London
- Hair, Gielgud Theatre – London
- The Full Monty. Ganz oder gar nicht., Musicalsommer Amstetten
- Sweeney Todd, Stadttheater Klagenfurt
- 2 x Singin‘ in the rain, Stadttheater Klagenfurt

AUGUST:

- 3 Musketiere, Felsenbühne Staatz
- Broadway Melody, Stadttheater Klagenfurt
- Drew Sarich, Kyrre Kvam & Dave Moskin, Ost Klub Bar – Wien

SEPTEMBER:

- Babytalk, Gloria Theater – Wien
- Musical Rocks!, Museumsquartier Halle E – Wien
- 2 x Hello, Dolly!, Volksoper - Wien
- Mitten ins Herz, Vindobona – Wien
- Tanz der Vampire, Ronacher – Wien
- Musical meets Opera, Ronacher – Wien

OKTOBER:

- Wildhorn & Friends, Raimund Theater – Wien
- Hello, Dolly!, Volksoper - Wien
- Over the threshold, Theater Drachengasse – Wien
- Cabaret, Kammerspiele – Wien
- Tanz der Vampire, Ronacher – Wien

DEZEMBER:

- Camp Rock, Stadthalle Halle F – Wien
- Borchert Besinnlich, Theater Akzent – Wien
- Musical Christmas, Ronacher – Wien
- Musical Tenors, Theater Akzent - Wien

Noch ein paar Zahlen & Fakten:

• 120 posts
• über 150 Kommentare
• 8 regelmäßige Google-Friends-Leser :)
• an die 1.500 Klicks im Monat – ich finde das für ein kleines Musical-Blog durchaus beachtlich
• seit September ist das Blog auch unter http://www.musicalawakening.at/ erreichbar.
• …außerdem bei Bloglovin‘ und Twitter.

Merry Christmas!

2010-12-24T07:38:00.002+01:00

Ich wünsche euch...

F R O H E W E I H N A C H T E N !

...zur Einstimmung gibt's die großatrige Audra McDonald mit "Go Tell It On The Mountain"

...und wer wissen will wie die Billy Elliots Weihnachten in New York City feiern, der klickt am besten hier :)

Spiderman Knockout

2010-12-21T16:06:00.001+01:00

Spider-Man - Turn Off The Dark steht irgendwie unter keinem guten Stern, es soll einfach nicht sein. Zuerst fehlt es am Geld, dann an Ressourcen, am Theater, an der Technik und überhaupt...irgendwie scheint immer etwas zu fehlen oder nicht zu funktionieren. Das Schlimmste? Es kommen dabei Menschen zu Schaden.
Gestern stützte Aerialist Christopher Tierney (alias Spiderman in der Brückenszene - Spiderman rettet Mary Jane) ca. 10 Meter von einer Einrichtung auf der Bühne zu Boden und musste von der Rettung abtransportiert werden, er war nicht der erste. Verletzungen in jeder zweiten Vorstellung sind im Moment der Normalfall. Bei dieser Szene sollte Spiderman nur bis zur Rampe laufen und so tun als ob er springen würde, kurz bevor es sofort zu einem Blackout kommt. Das Seil des Flugakrobaten dürften gerissen sein.

Die offizielle Premiere wurde jetzt auf Anfang Februar vertagt, man kann nur hoffen, dass bis dahin alle Schwierigkeiten beseitigt wurden und die Show spätestens ab da an verletzungsfrei ablaufen kann. Wenn Menschen zu Schaden kommen, sollte nämlich bald Schluss mit lustig sein...

Ein Zuschauer hat den Unfall mitgefilmt, viel sieht man nicht, aber man hört ein Geräusch, das mehr als unangenehm ist. Hier geht's zum Artikel in der New York Times und dem Video.

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Leibovitz meets Spiderman
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Musical Tenors - Theater Akzent, Wien

2010-12-21T11:22:00.001+01:00

Gestern war es soweit. Gestern habe ich eines der besten Musicalkonzerte meines bisherigen Lebens erlebt. Ein kleines Wunder. Ich bin immer noch nicht fähig, wirklich in Worte zu fassen, wie gut mir die „Musical Tenors“ gefallen haben – mal abgesehen von ihrem Aussehen :) Mein Bericht könnte also eher ausufernd werden...

Um es anfänglich kurz zu machen: Il Divo hat Konkurrenz bekommen, Adoro kann einpacken. Denn die „Musical Tenors“ sind geschaffen, ein vielleicht klischeebesetztes Konzept, aber es funktioniert wunderbar. Vier sympathische, gutaussehende Männer mit großartigen Stimmen, perfekter Harmonie und Twist. Dieser Twist besteht in den neuen Arrangements (Mario Stork) und der Idee, verstaubte Musicalsongs wieder zum Leben zu erwecken und in neuer "Herrlichkeit" erstrahlen lassen. Vieles hat man noch nie so gehört. Vieles kann man ganz neu wahrnehmen, in sich aufsaugen und erleben. Einiges geht durch Mark und Bein und berührt das Herz ganz tief drinnen. Eine Erfüllung – anders kann man es nicht ausdrücken.

Nicht nur die attraktiven, neuen Arrangements haben den Songs neues Leben eingehaucht und waren deshalb die Besonderheit des Konzertes, sondern auch die Interpretation von Liedern, die eigentlich von weiblichen Darstellerinnen gesungen werden.
Das Programm war bunt gemischt und perfekt abgestimmt. Als das Konzert jedoch zunächst (nach einem wunderschönen „Limelight“ aus Eric Woolfsons „Gambler“) mit einem „3 Musketiere“-Medley begann, ahnte ich Schlimmes. Sollte es nun wieder nur eine Aneinanderreihung verschiedenen Medleys werden? Sinnlos und ohne Wertschätzung der Songs. Nein, sollte es nicht, denn nach Musketiere sang Mark Seibert gleich das erste Solo – „Draußen“ aus Disney’s Der Glöckner von Notre Dame. Mit viel Emotion performte Seibert, der in Wien fast Heimspiel hatte, diesen viel zu selten gesungenen Song. Viele seiner ehemaligen Kons-Kollegen gaben ihm an diesem Abend die Ehre und unterstützten ihren Freund im Publikum.

Mit Stock und Hut kamen dann wieder alle auf die Bühne und präsentierten „Weil ich weiß, in der Straße wohnst du“ mit netter Choreo. Sehr „Boyband trifft Chorus Line“-synchron mit ein paar Verzerrungen und viel Spaß. Überhaupt wirkten die vier Tenöre die ganze Zeit so, als hätten sie jede Menge Spaß und das ist einfach schön zu sehen. Bevor es zu Patrick Stankes Solo kam, dessen Stimme übrigens an diesem Abend wirklich in Topform war, gab es noch einen „La Mancha-Block“ bei dem nicht nur „The Impossible Dream“, sondern auch einmal etwas Anderes, nämlich „The Man of La Mancha“, gesungen wurde. Eine gute Idee!

Am Klavier begleitete sich anschließend Patrick Stanke bei „Du warst mein Licht“, einem mir unbekannten Song, der mir sehr gefallen hat, selbst und bewies hiermit auch seine Songwriter-Qualitäten. Der erste Akt neigte sich dann allmählich dem Ende zu. Doch vorher gab es noch eine Flamenco tanzende „Maria“ – eine nette Idee, vor allem weil es sehr witzig in Szene gesetzt wurde – und ein wunderbares Phantom von Christian Alexander Müller, der bis dahin leicht hinter den anderen drei zurückgetreten ist. Müller WAR das Phantom in diesem Moment. Eine ergreifende Performance! Jan Ammanns Solo „Gute Nacht“ ist vielleicht ein wenig untergegangen, war aber dennoch berührend, weil er es für seinen einjährigen Sohn gesungen hat.

Eine weitere Überraschung des Abends war übrigens die Musical Tenors Fassung von „Memory“. Das Lied geht mir schon sehr auf die Nerven, aber hier konnte ich es wirklich genießen. Vier sprachig erstrahlte es ganz neu und ließ mich seine Schönheit wieder erkennen.

Mit welchem Song geht man in die Pause? Eine wichtige Frage. Bei den Musical Tenors hat man sich für „I believe in you“ entschieden. Ein grandioser Song, der hier so wunderschön interpretiert wurde, dass mir doch tatsächlich die Tränen gekommen sind. Plötzlich tauchte Lisa Antoni hinten im Saal auf und schritt singend auf die Bühne zu, die Stimmen der fünf harmonierten so gut miteinander, sodass ich mir wünschte, der Song würde nie enden.

An die Reihenfolge kann ich mich nicht mehr genau erinnern, ich bin nämlich irgendwie in die „Welt der Musical Tenors“ versunken und habe mich verzaubern lassen. Für irgendwelche Notizen habe ich absolut keine Zeit gefunden. Es ist eigentlich auch egal.

Nach der Pause ging es gleich mal mit dem passenden „The Show Must Go On“ weiter, das langsam in „Who wants to live forever“ überging und Christian Alexander Müller bei der nächsten Moderation dazu veranlasste an viel zu jung verstorbene Künstler zu gedenken, allen voran Steve Barton. Hier folgte anerkennender Applaus aus dem Publikum. Ein schöner Moment, denn er zeigte, wie sehr so ein unglaublich talentierter Künstler von vielen Menschen vermisst wird. Daraufhin sang Müller „Einsam sind alle Sänger“ – eine interessante, gute Wahl. Neben „Closer to heaven“, einem „Grease“-Medley, „Am Ende bleiben Tränen“, „Braver than we are“ und „The Shades of Night“ durften auch die anderen drei Tenöre noch je ein Solo performen. Patrick Stanke gelang ein fulminantes „Wie wird man seinen Schatten los“, Mark Seibert ein leises und sehr sanftes „Love of my life“ und Jan Ammann eine perfekte „Unstillbare Gier“. Richtig neugierig bin ich auf seine Interpretation des Vampiregrafen geworden, so verletzlich, agressiv, traurig hat er sich in der „Gier“ gezeigt. Es waren alle Facetten des Liedes unglaublich intensiv und gut ausgespielt. Purer Genuss! Ammann kam nach der „Heftigkeit“ des Liedes ein leises und erleichteretes „Puh“ aus, hier blitzte Menschlichkeit durch und machte das Ganze noch einmal erfahrbarer. Auch Lisa Antoni durfte noch einen Song performen, mit „A Change In Me“ aus „Beauty and the Beast“ überzeugte sie einmal mehr. In Oberhausen und Stuttgart durften Carin Filipcic und Roberta Valentini den Part der „weiblichen Unterstützerin“ übernehmen.

Andreas Luketa hat die perfekte Songauswahl getroffen. Das zeigt sich u.a. auch in einem Titel aus „Love never dies“ („Look with your heart“), "Closer to heaven” aus Gaudi oder „Braver than we are“. Schätze die man ausgraben sollte, und hier für die Musical Tenors ausgegraben hat. Nicht nur die Mischung aus Musical und Evergreens und die Zusammenstellung der Darsteller passten. Jeder einzelne „Tenor“ (nicht alle sind Tenöre) brachte auch seine Individualität ein und gab sich nicht nur bei seinen Soli ganz den Liedern hin.

Einziger kleiner Kritikpunkt ist vielleicht die etwas fehlende Spontanität, doch es gibt nun mal einen Ablauf der eingehalten werden soll und das ist auch gut so. Allerdings geht die Spontanität vor allem in den Zwischentexten ab. Sympathische und auch gut überlegte Anmoderationen schmücken das Konzert aus, doch ein bisschen „echter“ hätte es an manchen Stellen schon wirken dürfen. Die typischen Boygroup-Bewegungen durften hie und da natürlich auch nicht fehlen. Selten, aber doch ab und zu bewegten sich die Vier Tenöre am Rande der Lächerlichkeit, ließen das Ganze aber nie abdriften. Eine Prise Selbstironie dürfte der Retter gewesen sein. Für Choreographie und Regie zeigt sich Paul Kribbe verantwortlich. Erwähnt sollten vielleicht auch noch Marina Komissartchik am Flügel und Keyboard und Emilio Percan an der Violine werden. Was so ein schöner Geigenklang alles ausmachen kann…

Mit Weihnachtsmannmützen, die vielleicht sogar noch vom Borchert Besinnlich Konzert stammen, ging es dann in die Zugaben. „Save Your Kisses For Me“ bildete den amüsanten Abschluss, bevor die Zuschauer mit „Look with your heart“ in die schöne Winternacht entlassen wurden. Die Musical Tenors verließen den Saal schließlich durch die hintere Saaltür und verteilten dabei rote Rosen. Tja, was soll ich sagen…ich war eine Glückliche! :) Mark Seibert hat mir ein Rose überreicht und meinen unglaublich schönen Musicalabend perfekt abgerundet.

Eine Musical Tenors CD wird angeblich im Frühjahr produziert. Danke an sound-of-music concerts für die großartige Idee diese vier Männer gemeinsam auf der Bühne stehen zu lassen. Klischee hin oder her, es funktioniert und zwar mehr als gut.

Wer sich die vier feschen Herren mit nach Hause nehmen wollte, konnte dies mit einem Kalender tun. Meiner Meinung nach etwas zu viel des Guten, aber wenn die Marketing-Maschine einmal läuft…

Gesungen wurde (in ungefährer Reihenfolge):

- Limelight (Gambler)
- Heut‘ ist der Tag/ Constance/ Wo ist der Sommer?/ Engel aus Kristall/ Wer kann schon ohne Liebe sein (3 Musketiere)
- Draußen (Disney’s Der Glöckner von Notre Dame)
- Weil ich weiß, in der Straße wohnst du (My Fair Lady)
- The Impossible Dream (The Man of La Mancha)
- The Man of La Mancha (The Man of La Mancha)
- Du warst mein Licht (Powell, Urban, Luketa, Stanke)
- More Than Words (Extreme)
- Maria (West Side Story)
- Gute Nacht (Gomez, Hoff)
- Memory (Cats)
- Musik der Nacht (Das Phantom der Oper)
- I Believe In You (Elofsson, Magnusson, Kreuger, Plamondon)

Pause

- The Show Must Go On/ Who wants to live forever (We will rock you)
- Einsam sind alle Sänger (Klaus Hoffmann)
- Closer to heaven (Gaudi)
- Wie wird man seinen Schatten los? (Mozart!)
- Lisa Antoni: A Change In Me (Beauty and the Beast)
- Grease is the word/ Greased Lightnin’/ Mooning/ Those Magic Changes/ Rock’n’Roll Party Queen (Grease)
- Love of my life (Freddy Mercury)
- Am Ende bleiben Tränen (Bembo, Cassella, Hammerschmidt)
- Braver than we are (Tanz der Vampire)
- Die Unstillbare Gier (Tanz der Vampire)
- The Shades Of Night (Elisabeth)
- This is the moment (Jekyll Hyde)
- Save your kisses for me (Brotherhood of Man)
- Look with your heart (Love never dies)

Links:

Musical Christmas 2010

2010-12-20T17:54:00.002+01:00

Spät aber doch habe ich es dieses Jahr zum mittlerweile traditionellen Weihnachtskonzert der VBW geschafft und das eine Woche vor Heilig Abend. Eigentlich sollte ich schon längst in richtiger Weihnachtsstimmung sein, denn jedes Jahr nehme ich mir vor den Advent so richtig zu zelebrieren. Studium und Arbeit stellen sich da gerne quer und so versuche ich zumindest die paar wenigen freien Stunden in der Weihnachtszeit zu genießen - mit Punsch, einer netten Christmas-CD oder eben auch einem Weihnachtskonzert. Am Samstag war ich allerdings alles andere als in Weihnachtsstimmung, ich kam von einem Theater – von der Arbeit - ins andere, das Ronacher, und war müde und etwas angespannt…jetzt war es an den Künstlern der VBW Weihnachten in mich einkehren zu lassen. Kurz: Sie haben es geschafft. Das Musical Christmas Konzert war dieses Jahr wieder einen Besuch wert.

Das Konzert hat allerdings mit einigen Stolpersteinen begonnen, der erste Akt kam irgendwie nicht ganz ins „Fließen“. Die stimmungsvolle Einführung („First Noel“) des auf der Bühne versammelten Orchesters wurde leider mit einem von Uwe Kröger sehr merkwürdig vorgetragenen Gedicht ein wenig zerstört. Schade. Carin Filipcic konnte mit „The Christmas Song“ den kurzen Abfall des Stimmungsaufbaus retten und überzeugte den ganzen Abend hindurch mit ihrer warmen, kräftigen Stimme. Sei es nun bei „Cantique de Noël“ oder dem in einwandfreiem Schwedisch vorgetragenen „Gabriella’s Sång“ aus Wie im Himmel. Filipcic hat einfach das gewisse Etwas. Sie singt mit wunderbarem Gefühl und viel Tiefgang – es ist immer eine Freude sie auf der Bühne zu sehen.

Als nächstes trat Musical Christmas-Neuzugang Rasmus Borkowski auf die Bühne des Ronachers. „Driving Home For Christmas“ ist ein Song der zur Langeweile neigt. Ich hab ihn ganz gerne, aber diesen doch etwas eintönigen Song alleine auf einem „Sesserl“ vor einem riesig großen Orchester zu singen ist eine Herausforderung. Borkowski hat sie gut gemeistert, allerdings gab es schon Momente, in denen der Song knapp über der Langeweile schwebte.

Es folgte „When Christmas Comes To Town” aus Polarexpress, einem Film, der vor allem mit seinem Soundtrack verzaubert. Von Dennis Kozelzuh (Regie) nett inszeniert: zwei Frauen, arm und reich, besinnen sich auf den Spirit of Christmas. Das Kostüm von Caroline Vasicek durfte man allerdings nicht beachten, was soll das gewesen sein? Ein violettes Wichtel-Nonnen-Ensemble mit schlechtem Schnitt und lächerlicher Mütze. Wenn schon arm, dann bitte ordentliche Lumpen! Da hätte man sich mehr einfallen lassen können. Auch bei der Bühne gab es einige Mankos. Komische Würfel sollten einen neuen Dreh in Tannenbaum & Co. bringen, leider wirkte das aber eher steril und uninspiriert. Richtig kitschige Weihnachtsdeko und ein großer Christbaum – das hätte ich mir gewünscht…was für ein Glück, dass wenigstens der „Vampir-Mond“ so gut gepasst hat.

Kommen wir zum Streitpunkt: Uwe Kröger. Er kann einem ja leidtun, der Uwe. Er geht und benimmt sich als hätte er einen Stock im - bitte entschuldigt die Wortwahl - Arsch. Unlocker und steif stolziert er herum. Seine Hochblüte ist vorbei und er scheint es jetzt auch endlich gemerkt zu haben. Ständig schummelt er sich über schwierige Töne hinweg, doch man merkt auch seine Unsicherheit. Doch es gibt auch gute Momente. Jene Momente, in denen er sich mal locker zeigt, sich einmal nicht selbst von außen betrachtet und einfach nur ist. Dann klingt seine Stimme auch besser, nicht verkrampft und der alte Uwe strahlt ein wenig hervor. Viel zu selten aber lässt er sich einfach gehen.

Nett auch „Santa vs. Christkind“, spritzig vorgetragen von Caroline Vasicek und Rasmus Borkowski. Es war etwas Anderes und schon deswegen besonders, da es von einem Orchestermitglied geschrieben wurde. Allerdings wollte es vielleicht einen Tick zu viel.

Meine Highlights des ersten Aktes waren aber „Koppången“ von Wietske van Tongeren (sehr stimmungsvoll – passend auch der „Schleiertanz“ des Ensembles), „Who Would Imagine A King“ von Caroline Vasicek (ihre sanfte angenehme Stimme kam hier gut zur Geltung) und das Amerikanische Weihnachtsmedley, mit dem es in die Pause ging. Hier wurde es zum ersten Mal besinnlich und gegen Ende richtig schwungvoll. Dass „Grandma Got Run Over By A Reindeer“ ins Medley aufgenommen wurde, war erfrischend anders und wurde auch sehr humorvoll interpretiert. Die Lieder sind gut ineinander übergegangen und die Arrangements können nur gelobt werden. Die Musik erfüllte den ganzen Raum und das Orchester konnte sich von seiner besten Seite zeigen.

Der zweite Teil des Konzerts war für mich ein einziger Genuss. Fröhliche Weihnacht überall, könnte man auch sagen. Eröffnet wurde mit dem großartigen „Polar Express“. Dennis Kozeluh hat sich die Rolle des Schaffners in den letzten Jahren einverleibt und performte einwandfrei. Sein „Do You Hear What I Hear?“ war nicht nur sehr imposant, sondern vor allem eindringlich und schön „christmassy“.

Krögers "Herzwunschliste" ist so gar nicht mein Fall. „My Grown Up Christmas List“ ist eines der schönsten Weihnachtslieder, David Foster hat es einfach drauf tolle Songs zu schreiben, aber der deutsche Text ist einfach nur letztklassig - unsinnig und schlecht gereimt. Katastrophal! Nett allerdings das Kinderfoto von Klein-Uwe und Geschwister vor dem geschmückten Christbaum...

Wie jedes Jahr gab es auch eine A cappella-Nummer. „Es wird scho glei dumpa“ war nicht nur schön anzuhören weil es wunderbar performt wurde, sondern auch weil es durch und durch österreichisch ist und das lässt mir genau wie „Stille Nacht“ (Zugabe) schon das Herz aufgehen.

„Cantique de Noël“ von Carin Filipcic und Wietske van Tongeren schaffte es ebenfalls zu einem Höhepunkt. Ihre Stimmen harmonieren so gut (auch mit Vasicek, da alle sehr warme, „weihnachtliche“ Stimmen haben) und die Freundschaft der beiden wurde spürbar und machte das Lied noch schöner. Mit einem flotten „It’s Beginning To Look A Lot Like Christmas“ ging es schon langsam dem Ende zu. Ein deutsches Weihnachtsmedley durfte natürlich auch nicht fehlen, bevor es zum vorletzten Song des Abends kam - „War is over“.

Zwischendurch wurde das Programm immer wieder durch Weihnachtsgedichte und -geschichten gewürzt, „A Christmas Carol“ von Charles Dickens wurde für mich zu einem wahren Highlight des Abends. Rasmus Borkowski als Märchenonkel, sehr empfehlenswert! Die Geschichte wurde durch ihn zum Leben erweckt – mit Hilfe von zwei Weihnachtselfen (sehr lustig: Christian Petru und Anna Knott). Pures Weihnachtsvergnügen!

Die wenigen Zwischentexte, die sonst noch als Verbindungselemente dienen sollten, waren zwar manchmal selbstironisch (Uwe Kröger) und ganz okay, aber meistens eher holprig und mit unlustigen Witzchen versehen. Da hätte sich Dennis Kozeluh wirklich mehr einfallen lassen können. Auch das Ensemble hätte vielleicht noch mehr zeigen können, als auf der Bühne „herumzuwichteln“, was ganz nett war, aber nicht mehr. Mehr (und anspruchsvollere) Tanzszenen hätten dem Konzert wahrscheinlich gut getan.

Alles in allem war es aber – dank des überaus gelungenen zweiten Aktes – ein schönes Weihnachtskonzert. Ich habe das Ronacher mit Weihnachtsfreuden verlassen – was gibt es Schöneres?! So soll es doch sein.

Achja, das im Programm angekündigte "Großer Herr, o starker König/ Ach mein herzliebes Jesulein!" wurde leider ausgelassen...

Für alle, die es dieses Jahr nicht zu Musical Christmas geschafft haben, die neue CD ist durchaus gelungen. Uwe Kröger klingt hier außerdem viel besser. Dank an die Technik von heute! „A Musical Christmas“ ist definitiv eine Investition wert.

*Image via

Links:

- Musical Christmas, VBW
- Review bei Musical Musing
- Review bei Kultur Channel

Anspieltipp:

"Koppången" gesungen von Helen Sjöholm (bekannt aus Wie im Himmel und Kristina från Duvemåla)

Webtipps: Neue Folge von "Side by Side by Susan Blackwell", Broadway.com Star of the Year & Sondheim

2010-12-14T23:51:00.004+01:00

Endlich ist wieder eine neue Folge von "Side by Side by Susan Blackwell" online. Diesmal mit Zachary Quinto, bekannt u.a. aus der Serie "Heroes" oder dem Film-Remake Star Trek (2009). Derzeit steht der Schauspieler in der Wiederaufnahme von "Angels in America" Off-Broadway auf der Bühne. Ich liebe die Webisoden von Susan Blackwell und warte immer gespannt auf neue. Hier und hier habe ich schon darüber berichtet. Wenn man mehr über "Theatermenschen" erfahren möchte, dann ist man hier genau richtig! :) Die neue Folge ist zwar nicht die Beste und Lustigste, aber ich bin froh, dass es diese web series weiterhin gibt...

Side by Side by Susan Blackwell: Zachary Quinto of Angels in America

Auf broadway.com kann man seit gestern für den Broadway.com Star of the Year abstimmen. Der Gewinner des Vorjahres war Constantine Maroulis. Dieses Jahr sind Benjamin Walker (Bloody Bloody Andrew Jackson), Bernadette Peters (A Little Night Music), Kristin Chenoweth (Promises, Promises), Sean Hayes (Promises, Promises), Patti LuPone (Women on the Verge of a Nervous Breakdown), Lily Rabe (The Merchant of Venice), Nathan Lane (The Addams Family) und John Gallagher Jr. (American Idiot).

Who Is the 2010 Broadway.com Star of the Year? Vote Now!

Ein sehr amüsantes, aber kurzes Stephen Sondheim Interview findet man bei "The Colbert Report" (= amerikanische Satireshow auf Comedy Central). Wer wissen will wo sich die Clowns aus A Little Night Music versteckt haben oder ob es einen Platz für Tony und Maria ("There's a place for us...") in West Side Story gibt, der findet hier die Antworten :)

Stephen Sondheim on The Colbert Report

A Lovely Way To Spend Christmas - Kristin Chenoweth

2010-12-12T22:23:00.002+01:00

Unter einem perfekten Weihnachtsalbum verstehe ich u.a. eines, das eine gelungene Mischung aus besinnlichen, romantischen Songs und weihnachtlichen Up-Tempo-Nummern darstellt. Dies ist allerdings nicht immer so einfach, denn die Zusammenstellung muss schon gut passen. Irgendwie zusammengewürfelt ist nämlich nicht sehr ansprechend. Eine schöne Einheit sollte es bilden – eine „Komposition“.

Auch der Spirit of Christmas sollte beim Anhören entstehen und auf einen überschwappen, sodass es einem wohlig warm ums Herz wird...

Hohe Anforderungen stelle ich da an ein Weihnachtsalbum, aber wenn ich ein gelungenes Werk höre, dann weiß ich, dass ich sie so hoch ansetzen muss.

„A lovely way to spend Christmas“ ist so ein Album. Hier stimmt einfach alles. Alles passt zusammen, fügt sich zu einer Mischung, die einen nicht los lässt und nach Ende des letzten Tracks sofort noch einmal auf „Play“ drücken lässt.

Highlights lassen sich fast nicht herauspicken, denn wie gesagt bildet das Album eine schöne Einheit. Es ist ein Mix aus Klassikern, eher unbekannteren, aber wunderschönen Songs - wie „Home on Christmas Day“ und „Born on Christmas Day“ - und u.a. einer Christmas-Version von „Sing“ (aus Sesame Street).

Die Abfolge der Tracks ist sehr stimmig und die aufeinanderfolgenden Lieder haben meist ein verbindendes Element. So folgt z.B. der country-lastige Song „Come on ring those bells“, der mir besonders gut gefällt, direkt auf „Silver Bells“.

Mitreißend auch das Duett mit John Pizzarelli: „Sleigh Ride“, vermischt mit Teilen aus „Marshmallow World“. Besonders ist auch der letzte Ton von „Do you hear what I hear?“. In Chenoweth‘ Stimme hört man das Licht in „light“ aufgehen, einfach schön!

In „Sleep well little children/ What a wonderful world” findet das Album einen guten Abschluss und entlässt den Hörer glücklich und in adventliche Stimmung versetzt.

Kristin Chenoweth‘ Stimme ist einmalig, doch man muss sie mögen. Manchmal kann sie sehr schrill sein, aber auf diesem Weihnachts-Album, das diesen Advent zu meinen Lieblingen gehört, erwischt sie immer das richtige Gefühl und ein wunderbares Maß an „softness“.

Die Tracklist:

1. I’ll Be Home For Christmas
2. Christmas Island

3. The Christmas Waltz

4. Do You Hear What I Hear?

5. Sleigh Ride/ Marshmallow World (mit John Pizzarelli)

6. Sing

7. Silver Bells

8. Come On Ring Those Bells

9. What Child Is This?

10. Home On Christmas Day

11. Born On Christmas Day

12. Sleep Well Little Children/ What A Wonderful World

*Image via

We need a little Christmas - Der Song zum 3. Advent

2010-12-12T19:56:00.000+01:00

Die großartige Angela Lansbury mit "We need a little Christmas" aus dem Musical "Mame" von Jerry Herman - mein heutiger Song zum dritten Adventsonntag:

P.S.:
Der Song ist auch auf der neu erschienenen GLEE-Christmas-CD zu hören. Hier kann man mal reinhören...

GLEE - The Christmas Album ist u.a. hier erhältlich.

Musical TV-Tipps

2010-12-10T17:29:00.002+01:00

Eine kleine Auswahl...

HEUTE:

- Die ultimative Chart Show. Die erfolgreichsten Musical-Hits. RTL, 21:15

- Popstar/-sternchen und Musicaldarsteller Ross Anthony als Coach bei "Helden von morgen" ORF 1, 20:15

11.12.:

- Tarzan-Ensemble bei "Verstehen Sie Spaß?" u.a. "Dir gehört mein Herz" und "Fremde wie ich". ARD, 20:15 (WH am 13.12. um 10:03)

31.12.:

- Die 10 Gebote. Musical. BIBEL TV, 11:30

- Phil Collins: Going back. Dokumentation. (u.a. auch Musical Tarzan) 3SAT, 22:15
ab Jänner:

Die Erfolgsserie GLEE auf RTL bzw. SUPER RTL.
[Wer - wie ich - die deutsche Synchronisation wahrscheinlich nicht aushalten wird, die erste Staffel gibt es bereits auf DVD (u.a. bei amazon UK)...]

Liebe - kann’s Schön’res geben?

2010-12-08T10:07:00.000+01:00

Gäbe es einen Tony Award für das „Cutest Broadway Couple Ever“ würden wohl Idina Menzel und Taye Diggs den Preis nach Hause nehmen. Die zwei sind einfach ein sympathisches Darsteller-Paar, mit viel Sinn für Selbstironie…siehe hier:

- „Let’s Call The Whole Thing Off“
- Taye Diggs & Idina Menzel on Sesame Street – “Allergic”

Musical bei königlichen Hochzeiten? Immer gerne. Dass diese Spezialkompositionen (u.a. von Musicalkomponisten) für royale Hochzeiten funktionieren und wunderschöne Ergebnisse bringen, weiß man nicht erst seit Kronprinzessin Victoria von Schweden ihren Daniel geheiratet hat. Hier ist es allerdings besonders gut gelungen, durfte doch ABBA’s Benny Andersson mitmischen - „Vilar glad. I din famn“ (Text: Kristina Lugn) hieß sein Beitrag, der zusammen mit „When you tell the world you’re mine” (gesungen von Agnes & Björn, music & lyrics: Jörgen Elofsson, John Lundvik ) eine wunderschöne Untermalung der Hochzeitszeremonie bildete.

- „Villar glad. I din famn.“

Für ein anderes royales Liebespaar – Prinz William und seine Kate, Pardon, Catherine, Middleton – hegt ebenfalls ein bekannter Musical-Komponist Hoffnungen . Andrew Lloyd Webber möchte gerne für die beiden einen Wedding-Song komponieren…ob es nun wirklich dazu kommt ist noch offen. Spätestens am 29. April 2011 wissen wir mehr.

- ...zum Artikel

Here Right Now: Erste Songs aus Ghost - The Musical

2010-12-07T16:31:00.000+01:00

Erfolgreiche Filme für die Bühne zu adaptieren ist längst mehr als nur ein Trend. Besonders das Genre Musical muss dafür herhalten, denn es eignet sich einfach sehr gut dazu. In einigen Fällen brachte dieser Trend wunderbare Überraschungen, bei anderen wiederum hätte man lieber darauf verzichten sollen. Während „Flashdance“ schon nach nur drei Monaten im West End wieder schließen muss (Derniere am 15. Jänner 2011), stecken u.a. schon „Shrek - The Musical“ und „Ghost – The Musical“ in den Startlöchern.

Ich bin ein absoluter Shrek-Fan, dazu stehe ich. Die schlechten Kritiken kann ich nicht verstehen, aber die Wahrnehmung des Theaterereignisses ist ja immer subjektiv. Sehr gut kann man das z.B. auch in der neuen Ausgabe der Zeitschrift „musicals“ sehen. Während „Bloody Bloody Andrew Jackson“ in der Stückbesprechung verrissen wird, lesen wir ein paar Seiten vorher in den CD-Reviews fast eine Hymne an das neue Rockmusical. Ich liebe die Songs aus „Shrek“, bin hingerissen von der Umsetzung der Filmfiguren im Theater - die Show ist einfach ein Erlebnis und für mich ist klar, dass ich unbedingt nach London muss, um sie noch einmal zu sehen.

Von „Ghost – The Musical“ ist bis jetzt noch nicht viel durchgesickert, doch langsam beginnen die Informationen zu tröpfeln und immer mehr Details werden bekannt. Beginn des tryouts in Manchester ist ja bereits Ende März. Man darf gespannt sein…

Jetzt sind erste Songs auf der Website erschienen und geben einen ersten Eindruck. Einen sehr, sehr guten Eindruck. Die Musik ist fesselnd und bleibt einem schon nach dem ersten Mal hören im Ohr. Mir gefällt's!

Music & Lyrics: Dave Stewart and Glen Ballard
Book & Lyrics: Bruce Joel Rubin

Besonders „Here Right Now“ hat es mir angetan, aber auch die anderen Songs klingen einfach toll! HIER könnt ihr selbst mal reinhören...

Die Kanadierin Caissie Levy, die zuletzt als Sheila in HAIR im West End auf der Bühne stand, wird die Rolle der Molly (im Film: Demi Moore) übernehmen. Als Sam – und damit in die Fußstapfen von Patrick Swayze - tretend wird Sam Wheat zu sehen sein. Das Medium Oda Mae Brown wird von Sharon D. Clarke gespielt. Regie führt Matthew Warchus, der zuletzt für Yasmina Rezas „Gott des Gemetzels“ („God of Carnage“) mit einem Tony geehrt wurde.

Die offizielle Opening Night im Londoner West End ist für den 19. Juli 2011 angesetzt.

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Borchert Besinnlich 2010

2010-12-06T09:43:00.001+01:00

Das dritte Jahr in Folge, also fast schon Weihnachts-Tradition, feierte Thomas Borchert mit dem Wiener Publikum Weihnachten. „Borchert Besinnlich“ heißt sein Weihnachtsprogramm, das sich ausschließlich deutschen Weihnachtsliedern und seinen größten Hits widmet. Dazwischen gibt es ein, zwei Weihnachtsgeschichten und ein bisschen Impro, die immer gerne gesehen wird. Insgesamt also eigentlich eine runde Sache, allerdings nicht, wenn man „alle Jahre wieder“ dasselbe Programm absolviert. Kein Frage, es war ein besinnliches, nettes Konzert mit einem großartigen Thomas Borchert – nächstes Jahr werde ich aber wahrscheinlich nicht dabei sein…

Das Programm vom Vorjahr wurde fast bis auf das letzte Detail wiederholt, sogar die Weihnachtsgeschichte war dieselbe wie letztes Jahr. Nicht einmal die Auswahl der Musicalsongs haben variiert, so bekam man – wie immer – „Dies ist die Stunde“, „Bring ihn Heim“, „Je länger ich lebe“, „Gigi“ (Introduction mit derselben Anekdote),…und ohne „Die unstillbare Gier“ durfte man Borchert erst gar nicht ziehen lassen.

Wahrscheinlich waren einige Zuschauer anwesend, die die Show zum ersten Mal miterleben durften. Für diejenigen wird die Zusammenstellung vollkommen in Ordnung gewesen sein, was ja auch stimmt. Ich habe mich aber entschieden, dass ich nach drei Jahren in Folge, zumindest ein Jahr pausieren werde. Die Songs sind mittlerweile Klassiker und von Borchert gesungen nie eine Enttäuschung, aber irgendwann ist der Punkt erreicht, wo ein bisschen Abwechslung und Frische gut tun würde.

Ein wichtiger Teil der Show, der Weihnachtsteil, widmete sich deutschen und österreichischen Weihnachtsliedern von „Oh Tannenbaum“ bis zu „Kling Glöckchen Klingelingeling“ mit Einsatz des Publikums und seinen Weihnachtsmannmützen. Besinnlich, klassisch oder neu interpretiert in Reggea-Manier oder mit wienerischem Touch kamen die altbekannten Nummern daher. Leider gab es auch hier, im Vergleich zum Vorjahr, keinerlei Abwechslung…

Nach Kai Peterson sollte letztes Jahr Caroline Vasicek den Part des Special Guest übernehmen, allerdings kam die Geburt ihres Sohnes dazwischen, Borchert kündigte sie deshalb für 2010 an. Ich hab mich auf sie gefreut, allerdings komplett vergessen, dass sie dieses Jahr in „Musical Christmas“ involviert ist und wohl deswegen nicht dabei sein kann. Überrascht war ich deshalb vom wirklichen Special Guest – Lisa Antoni. Eine gelungene Überraschung und auch eine gute Wahl. Mit „Once More I Can See“ aus Wildhorns "Wonderland" sang sie ein Highlight des Abends. Auch die Duette waren gelungen und brachten besinnliche Stimmung. Obwohl Antoni an Stellen ein wenig unsicher wirkte, brachte sie viel in die Show ein und begeisterte.

Tickets für "Borchert Besinnlich 2011" sind bereits erhältlich. Andreas Bieber wird ebenfalls mit einem Weihnachtssoloprogramm im Akzent gastieren. Nähere Infos zu den Konzerten findet ihr HIER.

*Image via

I'll Be Home For Christmas - Der Song zum 2. Advent

2010-12-05T17:12:00.000+01:00

Ein weihnachtliches Video zum zweiten Advent. Meine Kristin Chenoweth-CD ist leider noch nicht angekommen, aber es kann sich nur noch um wenige Tage handeln. Dafür darf ich die neue "A Musical Christmas"-CD bereits mein Eigen nennen...eine Rezension folgt, sofern ich dazu komme.

Tipp:

Kyrre Kvam tritt am 19. Dezember (diesmal gemeinsam mit Ricci Pappik an den drums) wieder im Klub Ost auf. Einlass ist um 19:30, Beginn um 20 Uhr. Der Eintritt kostet 5 Euro.

JA, MANN! - Camp Rock: Das Musical

2010-12-03T13:06:00.001+01:00

Gestern habe ich es endlich ins „Camp Rock“ geschafft, spät aber doch, denn das Musical ist nur noch bis 5. Dezember zu sehen. Voll war die Halle F leider nicht, schade, denn die jungen Darsteller waren sehr engagiert. Die Energie im Saal beschränkte sich auf die Bühne, das Publikum wirkte etwas verhalten – vielleicht war auch der Schnee schuld :) Abgesehen von ein paar kleinen Mädchen, die sich kaum in den Sitzen halten konnten und beim Schlussapplaus sofort zur Bühnenrampe gestürzt sind um mitzutanzen, war die Stimmung eher gemäßigt. Erst am Ende und bei der folgenden Zugabe gingen die Zuschauer endlich mit.

Vorweg muss ich sagen, dass ich den ersten Film der Camp Rock Reihe sehr gut fand, nicht so gut wie High School Musical, aber trotzdem unterhaltsam. Die Songs sind großteils gut, ein paar Hits sind dabei, der Inhalt funktioniert, ist aber nicht anspruchsvoll. Camp Rock 2 hingegen fehlt es an wirklich gut ausgearbeiteten Inhalt, guter Schauspielleistung und Zusammenhang. Irgendwie bruchstückhaft präsentiert sich dieser zweite Teil, der jedoch mit tollen Liedern an den Start gegangen ist. Besonders „Introducing Me“, „Wouldn’t Change A Thing“ und „This Is Our Song“ haben es mir angetan, doch auch der Rest kann sich hören lassen.

Camp Rock – Das Musical nimmt den Inhalt des zweiten Films und mischt Songs aus beiden Teilen zusammen, eine nette Idee, denn so kommen doch einige Ohrwürmer zusammen. Obwohl das Buch ein wenig umgeschrieben wurde, gibt das Stück inhaltlich immer noch nicht viel her und wirkt ein wenig zerhackt. Auch die zwei sms-schreibenden Mädchen, die Bindeglied zwischen den Szenen sein sollten, gehen einem schnell auf die Nerven, als dass sie ihre Aufgabe erfüllen würden – ab und zu ist es aber doch ganz lustig.

Was mich am meisten an dieser Produktion beeindruckt hat sind die Tanzszenen und die wunderbaren, flotten, kreativen und ganz schön fordernden Choreographien von Sabine Arthold und Susanne Rietz. Die Schüler des Performing Center Austria haben in puncto Tanz wirklich so einiges drauf, mir ist der Mund offen geblieben vor Begeisterung. Volle Leistung durch das ganze Stück, keine Ermüdungserscheinungen, pure Energie und Freude. Hut ab!

Wo es bei den Studenten des Performing Centers ein wenig hapert ist das Schauspiel. Obwohl von offizieller Seite her immer betont wird, dass alle drei Bereiche gleichermaßen unterrichtet werden. Während im Kons Schauspiel und Gesang im Vordergrund stehen, gibt es im PCA den Fokus auf Tanz und Gesang, so erzählt man sich und wird darin immer wieder bestätigt, wenn man Aufführungen der beiden Ausbildungsstätten besucht. Denise Jastraunig, Jakob Semotan und einige wenige muss ich davon ausnehmen. Vor allem die beiden Hauptdarsteller haben großes schauspielerisches Talent, sie wirken echt auf der Bühne, nicht aufgesetzt, leben die Rollen. Stimmlich können die beiden auch überzeugen, wobei Semotan in den Pop-Nummern ein wenig zu viel macht, ein bisschen reduzierter wäre meiner Meinung nach besser gewesen. Auch sonst sind die Gesangsstimmen die man zu hören bekommt durchwegs gut. David Schuler hatte zwar ein paar kleinere Schwierigkeiten, hat diese aber mit seinem Charme wieder weg gemacht. Die Rolle des Nate liegt ihm.

Wie gut sich der erfahrene Ivo Giacomozzi in das etwas jüngere Ensemble einfügt ist erstaunlich. Er hält überall mit, fällt nicht heraus (der Vorteil eines jungen Gesichts) und zeigt einmal mehr, was für ein großartiger Tänzer er ist. Zusammen mit Thomas Poms und Markus Hareter sorgte er für einige der lustigsten Momente der Show.

Mit Judith Jandl als Tess habe ich mir zunächst schwergetan, irgendwie wirkte sie so, als würde sie sich nicht sonderlich wohl fühlen. Vielleicht hatte das mit ihrer Tagesverfassung zu tun. Hie und da blitze an Stellen Elemente einer gut ausgearbeiteten Rolle (Tess) heraus, leider nicht immer. Gesanglich überzeugte sie im Duett „Tear It Down“ mit Luke (sehr gut: Michael Höfner).

Karsten Kammeier macht die Rolle des gemeinen Axel Turner sichtlich Spaß, Norbert Holoubek als Cesario Brown überzeugt ebenfalls.

Ein nettes Detail im zweiten Akt: Bei jeder Vorstellung übernimmt ein anderer Moderator die Moderation von „Camp Wars“, dem Wettkampf zwischen Camp Rock und Camp Star. Gestern durfte diesen Part der einzige Nicht-Moderator im Team übernehmen – Ferdinando Chefalo. Ein sympathischer Kerl, der leider etwas Lampenfieber hatte und den Anfang leicht vermasselt hat. Ich fand das nicht schlimm, sondern menschlich – den Rest hat er nämlich sehr gut gemacht. Hoffentlich macht er sich nicht zu viele Vorwürfe! Nach Dominic Heinzl und Eva Pölzl ist heute Peter Rapp in der Rolle des Showmasters zu sehen, und bei der Derniere am 5.12. Alfons Haider.

An die 50 Camp-Rocker (kurz im Fachjargon: „Crocker“) stehen in dieser Show auf der Bühne. Schon lange habe ich eine so volle Bühne gesehen, ein Augenschmaus. Man musste sich aber auch manchmal sehr konzentrieren, um zu sehen, wo denn jetzt gerade jemand singt, weil man vor lauter Leuten, die Protagonisten plötzlich aus den Augen verloren hat.

Das Bühnenbild (Hans Kudlich) und das Lichtdesign (Michael Grudner) müssen unbedingt noch erwähnt werden, wirklich beeindruckend!

Hut ab auch vor den PR- und Marketingmaßnahmen, hier wurden keine Kosten und Mühen gescheut. Von CampBlog (einem Vlog auf dem eigenen youtube-channel), Facebook-Page, einem VIVA-Casting, einem Fashion-Shooting bis hin zu Auftritten bei Bezirksfesten. Hier wurde gezeigt wie’s geht! Leider blieb gestern Abend trotzdem mehr als ein Drittel der Plätze in der Halle F frei, schade!

Auch das Programmheft gibt einiges her. Sehr nett die Kurzsteckbriefe der jungen Darsteller mit Informationen zu bisherigen Auftritten, Alter, Herkunft, aber auch mit persönlichen Details wie Lieblingsmusical, Hobbys, Traumrolle, Lieblingssong und „3 Dinge, die ins Camp Rock mit müssen“. Als Lieblingsmusical führt übrigens „In the Heights“, aber auch „Tanz der Vampire“ spielt ganz vorne mit.

Karten gibt es u.a. HIER.
Links:

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Musical Christmas Wishlist & Tipps

2010-12-02T12:12:00.004+01:00

Auf meinem Wunschzettel stehen natürlich auch ein paar Musical-bezogene Wünsche...die möchte ich euch nicht vorenthalten :D

CDs:

- Sondheim on Sondheim (Original Broadway Cast)

NOCH bin ich eine eher unerfahrene Sondheim-Hörerin, langsam aber stetig ändert sich das allerdings…diesen Prozess wird diese CD unterstützen :) Das Album der Sondheim-Revue anlässlich des 80. Geburtstages des Komponisten wurde heute sogar für einen Grammy nominiert. Barbara Cook, Vanessa Williams, Norm Lewis und einige mehr singen Songs aus Sondheim-Shows, von „Send in the clowns“ bis „Ever after“.

- Bloody Bloody Andrew Jackson (Original Cast Recording)

Ein Off-Broadway-Überraschungshit, der nach dem Transfer an den Broadway im Oktober leider schon wieder Anfang Jänner schließen muss. Das ist nicht nur ein Verlust für die Produzenten, sondern auch einer für das Publikum. Da ich es leider nicht geschafft habe es zu sehen, aber von den Ausschnitten, die ich bereits zu Ohren bekommen hab, begeistert bin, steht dieses kleine Wunder auf meinem Wunschzettel…mal sehn ob mir das Christkind diese CD unter den Christbaum legt...

- Thoroughly Modern Millie (Original Broadway Cast)

Sutton Foster hat für mich als Prinzessin Fiona in Shrek den Vogel abgeschossen. Eine unglaublich talentierte Darstellerin, die sich den Tony für die Beste Hauptdarstellerin in „Thoroughly Modern Millie“ sicher redlich verdient hat. Mit Gavin Creel an ihrer Seite, der mich diesen Sommer als Claude in Hair begeistert hat, handelt es sich auf jeden Fall um ein „Dream Team“. Ich bin gespannt.

- A Lovely Way To Spend Christmas (Kristin Chenoweth)

Kristin Chenoweth’s Christmas Album steht schon lange auf meiner Wunschliste und vor ein paar Tagen habe ich mir den Wunsch endlich erfüllt und mir die CD bestellt. Ich kann es kaum erwarten sie in meinen Händen zu halten…

- A Musical Christmas (Vereinigte Bühnen Wien, 2010)

Die Vorgänger besitze ich bereits und für mich ist es Tradition jedes Jahr mit meiner Mutter „Musical Christmas“ zu gehen. Es ist immer ein Erlebnis und enttäuscht wird man eigentlich nie, auch wenn sich - wie immer - die Kartenpreise jenseits von Gut und Böse befinden. Es geht auch anders! Wer sich dieses Jahr etwas Sparen möchte ist mit 17,50 Euro doch ganz gut dabei, denn da kann man sich wenigstens diese Aufnahme besorgen :)

BÜCHER:

- Patti LuPone: A Memoir (Patti LuPone)

Eine Broadway-Diva veröffentlicht eine Autobiographie – dieses Buch MUSS ich haben :) Ich lese gern aus dem Leben anderer, von Leuten, die mich beeindrucken, egal ob sie etwas „Besonderes“ geleistet haben oder nicht. Biographien von Menschen aus dem Musicalbereich habe ich bereits einige gelesen, darunter „A little bit wicked“ von Kristin Chenoweth, „Without You“ von Anthony Rapp, „‘til the fat girl sings“ von Sharon Wheatley und „Der Musical-Mann“ von Friedrich Kurz. Vor allem die ersten zwei kann ich euch nur sehr ans Herz legen – berührende, lustige, interessante Geschichten von sympathische Darstellern.

- Broadway Musicals: The Biggest Hit & The Biggest Flop of the Season 1959-2009 (Peter Flichia)

Musical-Enzyklopädien sind immer ein Risiko, doch dieses Buch wird auf einigen Seiten empfohlen und interessiert mich schon wegen des interessanten Ausgangspunktes. Der Theaterkritiker Peter Filichia schreibt übrigens auch ein Blog – hier zu finden.

- Disney's Beauty and the Beast: A CELEBRATION OF THE BROADWAY MUSICAL

Disney's The Beauty and the Beast war meines Wissens nach mein erstes Musical - die Anschaffung dieses Buches mit einer Menge Backstage Informationen und Details zum Entstehen dieses Bühnenmärchens war also nur eine Frage der Zeit...Da ich für die Uni eine Arbeit darüber schreibe, habe ich mir diesen Wunsch schon selbst erfüllt. Ein Paket ist schon auf dem Weg zu mir...das Buch ist nämlich überall vergriffen und nur noch gebraucht zu erhalten, danke für amazon-Marketplace! :)
Was steht denn auf eurer Musical-Wishlist?

Ein paar andere Wunschzettel findet ihr hier:

Weihnachtliche Musical-TIPPS:

10.12., 21:15 Uhr: Die ultimative Chartshow: Die erfolgreichsten Musical-Hits mit Showacts von Bonnie Tyler (Total Eclipse Of The Heart), Murray Head (One Night in Bangkok), Angelika Milster (Erinnerung), Bobby Farrell (Daddy Cool), Queen-Musicalcast (We Will Rock You)

15.12, 18 Uhr: Uwe Kröger im Weihnachtsdorf am Maria-Theresien-Platz

3., 4., 5. und 18. 12., 19:30 Uhr: Musical Christmas im Ronacher (und an weiteren Terminen auch in den Bundesländern und in München)

P.S.: Heute wurden die Grammy-Nominierungen bekannt gegeben...HIER könnt ihr sehen, welche Musical-Cast-Alben es auf die Liste der Nominierten geschafft haben. Auch Glee ist in einer Kategorie nominiert...persönlich drücke ich aber vor allem Lady Antebellum die Daumen (mein heutiger Anspieltipp außerhalb des Musical-Genres).

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Elf - Das Musical zum Advent

2010-11-28T15:58:00.000+01:00

"SPLASHY, PEPPY, SUGAR-SPRINKLED HOLIDAY ENTERTAINMENT!”

The New York Times

Rechtzeitig zur Weihnachtszeit gibt es seit Anfang November auch weihnachtliche Stimmung am New Yorker Broadway: ELF - The Musical, basierend auf dem gleichnamigen Film aka "Buddy - Der Weihnachtself" mit Will Ferrell.
Der sympathische Ex-Jersey Boy Sebastian Arcelus gibt Buddy, dessen love interest Jovie wird von Amy Spanger dargestellt. Zur Einstimmung auf Weihnachten ist dieses Musical sicher genau das Richtige...schönen ersten Advent!

Links:

Happy Thanksgiving!

2010-11-25T13:13:00.000+01:00

Happy Thanksgiving euch allen!

Dieses Jahr feiere ich zum ersten Mal so richtig Thanksgiving - ein Feiertag, der es wert wäre, hierzulande einzuführen. Im Gegensatz zu Halloween finde ich ihn nämlich mehr als vertretbar. Dankbar kann man nämlich nicht oft genug sein!

Wie jedes Jahr findet auch 2010 die berühmte Macy's Thanksgiving Day Parade statt, deren fester Bestandteil auch die aktuellen Broadway-Produktionen sind. Auf dem Programm stehen heute Performances von Memphis, American Idiot, Elf und Million Dollar Quartet. Wie gerne wäre ich in New York um die Parade mitzuerleben...

Damit ich nicht ganz leer ausgehe habe ich ein bisschen auf youtube gestöbert und ein paar Highlights der vergangenen Jahre herausgesucht. Vielleicht machen sie auch euch Freude!

Billy Elliot - Thanksgiving Parade - 2009
Shrek - Thanksgiving Parade - 2009
Wicked - Thanksgiving Parade - 2003
In The Heights - Thanksgiving Parade - 2008
Jersey Boys - Thanksgiving Parade - 2005

Leibovitz meets Spiderman

2010-11-24T10:21:00.002+01:00

Letzten Sommer durfte ich - wie einige von euch bereits wissen - ein Internship am Broadway machen. Während dieser Zeit konnte ich in die verschiedensten Bereiche Einblick gewinnen und begab mich auch auf geheime Spiderman-Mission. Das Innere des Hilton Theatres befand sich noch im Rohzustand, für die geplante Premiere im Februar hätte es mehr als schnell gehen müssen, um es rechtzeitig fertigzustellen. Allerings durfte ich die ersten stage models begutachten...was ich zu sehen bekam war umwerfend, aber unglaublich und unvorstellbar. Auch ein Team DER bekanntesten Modezeitschrift, VOGUE, hatte damals die Möglichkeit einen ersten Eindruck zu bekommen und alles für ein Fotoshooting mit Annie Leibovitz vorzubereiten.
1 1/2 Jahre später ist es nun endlich soweit und das Ergebnis des Shootings wurde veröffentlicht. In der Zwischenzeit hat sich das Premierendatum immer weiter nach hinten verschoben, das Theater hat seinen Namen geändert und heißt jetzt "Foxwoods Theatre" und die Cast wurde gewechselt.
Das verbindende Element von Leibovitz und Spider-Man: Turn Off The Dark? Die Finanzlage. Während die berühmte Fotografin in den Privatkonkurs geschlittert ist, spricht man bei Spider-Man vom teuersten Musical, das es je auf die Bühne geschafft hat (was es im Grunde genommen auch noch nicht hat).
40 Millionen Dollar und mehr sind in dieses Projekt geflossen, möge es bitte Erfolg haben! Julie Taymor, George Tsypin und die Musik von Bono und The Edge sind schon mal keine schlechte Vorraussetzung.

Der aktuelle Termin der Opening Night ist der 11. Jänner 2011, mal sehen ob das wirklich der Wahrheit entspricht...

HIER geht's zur Slideshow mit den Bildern der großartigen Annie Leibovitz.

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Forget Me Not oder GLEE und Gwyneth Paltrow

2010-11-18T18:31:00.002+01:00

Back to blogging heißt es heute, obwohl es im Moment nicht wirklich viel zu berichten gibt. Allerdings kommt so einiges auf uns zu. Von Camp Rock über Musical Christmas, Borchert Besinnlich und die Musical Tenors. Dazwischen hoffentlich noch Drew Sarich als Vampirgraf und die Welt ist in Ordnung :)

Heute poste ich wieder einmal ein Video.
Wer als Musicalfan noch nichts von GLEE gehört hat, der lebt wahrscheinlich hinter dem Mond. Es ist eine erfrischende, witzige Serie mit einer großen Ladung Musik. Neben Gaststars aus dem Musicalbereich findet auch immer wieder die ein oder andere Musicalnummer ihren Platz in der Show oder sogar ein ganzes Musical wie in der Episode "The Rocky Horror Glee Show".

In der Rolle einer Aushilfslehrerin schaffte es auch Oscarpreisträgerin Gwyneth Paltrow in die Serie und zeigte mit "Forget You" ("F**k You") von Cee Lo Green was sie so musikalisch auf dem Kasten hat. Bis auf das Faktum, dass die Amerikaner nur die zensierte Version erlaubt haben, gefällt mir Paltrows Auftritt wirklich gut. Ich freue mich auf viele weitere Folgen mit aufregenden Gaststars und deren musicalischen Einlagen!

! Kleine Ergänzung: Singin' in the rain/ Umbrella - GLEE Cast & Gwyneth Paltrow

Zur Lage der VBW...

2010-11-03T22:54:00.005+01:00

Rar ist es in letzter Zeit um Einträge geworden und das liegt nicht nur an meiner fehlenden Zeit. Viel tut sich im Moment in musicalischer Hinsicht nicht. Hie und da tröpfeln Meldungen herein, einige interessant und Freude bringend, andere, die zum Kopfschütteln anregen – wie die letzte, die mich erreicht hat…
Das Ende für Tanz der Vampire in Wien steht fest. Im Juni ist es soweit und die Vampire haben ausgetanzt – zumindest bis zum nächsten Jubiläum! Die „Überraschungsbotschaft“ des letzten Monats meldete einen Castwechsel an und gespannt warten wir nun auf Drew Sarich' erste Vorstellung als Graf Krolock. Ich habe mich letzte Woche von Thomas Borchert als Vampir „verabschiedet“ und nochmal seine „Unstillbare Gier“ in mich aufgesogen. Er hat die Rolle für sich wirklich perfektioniert – von der Überheblichkeit (und dem Augenrollen) bis hin zu den Zweifeln und Unsicherheiten des Grafen. Mit Drew Sarich wird nun sicher ein anderer Schwung in die Sache kommen. Wie legt er die Rolle an? Was passiert mit dem Stück dadurch? Erscheint der Vampirgraf nun als direkter Konkurrent zu Alfred, weil sich der Altersunterschied etwas ändert? etc. Ab 6. November werden wir es erfahren…

Während im Raimund Theater die Matrosen weiterhin ihrem Treiben nachgehen, arbeitet man bei den VBW schon an der nächsten Premiere. Kommen wir zur Meldung, die Kopfschütteln hervorruft… „Sister Act“ heißt die Nachfolgeproduktion im Ronacher. An sich nicht schlecht - eine relativ neue Show mit Potential – wenn nicht Stage Entertainment vorher schon Fingerabdrücke hinterlassen hätte… In Hamburg wird nämlich schon Anfang Dezember Premiere gefeiert. Innovativ ist also etwas Anderes. Da es bei IWNNINY schon so gut geklappt hat, wird gleich eine weitere Koproduktion ins Rennen geworfen. Wien hat in seinen großen Musicaltheatern also zwei eingekaufte Produktionen am Start – natürlich gibt es kleine Änderungen für uns Ösis, bei den VBW wird dann aber das Etikett „komplett neue Show“ aufgeklebt. Hmm…

Wo sind sie hin die Zeiten, in denen man noch kreativ wurde und den Mut hatte, Neues auf die Bühne zu bringen? Geld oder Leben heißt es – und anscheinend sind den VBW die Vampire zu Kopf gestiegen, denn die unstillbare Gier dürfte um sich gegriffen haben. Nach „The Producers“, „Rudolf“ und „Frühlings Erwachen“ scheint es nur noch Feiglinge zu geben, die dem großen Bruder Deutschland nachfolgen müssen. Wo sind die Zeiten, in denen Wien als Musicalmetropole nach New York und London genannt wurde? Vergessen. In Wahrheit ist es einfach nur traurig...

In puncto Innovation und Mut bleiben uns also „nur“ die kleinen Theater über. Hier gibt es einige, die wirklich etwas zu bieten haben. Hier geht es nicht ums Geld, denn auf die Schnelle wird auch mal aus der eigenen Tasche finanziert, auch wenn es sich nicht rentiert. Es geht um Kreativität, die Freude am Theater, an tollen Stücken, Musik… Sei es nun z.B. das großartige „Over The Threshold“ des Vienna Theatre Project im Theater Drachengasse oder die wunderbare, einfache „Cabaret“-Produktion von Sobotka in den Kammerspielen. Schätze, auf die man achten sollte. Auch die Volksoper, als großes Haus, bietet gute Alternativen – frische Inszenierungen von alten Klassikern. Klassisch, aber clever gemacht. Ein Pflaster auf der etwas leidenden österreichischen Musicalseele…

Mit der Nachfolgeproduktion von IWNNINY könnten sich die VBW vor dem neuen Image noch retten, was und wann das sein wird und ob wirklich wieder in die richtige Richtung gearbeitet wird, bleibt vorerst ein Rätsel…

Meinungen zum Thema:

- Musical Musing
- Musikalitis
- Kultur-Channel
- Pressemeldung VBW

"When You're An Addams" - Der Song zum Sonntag

2010-10-31T21:33:00.001+01:00

Happy Halloween!

Auch wenn ich dieses Fest nicht wirklich begehe, so nehme ich mir diesen Tag doch zum Anlass ein passendes Video zu posten...Liebend gerne würde ich "The Addams Family" am Broadway sehen, auch wenn der Inhalt nicht viel hergeben mag, die Musik ist gar nicht schlecht und hier geht es vor allem um Unterhaltung; mit einer Familie, die so ganz anders ist, als alle anderen :)

Der Musical-Mann von Friedrich Kurz

2010-10-24T17:53:00.003+02:00

„Der Musical-Mann“ war ursprünglich auf der Liste meiner Sommerlektüre, allerdings bin ich erst jetzt dazu gekommen es auch zu lesen. Nachdem das Buch im „musicals“-Magazin eine relativ schlechte Kritik erhalten hat, bin ich ein wenig vorbelastet an die Sache herangegangen. Eigentlich kein guter Zugang zu Literatur, denn dies hatte zufolge, dass ich mich von Anfang an gefragt habe, ob denn jetzt die Erinnerung an die Kritik aus mir spricht und mein eigener Eindruck. Was genau in der Rezension gestanden ist, wusste ich allerdings nicht mehr. Nach der Hälfte des Buches war mir klar, dass es sich um mein eigenes Gefühl handelt…ein Gefühl, das mich das ganze Buch nicht mehr losgelassen hat.

Ich habe Friedrich Kurz in seiner Autobiografie (mit Marcus Mockler) als arroganten und unreifen Menschen wahrgenommen. Ganz unabhängig von seiner erstaunlichen Karriere. Was dieser Mann für das Genre Musical in Deutschland geleistet hat ist - unumstritten – so Einiges. Der Weg vom Schulabbrecher zum Musicalproduzenten war kein einfacher und das erzählt Kurz in diesem Buch. Sein Lebensweg führte ihn in die ganze Welt und durch die verschiedensten Berufssparten. Kurz verdient diesbezüglich meinen ganzen Respekt. Keine Frage, es war sehr interessant darüber zu lesen und zu erfahren, wie es bei manchen Produktionen „backstage“ so aussah.

Als Mensch ist mir Kurz aufgrund des Buches nicht sonderlich sympathisch. Nicht nur wirkt er stellenweise ganz schön arrogant, sondern er leistet sich mit dieser Autobiografie auch einige Frechheiten. Kurz äußert sich abschätzig über Leute, die ihm offensichtlich seelischen Schmerz zugefügt haben, sei es nun Robert Redford, der ihm seine Freundin ausgespannt hat, oder Peter Weck, der bei einigen Produktionen einfach die Nase vorne hatte. Jeder ist verletztlich und manchmal auch nachtragend, aber mit der Zeit sollte man verzeihen – Friedrich Kurz hat dies noch nicht geschafft, meiner Meinung nach ist er in einer Trotzphase stecken geblieben. Das alles wäre nicht ganz so schlimm, wenn Kurz nicht immer betonen würde, wie er durch eine Gotteserscheinung zum gläubigen Christen wurde, man kauft ihm das einfach nicht ab. Für mich hat er noch nicht ganz verstanden, worum es im Glauben geht. Er schreibt, dass er sich nicht mehr rächen möchte, weil er über die Verletzungen hinweg ist, legt aber mit „Der Musical-Mann“ auch eine Art Abrechnung ab. Dazu kommt, dass Kurz selbst einige Fakten verdreht und Unwahrheiten verbreitet – wahrscheinchlich als Folge seiner verletzten Ehre. Eine der größten Frechheiten ist, wenn Kurz behauptet Peter Weck hätte Gerüchte über ihn verbreitet, weil „Cats“ in Wien nicht so erfolgreich gelaufen ist, wie in Hamburg (kann stimmen, ist aber fraglich). Er hat Weck NIE persönlich getroffen, wirft aber im nächsten Satz ein, dass der ehemalige österreichische Intendant der VBW, der ihm angeblich Schaden zufügen wollte, kurz nach dem "Misserfolg" von "Cats" entlassen wurde – einfach nicht wahr. Ich bin gespannt, ob und wenn was Weck in seiner Biografie darüber berichtet ("War's das? Erinnerungen." Erschienen am 18. Oktober im Amalthea Verlag)...

Erst ganz zum Schluss kommt der Autor ein wenig zur Besinnung. Wenigstens hat er erkannt, dass es sich bei Geldgier nicht gerade um eine ideale Charaktereigenschaft handelt. Eines kann ich Kurz mit auf den Weg geben: Wie man in den Wald ruft, so schallt es heraus. Kein Wunder, dass die Lebensgefährtin irgendwann zurück schlägt, wenn man sie immer mit anderen Frauen betrügt und kein Wunder, dass man vor lauter Gier nach Reichtum, einmal auf die Nase fällt und zwar ordentlich.

„Der Musical-Mann“ ist durchaus informativ, wenn man sich für Musical interessiert, allerdings kein „Must-Read“. Es ist kurzweilig und schnell zu lesen. Wenn es auch auf menschlicher Ebene kläglich versagt, ist es trotzdem eine interessante Lebensgeschichte.

"Der Musical-Mann. Ein steiler Aufstieg, ein tiefer Fall und eine Begegnung mit Gott, die alles veränderte." von Friedrich Kurz (mit Marcus Mockler). GerthMedien Verlag. 2010. 224 Seiten.

"It Gets Better" - Der Song zum Sonntag

2010-10-17T19:07:00.001+02:00

"It Gets Better" ist eine Reaktion auf die Selbstmordwelle homosexueller Teenager, die ihr Leben aufgrund von Mobbing und Schikanierungen nicht mehr ausgehalten haben. Broadway-Darsteller haben sich zusammengetan und diesen ergreifenden Benefiz-Song aufgenommen. Mit diesem Song soll die Gesellschaft aufmerksam gemacht werden, aber auch Mut gemacht werden, dazu zu stehen, wie man ist. Gespendet wird an "The Trevor Project", eine Organisation, die u.a. telefonische Beratungsdienste für Teenager anbietet. Auch neue TV-Spots u.a mit Chris Colfer (Glee) und Daniel Radcliffe (Harry Potter, Equus) sollen auf diese Einrichtung hinweisen.
Geschrieben wurde der heutige "Song zum Sonntag" von Jay Kuo und Blair Shepard, gesungen von
Danny Calvert, Jacob Clemente, Matt Doyle, Ann Harada, Carly Jibson, Jose Llana, Orfeh, Christina Sajous, John Tartaglia, Marty Thomas, Stephanie Umoh and The Cagelles from La Cage aux Folles.

"It Gets Better" wird ab 19. Oktober via Itunes erhältlich sein.

Links:

Veranstaltungstipp: Over The Threshold

2010-10-15T09:52:00.001+02:00

Ihr habt für heute und morgen Abend noch keine Pläne? Dann habe ich einen Veranstaltungstipp für euch…

Das Vienna Theatre Project präsentiert das Musical „Over The Threshold“ im Theater Drachengasse. Es ist ein kurzes, sehr unterhaltsames 4-Personen-Musical, das Spaß macht, aber auch seine tiefgründigen Momente mitbringt – Thema: Beziehungen und Beziehungsprobleme. Es spielen: Lisa Gray, Katrin Mersch, Dave Moskin und Kieran Brown.

Heute findet nach der Vorstellung auch ein Meet & Greet mit Darstellern, Crew und Christopher Hamilton, dem Autor des Musicals, statt. Beginn ist nach der Vorstellung um 21:30.

Wer ein kleines, aber feines Musical erleben will (zu günstigen Kartenpreisen!) – mit tollen Songs und einer fantastischen Cast – der sollte sich schnell noch Karten sichern. „Over The Threshold“ ist noch bis morgen, 16.10., zu sehen, Beginn der Vorstellung ist immer um 20 Uhr.

Tickets gibt es direkt an der Tages- oder Abendkasse (Theater Drachengasse, Fleischmarkt 22, 1010 Wien), unter der Telefonnummer: 01/ 5131444 oder online.

Einen kleinen Vorgeschmack gibt es hier.

Link:

Over The Threshold

"LesMis Rhapsody" - Der Song zum Sonntag

2010-10-10T22:43:00.000+02:00

Ein später Song zum Sonntag, aber einer zum Lachen...

LesMis Rhapsody - Queen's geniale "Bohemian Rhapsody" als LesMis-Spoof anlässlich des "10th Anniversary Concert" in Australien. Da letztes Wochenende das 25-Jahre-Jubiläum in London groß gefeiert wurde (siehe u.a. hier), nehme ich dies als Anlass dieses äußerst amüsante Video zu posten. Viel Spaß!

P.S.: Im November wird die DVD vom 25-Jahre-Konzert im Londoner O2 im Handel erhältlich sein.

Musical Meets Opera

2010-10-09T12:22:00.000+02:00

Fast eine Woche später finde ich erst Zeit über dieses (überraschend) interessante und unterhaltsame Event zu berichten. Gute Unterhaltung um wenig Geld (6 Euro Musicalclub-Preis bzw. 12 Euro regulär) - pures Vergnügen! Im Vorhinein war nicht wirklich klar, was man erwarten konnte - vielleicht Opernstars singen Musicals und umgekehrt, dann wiederum stand in der Ankündigung „Zu Gast bei den Vampiren“, was auch mehrdeutig ausgelegt werden konnte. Ich konnte meine Erwartungen nicht konkretisieren und habe diese Veranstalung relativ unvoreingenommen besucht.

Das Ronacher war bis oben hin gefüllt mit Staatsopern Freunden, Musicalfans und Schulklassen – eine lustige Mischung, zumal das Publikum auch in jeweilige Blöcke eingeteilt wurde. Rechts die Musicalclubmitglieder, links die Freunde der Staatsoper und in den Rängen die Schüler (oder so ähnlich). Wenn man schon bei den Vampiren zu Gast ist, so hatte der Vormittag natürlich einen Musicalschwerpunkt, speziell "Tanz der Vampire" stand im Zentrum. „Koukol“ brachte die Darsteller auf die Bühne und lockerte die Atmosphäre gleich zu Beginn.

Zu allererst möchte ich den Moderator erwähnen – Thomas Dänemark. Einen so engagierten und begeisterten Moderator habe ich lange nicht gesehen. An Dänemarks Ausstrahlung merkte man, dass er Spaß an seiner Arbeit hat. Er wirkte interessiert, führte gute Kurzinterviews mit den Darstellern und Dramaturg Peter Back-Vega (dieses vielleicht ums Kennen zu lang), zeigte sich hie und da ironisch und schreckte nicht davor zurück, sich kurzzeitig selbst zum Affen – ähm, Vampir – zu machen. Überaus charmant und informiert führt er durch die zwei kurzweiligen Stunden.

Vor der Vampir-Kulisse bekamen die Zuschauer neben persönlichen Interviews auch gesangliche Kostproben geboten. Im letzten Teil der Show vereinigten sich dann Oper und Musical und man konnte erleben, was passiert, wenn Operndarsteller „Totale Finsternis“ singen. Ab und zu wurde „Tanz der Vampire“ mit Mozarts „Don Giovanni“ verglichen – Klangbeispiele inklusive. Hier wollte man nicht zu viel, sondern einigte sich auf kurze Vergleiche, was ich als angenehm und sehr interessant empfunden habe.

Tja, das Highlight waren neben den Darstellerinterviews, das wunderbar komische Duett „Wenn Liebe in dir ist“ ohne Kostüm und mit getauschten Rollen. Meine Hochachtung an Lukas Perman und Marc Liebisch! Perman würde gar nicht mal einen schlechten Herbert abgeben. Was mir außerdem sehr gefallen hat war, dass die Darsteller sehr natürlich und locker waren. Sie plauderten fröhlich drauf los, machten Scherze und erzählten von ihren Bühnen-Hoppalas. Wenn man die eine oder andere Geschichte vielleicht schon kannte, es ist doch immer wieder amüsant sie zu hören.

Dazwischen gab es noch ein paar Videos, wie z.B. über die Verwandlung von Marc Liebisch in Herbert von Krolock und eine Verkostung von Theaterblut (leider nicht für das Publikum). Ein gut verbrachter Theatervormittag, von dem man sagen kann, dass man für sein gezahltes Geld, mehr Leistung bekommen hat, als vielleicht ursprünglich erwartet.

Eine Wiederholung mit neuer Besetzung ist wünschenswert. In ihrer Abschlussrede kündigte Intendantin Kathrin Zechner eine Zusammenarbeit mit Moderator Thomas Dänemark an, bei einem Weihnachtskonzert der Zukunft. Ob dieses kleine Versprechen wirklich eingelöst wird, bleibt offen. Ich hoffe es doch, denn Herr Dänemark hat seine Sache gut gemacht, in dem er nie zu viel und auch nicht zu wenig geredet hat…eine Gabe, die nicht jeder Moderator besitzt :)

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Frank Wildhorn & Friends

2010-10-07T14:20:00.001+02:00

Die Organisatoren „Pomp Duck and Circumstance“ schreiben auf dem Programmheft, dass es sich bei „Frank Wildhorn & Friends“ um das „Musicalkonzert der Saison“ handelt. Dem kann ich nicht nur zustimmen, sondern ich erweitere die Phrase und meine, dass es „das beste Musicalkonzert der letzten Jahre“ in Wien war. Wer Wildhorn mag war an diesem Abend jedenfalls an der richtigen Stelle. Ausverkauft war das Raimund Theater leider nicht, das liegt aber sicherlich nicht am Angebot. Die Nachfrage wurde nämlich nicht wirklich zugelassen, es fehlte die Werbung. Ein paar Flyer in den VBW-Theatern und ein, zwei Plakate (ja, ich habe eines gesehen – in Hietzing) genügen nicht. Restkarten gab es zuhauf, denn trotz der Umwandlung einiger Preiskategorien konnte das Theater nicht ganz gefüllt werden. Der Stimmung tat das allerdings keinen Abbruch - wer dort sein wollte, um einen wunderbaren Komponisten und einige seiner Freunde zu erleben, der war dort. Deswegen hatte das Konzert auch irgendwie einen intimen Touch. Die Atmospäre war locker und angenehm, nicht zuletzt wegen der sympathischen Intros von Frank Wildhorn persönlich. Dieser hatte am Klavier Platz genommen und begleitete seine Künstler durch den Abend.

Das Orchester der VBW kann etwas, das wusste ich schon, aber wie gut es wirklich ist, hat man erst an diesem Abend gemerkt. Der Sound, der hier unter der Leitung von Koen Schoots, entstanden ist, war einfach nur bezaubernd.

Die Solisten des Abends waren drei wunderbare Darsteller, Thomas Borchert, Pia Douwes und Linda Eder. Das Programm klang ganz vielversprechend, alte Hits und neue Songs, mit Hit-Potential. So gab es ein bisschen Monte Christo, ein bisschen Jekyll und Dracula, Rudolf, Carmen und Neues aus Wonderland und Bonnie & Clyde. Eine bunte Mischung. Zwischendrin dann auch „Where do broken hearts go?“, ein Song, den ich sehr gern habe, aber vor diesem Abend nicht wusste, dass Wildhorn ihn komponiert hat, und „Gold“, ein Song aus „Camille Claudel“, der auch bei den Winter Olympics 2002 seine Verwendung fand.

Der erste Akt schloss mit einem Swing Medley und als Zuschauer konnte man gar nicht besser in die Pause geschickt werden. Einziger kleiner Kritikpunkt: „Something More“ (Rudolf) von Linda Eder und Thomas Borchert, weil es irgendwie nicht recht wollte. Große Stimmen, keine Frage, aber hier hat das Gefühl gefehlt. Trotzdem habe ich mich an die Zeit zurückgesehnt, als statt Matrosen noch Rudolf und Mary im Raimund Theater spielen durften. Wer an Wildhorns Kompositionen gezweifelt hat, der wird eines Besseren belehrt, denn er ist ein Meister der großen Melodien. Vor allem die Balladen überzeugen immer wieder. Der Einsatz des vollen Orchesters macht einfach etwas aus und die Orchestrierung von Schoots fügt sich perfekt ein.

Während der zweite Akt mit „Viva“ aus Carmen feurig begann und danach Wildhorn persönlich „Living in the Shadows“ (Victor/Victoria) anstimmte, fragte man sich vielleicht schon, ob Linda Eder denn „Vienna“ als Zugabe singen würde, immerhin stand sie in Wien auf der Bühne. Als sie es dann sang, breitete sich im Theater eine ganz eigene Stimmung aus. Man spürte Eders Emotionen in jedem Wort. Den Song widmete sie ihrem Vater und ihrer Familie und am Ende standen nicht nur Linda Eder die Tränen in den Augen. Eine Verbundenheit war im Raum und ich bin mir sicher, dass viele das spüren konnten.

„This is the moment“ und „Finding Wonderland“ bereiteten die Zuschauer auf dieses Erlebnis vor. Borchert und Douwes brachten ihre beeindruckenden Performances zu einem schönen Schluss und zogen das Publikum in ihren Bann. Beide zeigten an diesem Abend ihre unglaubliche Wandlungsfähigkeit und Bandbreite – ein Genuss.

Besonders war der Abend auch schon deswegen, weil Eder und Wildhorn wieder gemeinsam auf der Bühne standen – in einem Fernsehinterview meinte Wildhorn, dass es auch ein ganz besonderer Moment für den gemeinsamen Sohn Jake sei. „Frank Wildhorn & Friends“ war gefüllt mit Momenten, die mir als Zuschauer sicher lange in Erinnerung bleiben. Gespannt bin ich auch auf CD und DVD dieses Konzerts.

Berichte über dieses Konzert findet ihr auch hier:

Eder & Wildhorn Reunite Onstage + Fotos - Broadwayworld.com
Eine Sternstunde in zweieinhalb Stunden - Musikalitis
Wildhorn & Friends - endlich wieder Musical im Raimund Theater + Fotos - Kultur-Channel

Links:

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"Don't Rain On My Parade" - Der Song zum Sonntag

2010-10-03T18:36:00.001+02:00

Morgen findet die "große" Frank Wildhorn & Friends Gala im Raimund Theater statt und angeblich gibt es noch einige Karten - kein Wunder. Keine Werbung, teure Kartenpreise.
Neben Thomas Borchert und Pia Douwes wird auch eine im deutschsprachigen Raum weniger bekannte Darstellerin auftreten - Linda Eder. Die Tochter eines Österreichers spielte nicht nur die erste Lucy in "Jekyll & Hyde", sondern ist auch sonst sehr stark mit Wildhorns Werk verbunden (CD-Aufnahmen, Uraufführungen, etc.), das liegt u.a. auch daran, dass die beiden von 1998 bis 2004 verheiratet waren und einen gemeinsamen Sohn haben.

Der heutige "Song zum Sonntag" ist "Don't Rain On My Parade" aus Funny Girl. Linda Eders Performance lässt meine Spannung auf den morgigen Abend steigen. Ich bin wirklich schon gespannt, wie das Konzert aussehen wird...

P.S.: Heute fand im Ronacher die "Musical Meets Opera" Matinee statt. Es war ein sehr vergnüglicher und interessanter Vormittag in lockerer Atmosphäre. Mein Bericht folgt erst in ein paar Tagen, da ich aufgrund von Prüfungen erst dann Zeit dazu finden werde. Schönen Sonntagabend!

Vindobona: Mitten ins Herz – Lieder der Sehnsucht

2010-09-30T16:30:00.004+02:00

Wer eine kleine Zeitreise erleben möchte, dem sei geraten dem Vindobona einen Besuch abzustatten. Dort feiert morgen die neue Show „Mitten ins Herz“ Premiere und ist ab da an bis Mitte Dezember zu sehen.

„Mitten ins Herz – Lieder der Sehnsucht“ ist ein Abend für die Seele. Ich bin zwar noch jung, aber die alten Schlager haben es mir trotzdem angetan - von Peter Alexander über Freddy Quinn bis hin zu Frank Sinatra und Johnny Cash. Vier großartige Sänger präsentieren dem Publikum ein kunterbuntes Programm aus Schlagermelodien. Auf Englisch, Französisch, Italienisch und Deutsch – im Dialekt oder auch nicht. Das Repertoire reicht von „Somewhere over the rainbow“ und „I am sailing“ bis „Die Caprifischer“ , Grönemeyers „Ich hab dich lieb“ und „Lilli Marleen“. Musicalisch ist der Abend deswegen, weil mit Dennis Kozeluh, Kerstin Ibald und Christof Messner bekannte Gesichter aus dem Musicalbereich auf der Bühne stehen. Die zweite Dame im Bunde ist Agnes Palmisano, die das Quartett perfekt macht. Die Harmonie zwischen den Künstlern stimmt, das spürt man einfach. Nicht nur gesanglich. Die Vier performen Schlager nach Schlager mit viel Ausdruck, Spaß und Gefühl. Das Besondere sind die wunderbaren Arrangements, mal a capella, mal in Begleitung der Liveband (Herbert Otahal und sein Herzkammerorchester). Altbekanntes erscheint in neuem Licht und wird anders wahrgenommen. Die Texte werden mal gefühlvoll, mal mit Augenzwinkern vorgetragen und lassen das Publikum in die Ferne schweifen. Hie und da gibt es kurze Kommentare der Darsteller, aber geredet wird eher weniger. Die Lieder sprechen für sich.

Nebenbei kann man sich auch kulinarisch verwöhnen lassen und ein „Menü der Sehnsucht“ oder andere kleine Köstlichkeiten aus der hauseigenen Küche bestellen.

Tickets gibt es hier oder unter der Telefonnummer 01/ 512 39 03 (bis 12h) bzw. 01/ 512 47 42 (ab 14h) bzw. direkt an der Kassa des Kabarett Simpl in der Wollzeile oder an der Abendkasse im Vindobona.

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Im Gespräch mit Stefan Bischoff

2010-09-26T19:57:00.002+02:00

Im August habe ich beschlossen die Themen auf meinem Blog ein bisschen auszuweiten. Spontan ist mir die Idee gekommen Menschen aus dem Bereich Musical zu interviewen. Eine kleine Umfrage unter meinen Lesern hat mein Vorhaben bestätigt und hier ist es nun – das erste Interview.

Mein erster Interviewpartner ist (war) Stefan Bischoff, der Anfang September in „Babytalk“ im Gloria Theater zu sehen war und derzeit in „Hello, Dolly!“ an der Volksoper auf der Bühne steht. Letztes Jahr schloss der gebürtige Bayer seine Ausbildung an der Konservatorium Wien Privatuniversität ab und spielte kurz danach in „Gustav Klimt: Das Musical“ (Gutenstein) und den Anthony in „Sweeney Todd“ am Klagenfurter Stadttheater. Während seiner Ausbildung war er u.a. in „Joseph“ und „The Scarlet Pimpernel“ auf der Felsenbühne Staatz zu sehen. Neben „Hello, Dolly!“ spielt Stefan Bischoff ab November auch in „Pinocchio“ und „Der Bettelstudent“ am Stadttheater Klagenfurt.

Musical Awakening: Warum Musical? Wie bist du zum Musical gekommen?

Stefan Bischoff: Das liegt schon ziemlich lange zurück. Den Wunsch Musical zu machen hatte ich schon in der Schulzeit. Ich habe früher immer Klavier gespielt, aber nie gesungen. Mit 16 habe ich dann angefangen zu singen, relativ spät eigentlich. Ich habe dann zwei Jahre nur für mich selbst täglich vier, fünf Stunden Klavier gespielt und Songs von Elton John oder Billy Joel gesungen. Meine Eltern hat das ziemlich genervt, aber sie haben doch gemeint „Stefan, du singst super!“. Ich hab mir dann gedacht, die Eltern müssen das sagen aber dann kam es dazu, dass unsere Bigband an der Schule einen neuen Sänger gesucht hat. Ich war auf einem Konzert und habe mir gedacht, dass ich das vielleicht machen könnte. Das war dann das erste Mal, dass ich vor Leuten gesungen habe. Über diese Auftritte der Bigband hat mich eine Lehrerin einer anderen Schule gehört, in der sie „Joseph“ aufführen wollten. Sie hat mich dann gefragt, ob ich nicht Lust hätte den Joseph zu spielen, da sie die Titelrolle noch nicht besetzt hatte. Ich habe vorher noch nie Musical gemacht, habe aber gemerkt, dass mir das Singen sehr viel Spaß macht und zugestimmt. „Joseph“ war für mich eine ziemlich unrealistische Erfahrung, da ich der Einzige aus einer anderen Schule war, was dazu geführt hat, dass ich eine Art Superstar-Status eingenommen habe. Es war eine unglaublich tolle Zeit. Mein Lehrer hat mir gesagt, dass man Musical auch beruflich machen kann und damals habe ich mir gedacht, wenn so dein Beruf ausschaut, unbedingt. Die Realität war dann eine andere, denn es ist doch viel harte Arbeit und Stress dabei.

MA: Wie bist du dann nach Wien gekommen?

SB: Ich war beim Arbeitsamt in Deutschland und habe dort nachgefragt, wo man denn Musical studieren kann. Die haben mir ein paar Adressen gegeben. Es gibt ja fünf staatliche Schulen im deutschen Sprachraum und viele private Schulen, aber die wären einfach nicht finanzierbar gewesen. Ich habe dann Aufnahmeprüfungen gemacht und war bei jeder Schule außer in Berlin, wo in diesem Jahr keine Prüfung stattgefunden hat. Ich war dann in Essen, in Leipzig, in München und in Wien und bin dann außer in München immer auf der Warteliste gewesen. In Wien hat es dann letztendlich geklappt.

MA: Gab es für dich eine Alternative zum Beruf des Musicaldarstellers? Was hätte dich noch gereizt?

SB: Es gibt immer Alternativen, denn als ich angefangen habe, mich über Musical zu informieren, war ich gerade mit dem Zivildienst fertig. Ich musste irgendetwas studieren, da man schlecht auf die fünf Termine der Aufnahmeprüfungen warten kann ohne dazwischen gar nichts zu tun. Ich hab dann ein Studium in München angefangen, Japanologie, und hatte vor dieses bis zum Grundstudium zu machen und nebenbei eben die Aufnahmeprüfungen. Ich hatte die erste Prüfung in München, da haben sie mich aber nicht genommen und daraufhin bin ich nach Sulzbach-Rosenberg in eine Berufsfachschule für Musik. Dort bekommt man eine Ausbildung zum Chorleiter und kann zusätzlich ein Hauptfach wählen. Ich habe mich für Musical entschieden. In diesem Jahr habe ich wirklich viel gelernt und dann die Prüfungen gemacht. Japanologie wäre auf jeden Fall eine Möglichkeit gewesen oder auch Sonderschullehrer, aber da ist mir der Numerus Clausus im Weg gestanden. Jetzt bin ich auch wieder am Überlegen, ob ich denn noch einmal ein Studium anfange, einfach um etwas „Bodenständigeres“ zu lernen. Vielleicht irgendetwas in Richtung Sportwissenschaft oder Lehrer an einer Musikschule.

MA: Was würdest du als deine erste große Rolle bezeichnen?

SB: Die erste große Rolle, die ich als solche empfunden habe, war „Joseph“ auf der Felsenbühne Staatz, weil dort ca. 1200 Leute hineingehen und man merkt, dass man eine große Verantwortung hat, wenn man die Titelrolle spielt. Verantwortung heißt, dass man wirklich das tut, was man tun sollte, wie früh schlafen zu gehen, sich gut einzusingen. Während der Ausbildung und in der Schule habe ich zwar auch in vielen Stücken gespielt, aber vor Publikum, das einem doch eher wohl gesonnen ist. Man ist da eigentlich in einem sehr familiären Umfeld, weil man schon jeden kennt. Aber bei „Joseph“ habe ich das erste Mal die Verantwortung gegenüber der Rolle und den anderen Darstellern zu spüren bekommen. Es ist lustig, dass ich die Rolle, durch die ich ursprünglich zum Musical gekommen bin, dann auch auf einer großen Bühne spielen durfte. Da hat sich für mich ein kleiner Kreis geschlossen.

MA: Schicksal?

SB: Ein bisschen. Ich weiß nicht, ob mich das Stück noch einmal verfolgt, denn ehrlich gesagt, bin ich nicht so der „Joseph“-Fan. Das Musical ist ganz nett, aber es ist sehr leicht. Es spricht zwar nichts gegen Unterhaltung, man muss ja nicht immer einen Shakespeare in einem Stück suchen, aber ist ein sehr frühes Werk von Andrew Lloyd Webber und hat nicht die tollste Musik. „Joseph“ hat eine nette Geschichte, ich kann mir aber nicht vorstellen es die nächsten zehn Jahre zu spielen, das wäre mir zu unbefriedigend.

MA: In „Hello, Dolly!“ an der Volksoper stehst du, wie auch schon in Klagenfurt bei „Sweeney Todd“, mit vielen Kollegen aus deiner Ausbildungszeit zusammen auf der Bühne. Wie ist das für dich? Hat das Vorteile?

SB: Ja, definitiv, weil man natürlich aufgrund der Ausbildung auch Freundschaften schließt und ich einfach froh bin, wenn es etwas Vertrautes gibt. Man kommt an ein neues Haus und denkt sich, vor allem am ersten Probentag, ob die einen mögen oder wie es denn wird, weil man eben in einer neuen Umgebung ist und niemanden kennt. Die erste Probe ist immer sehr spannend. Für alle Beteiligten, da eine gewisse Unsicherheit im Raum liegt. Da hat es dann schon Vorteile, wenn man gleich eine Anlaufstelle hat. Aus dem Musicalensemble bei „Hello, Dolly!“ kenne ich nahezu jeden und das tut schon gut, weil es einem die Nervosität nimmt. Wobei man auch immer gerne neue Kollegen kennenlernt…

MA: An der Volksoper arbeitest du auch wieder mit Josef E. Köpplinger zusammen. Wie würdest du die Zusammenarbeit mit ihm als Regisseur beschreiben?

SB: Prinzipiell sehr gut. Josef ist sehr fair, verlangt aber auch sehr viel, was ich jetzt auch besonders bei „Hello, Dolly!“ merke. Es kommt auch immer auf das Stück an. Er ist aber sehr nett und hat viel zu tun, vor allem auch jetzt vor seinem Wechsel zum Theater am Gärtnerplatz. Josef ist auch jemand der Kontakt zum Ensemble sucht, was ich so von einem Intendanten nicht kenne. Er setzt sich auch ab und zu in der Kantine mit uns zusammen und wir reden miteinander. Manche sind einfach nur Chef, aber bei Josef Köpplinger ist das anders. Die Proben sind zwar stressig, aber das Ergebnis rechtfertigt dann oft die Arbeit. Man kann einfach manchmal nicht mehr und denkt sich „Warum das alles?“, aber wenn man dann eine DVD-Aufnahme sieht, versteht man warum es genau so sein muss. Das sieht man ja oft als Schauspieler nicht, dafür gibt es den Regisseur, der das Ganze von außen betrachtet und sagt, wie er sich das vorstellt. Das hat dann meistens auch nachvollziehbare Gründe.

MA: Anfang September hast du gemeinsam mit Tina Schöltzke im 2-Personen-Musical „Babytalk“ im Wiener Gloria Theater (Regie: Katharina Dorian) gespielt. Wie kam es zu diesem Projekt?

SB: Da gibt es zwei Versionen. Ich glaube mich zu erinnern, dass wir das in der Kantine in Klagenfurt beschlossen haben. Tina meint, wir haben das irgendwo anders besprochen, aber ich weiß gar nicht wo, denn ich glaube ja meine Version. Wie haben ganz spontan gesagt, dass wir das Stück sehr gerne mögen und das es eigentlich einmal gespielt gehört. Dann haben wir einfach entschieden, dass wir das machen, obwohl wir wahrscheinlich beide nicht so wirklich daran geglaubt haben. Tina war am Anfang die treibende Kraft und wir haben uns dahintergeklemmt und es durchgedrückt. Manchmal waren wir kurz davor das Projekt auf nächstes Jahr zu verschieben, weil wir da mehr Zeit hätten und es auch Probleme mit dem Theater gab. Bei Low-Budget-Projekten ist es immer schwierig ein Theater zu finden, in dem man zu günstigen Konditionen spielen kann, weil wir das auch mit unserem eigenen Geld bezahlen müssen.

MA: War von Anfang an klar, dass Katharina Dorian Regie führen wird?

SB: Im Nachhinein war es uns schon bald klar. Wie wollten uns die Regie selbst aussuchen und haben über mehrere Regisseure nachgedacht und auch angefragt. Letzten Endes haben wir uns dann aber für Kathi entschieden, weil ich schon mit ihr als Regisseurin gearbeitet habe und Tina auch mit ihr schon gespielt hat. Kathi hat einfach das mitgebracht hat, was wir uns von diesem Stück erwartet haben.

MA: Wie bist du an die Rolle des Robert herangegangen?

SB: Ich beobachte immer gerne Leute, wenn ich durch die Stadt gehe. In der Vorbereitungszeit habe ich einfach Leute beobachtet, die meiner Vorstellung von Robert entsprachen. Für mich war es sehr schwierig einen Zugang zur Figur des Robert zu finden. Ich habe versucht das Stück genau zu verstehen und bin auch von mir selbst ausgegangen, also wie viel von der Rolle auch in mir selbst steckt bzw. was ich an seiner Stelle tun würde. Man muss dann die Rolle einfach entstehen lassen. Kathi hat uns da auch sehr gut geführt.

MA: Hast du irgendwelche Rituale vor einer Vorstellung?

SB: Zähneputzen. Immer. Manchmal vergesse ich es auch, aber ich habe immer meine Zahnbürste dabei. Ich weiß dann einfach, dass jetzt gleich die Vorstellung losgeht. Wenn ich nervös bin, dann gehe ich auch viel herum, was für Kollegen wahrscheinlich oft nervig ist, aber ich kann da nicht ruhig stehen bleiben. In jeder Produktion hat man aber auch immer andere Rituale, vor „Babytalk“ haben wir z.B. immer die Streitszene durchgespielt, um die nötige Energie zu bekommen, weil es doch eine sehr emotionale Szene ist.

MA: Und wie sieht es nach einer Vorstellung aus? Brauchst du lange um wieder „herunterzukommen“?

SB: Nach einer Vorstellung komme ich eigentlich relativ schnell wieder herunter. Ich bin auch jemand, der gerne schnell nach Hause fährt, wenn nach der Vorstellung zu viele Leute zusammenkommen, weil mich das sehr anstrengt. Während der Probenzeiten brauche ich allerdings länger. Durch die intensive Beschäftigung mit einer Rolle führt das ab und zu sogar dazu, dass man auch schon privat wie die Rolle redet. Man übernimmt Ausdrücke und baut diese ins alltägliche Leben ein, ohne dass man es zunächst merkt.

MA: Liest du Kritiken? Wenn ja, wie gehst du damit um?

SB: Ja. Prinzipiell habe ich kein Problem mit negativer Kritik. Jeder hat seine Meinung und niemand weiß wirklich genau, wie Theater funktioniert. Jeder hat auch das gute Recht zu sagen „Das war jetzt nichts.“ oder „Dem Bischoff glaub ich keinen Satz auf der Bühne.“, dann ist das auch okay. Wenn mich jemand kritisiert, weil ich etwas auf der Bühne mache, das als geschmacklos empfunden wird, dann schützt mich auch die Rolle. Ich tu‘ mir nur schwer Lob anzunehmen, besonders wenn mir jemand persönlich sagt, dass ich gut war, ich weiß oft nicht wie ich darauf reagieren soll. Aber Kritik ist absolut legitim, wie gesagt, jeder soll denken und schreiben wie er will.

MA: Wer beeindruckt dich in der Musicalszene? Hast du ein berufliches Vorbild?

SB: Hmm, wer beeindruckt mich? Das ist schwer zu beantworten. Mich hat Serkan Kaya als Luigi Lucheni sehr beeindruckt. Damals war ich ziemlich neu in Wien und habe gemerkt, dass es bis dahin noch ein langer Weg ist. Das war wirklich toll, zumal das auch eine Rolle ist, die ich auch gerne einmal spielen würde. Vielleicht kommt „Elisabeth“ wieder - da gibt es ja einige Gerüchte - da werde ich dann sicher zum Vorsingen hingehen. Mich hat Christoph Waltz in „Inglourious Basterds“ beeindruckt, so ein Spiel auf der Leinwand habe ich selten gesehen. Mich beeindrucken Dinge, die ich nicht verstehe, wenn ich mich frage „Wie macht der das?“. Ich glaube ich wäre auf die Straße gegangen, wenn er keinen Oscar bekommen hätte. Vorbilder unter den Kollegen habe ich eigentlich nicht wirklich, ich versuche einfach mein Bestes zu geben und Spaß an der Arbeit zu haben. Aber mich beeindrucken immer wieder Kollegen, mit dem was sie tun, wie sie an eine Rolle herangehen oder wie sie sich in gewissen Situationen verhalten…

MA: Hast du ein Lieblingsmusical bzw. –komponisten?

SB: Stephen Sondheim. Er ist einfach grandios und ich könnte, glaube ich, mein ganzes Leben nur Sondheim spielen. Mein Lieblingsstück ist „Sweeney Todd“, darum war ich auch sehr glücklich, dass ich in Klagenfurt den Anthony spielen durfte. Es gibt aber auch andere tolle Stücke, wie z.B. „Into the Woods“, das würde ich auch gerne einmal spielen. Stephen Sondheim ist einfach sehr intelligent. Musical kann so viel. Es spricht nichts gegen Unterhaltungsmusicals, die man acht Mal in der Woche spielt und die Leute mit Bussen hinfährt, aber dabei geht leider unter, dass Musical auch eine Kunstform sein kann. Bei Sondheim spürt man wie ein Stück durchdacht und durchkomponiert ist.

MA: Hast du auch die Verfilmung von „Sweeney Todd“ mit Johnny Depp gesehen?

SB: Ja, aber ich mochte sie nicht. Ich fand schon, dass Johnny Depp das ganz gut gemacht hat, aber Film ist Film und Stück ist Stück. Es wurde zu viel herausgeschnitten, meine Rolle z.B. komplett, aber damit kann ich leben, da die Rolle grundsätzlich nicht viel zur Handlung beiträgt. Leider fehlen dadurch auch einige schöne Nummern.

MA: Gibt es eine Traumrolle für dich, außer Luigi Lucheni?

SB: Judas in „Jesus Christ Superstar” würde ich gerne einmal spielen, weil die Rolle stimmlich keine Gefangenen macht, da kann man wirklich viel zeigen. Ich mag „Jesus Christ Superstar“ sehr gerne, obwohl ich nicht der größte Andrew Lloyd Webber Fan bin, wobei er auch unglaublich tolle Sachen geschrieben hat. So tolle Ohrwürmer zu schreiben zeugt natürlich auch von Qualität. „JCS“ würde mich auf jeden Fall reizen, weniger den Jesus, denn ich denke mir dann immer, den Jesus muss man einmal spielen können. Ich würde auch gerne den „Sweeney“ spielen, aber leider fällt er nicht in mein Stimmfach und ich weiß auch nicht, ob das in ferner Zukunft je der Fall sein wird. Prinzipiell interessieren mich spannende Charaktere mit Hintergrund, die vielleicht auch ein Kreuz zu tragen haben – komplexe Charaktere.

MA: Hörst du Musical auch privat oder lieber andere Musikrichtungen?

SB: Musical höre ich privat sehr wenig, fast gar nicht. Ich höre viel Elton John, Billy Joel und eigentlich alles was mir gefällt. Ich mag auch Rockmusik oder Metal – wenn es gut ist, warum nicht? Ich lege mich da wenig fest. Dass ich mir aber Musicals wirklich anhöre, eigentlich nicht, denn wenn es dein Beruf ist, dann bist du auch einmal froh, wenn du deine Ruhe hast. Es sei denn ich arbeite gerade an einer Produktion, dann höre ich schon auch hinein, allerdings erst nach der Premiere, weil ich es nicht mag, wenn mir ein Kollege eine Interpretation vorgibt. Bei „Babytalk“ hatte ich die Songs schon im Ohr, aber prinzipiell gehe ich meistens vom Notentext aus, außer ich komme einmal nicht weiter, dann höre ich mir schon an, wie es andere gemacht haben.

MA: Was fasziniert dich an dem was du tust? Und gibt es etwas das dich an deinem Beruf nervt?

SB: Die berufliche Situation ändert sich immer relativ schnell, es sei denn, man hat ein Festengagement für ein Jahr. Im Moment ist es aber so, dass ich an den Häusern eher Gast bin. Man kommt immer in neue Produktionen und lernt viele neue Kollegen kennen. Da sind teilweise sehr viele interessante Charaktere dabei, von denen man auch eine Menge lernen kann. Es ist schon schön, dass man nicht jeden Tag das Gleiche macht, denn es ändert sich immer viel im Leben. Solange man noch jung ist - und ich bezeichne mich noch als jung - ist das schon sehr spannend. Das wird aber wahrscheinlich nicht immer so weiter gehen. Wenn ich einmal Familie haben möchte, dann muss ich auch irgendwo fest verankert sein und nicht in der Weltgeschichte umher reisen. Aber im Moment gefällt mir das sehr gut. Was mich aber oft nervt ist die Unsicherheit. Ich mache den Beruf nicht, um reich zu werden, das ist mir gar nicht so wichtig. Es ist schon schwierig, weil man ständig auf Jobsuche ist, der Rhythmus fehlt und man nur ein unregelmäßiges Einkommen hat. Für die Abwechslung bezahlt man mit einer Grundsicherheit, die sich doch jeder wünscht, vor allem im Alter.

Vielen Dank für das sehr interessante Gespräch.

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Premiere: Hello, Dolly! – Volksoper, Wien

2010-09-26T12:51:00.004+02:00

Mit „Hello, Dolly!“ ist der Volksoper ein wahrer Erfolg geglückt. Die Inszenierung von Josef E. Köpplinger ist durch und durch gelungen. Alle Elemente fügen sich perfekt zusammen und ergeben ein wundervolles Ganzes, das einem lange in Erinnerung bleiben wird.

Die Handlung dürfte weitläufig bekannt sein, immerhin gibt es da nicht allzu viel. Sie spielt an einem Tag im Jahre 1890. Eine Witwe namens Dolly Levi, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Frau und Mann einander zu vermitteln, plant nun auch für sich eine gute Partie zu finden. Das Opfer hat sie bereits bestimmt. Es ist Horace Vandergelder, ein reicher Kaufmann aus Yonkers, der obwohl er „Narreteien“ (welch wunderbares Wort, oder?) abgeneigt ist, auf der Suche nach einem neuen „Frauchen“ ist. Der Gute weiß noch nichts von seinem Glück und Dolly schmiedet eifrig Pläne wie sie den Fisch unbemerkt an die Angel bekommt. Zwischendurch werden noch eben drei junge Paare zusammengeführt bis zu guter Letzt der verbitterte Fisch anbeißt. Verwirrspiel und eigenartige Verführungsmethoden inklusive. Wie die Ehe der beiden aussehen wird, kann man sich dann selbst ausmalen…

Beginnen wir mit einem Star der Show. Das Bühnenbild. Im Gegensatz zu „Guys and Dolly“ hat Sam Madwar hier alle Register gezogen und ein kleines Wunder hervorgebracht. Die Projektionen unterstützen die Handlung perfekt und fügen sich mit dem Geschehen auf der Bühne gut zusammen, sodass dem Zuschauer ermöglicht wird, sich in das alte New York fallen zu lassen und in die Geschichte einzusteigen. Nostalgie pur. Aufwendig und doch einfach. Nicht zu viel, nicht zu wenig. Das Bühnenbild hält die Balance und ist zum Teil selbst Darsteller. Wirklich gelungen!

Wie genial auch die Projektion während der Ouvertüre… Portraits der Darsteller, die sich plötzlich bewegen, sich zuzwinkern, winken und erste Emotionen der Charaktere erkennen lassen. Oder auch der Gerichtssaal, mit einem „Lincoln-Freiheitsstatuen-Thron“.

„Hello, Dolly!“ will, wie das Bühnenbild, nicht zu viel. Köpplinger setzt in allen Details die richtigen Grenzen und balanciert gut aus. Das Stück ist von Grund auf sehr lustig, durch die Textbearbeitung von Josef E. Köpplinger und Christoph Wagner-Trenkwitz gewinnt es aber noch dazu und arbeitet außerdem mit Situationskomik. Nie driftet es ins Blöde ab, sondern hält sich auf gutem Niveau, auch in Szenen bei denen die Gefahr besteht schnell zu verwirrend oder „too much“ zu werden.

Die Darsteller tragen natürlich auch dazu bei. Die Hauptrollen wurden mit Darstellern besetzt, die auch wirklich Talent für das Komische haben und wissen, wie sie mit Humor umgehen sollen. Auch sie beherrschen das Gleichgewicht.

Sigrid Hauser schafft es gekonnt, die Stimmungen ihrer Figur herauszuarbeiten. Von nachdenklichen, traurigen Szenen, in denen Dolly mit ihrem verstorbenen Mann Ephraim spricht, bis hin zu lustigen, bei denen sie ihr komödiantisches Talent voll ausleben kann. Dolly Levi wirkt in dieser Inszenierung wie eine Mary Poppins für Verliebte. Die große Handtasche, aus der sie Visitenkarten für jede Situation heraus zaubert, die Ankunft in einem Ballon (das Pendant zum Regenschirm), das Auftreten, leicht arrogant, bestimmt, aber dennoch freundlich und humorvoll. Auch stimmlich kann Hauser überzeugen. Sie macht sich „Dolly“ ganz zu Eigen und lässt Vergleiche zu Koller oder Streisand erst gar nicht zu.

Dollys „Opfer“ spielt Robert Meyer. Sein Mr. Vandergelder ist trotz Boshaftigkeit und Verbitterung sympathisch und irgendwie liebenswert. Der Volksoperndirektor verleiht jeder seiner Rollen einen ganz eigenen Charme, dem man nur äußerst schwer widerstehen kann.

Ein funktionierendes Team sind wieder einmal Peter Lesiak und Daniel Prohaska. Wie auch schon in „Singin‘ in the rain“ (Stadttheater Klagenfurt) spielen sie zwei Freunde, die es faustdick hinter den Ohren haben. Sie harmonieren unglaublich gut und es macht einfach Freude ihnen zuzusehen. Vor allem Lesiak hat die Darstellung eines tollpatschigen, ein wenig dümmlichen Charakters zur Perfektion gebracht. Nie ist er „over the top“, sondern spielt den Barnaby immer im Bereich des Möglichen. Besonders amüsant seine Begeisterung für den ausgestopften Walfisch. Cornelius und Barnaby verlieben sich relativ schnell in die Hutmacherin Irene Molloy und deren Assistentin Minnie. Katja Reichtert spielt gut, ihr Song „Bunte Bänder trage ich am Hut“ bewegt sich allerdings ständig an der Grenze zur Schlafnummer. Berührend war er leider nicht. Nadine Zeintl macht aus ihrer kleinen Rolle das Beste. Sie spielt, wie ich mir eine „Minnie“ vorstelle. Leicht schräg, aber überaus liebevoll.

Johanna Arrouas und Jeffrey Treganza verblassen leider neben den anderen Hauptrollen. Arrouas performt Ermengardes Schluchzer zwar gekonnt und witzig, die Liebe zu Ambrose spürt man aber nicht. Auch Treganza wirkt nicht in seiner Rolle. Sein Akzent steht ihm ein bisschen im Weg. Die „Falsch-Sing-Szene“ gelingt ihm jedoch ausgesprochen gut. Obwohl Dagmar Hellberg als Ernestina Money einen weit kleineren Part zu spielen hat, bleibt sie aufgrund ihrer Leistung besser in Erinnerung.

Getragen wird „Hello, Dolly!“ vom großartigen Musicalensemble, das viel zu tun hat. Unterstützt wird die junge „Musicalgruppe“ von Chor, Komparserie und Staatsballett. Die Bühne ist also meistens voll, was bei der Größe auch von Notwendigkeit ist, wirkt aber nie überladen.

Für die Choreographie zeichnet sich Ricarda Regina Ludigkeit verantwortlich, die sich in dieser Inszenierung so richtig austoben konnte. Es musste viel Platz gefüllt werden, aber durch das Staatsballett und die Musicalgruppe hatte sie Zugriff auf ein großes Tanzensemble. Auch wenn man aus der „Parade-Szene“ noch etwas mehr herausholen hätte können, so fand die Show ihr Highlight im Kellnergallop. Ein Augenschmaus. Und welch großartige Leistung des Ensembles!

Der erste Akt endet mit einem Knall und schickt das Publikum gut gelaunt in die Pause, der zweite findet in einem Medley seinen Abschluss. Die Melodien und Bilder der Show laufen noch einmal an einem vorbei und hinterlassen einen wunderbaren Gesamteindruck. Ja, die Show ist pure Unterhaltung und präsentiert eine Art „heile Welt“, aber auf einem guten Niveau. Wie Peter Alexander einmal meinte: „Was haben Sie gegen eine heile Welt? Es ist eigentlich die einzige Welt, in der es sich zu leben lohnt.“ Der Theaterabend macht unendlich viel Spaß und knappe drei Stunden heile Welt, was gibt es Schöneres?

Das Premierenpublikum zeigte sich sehr wohlwollend und verfiel in Begeisterungsstürme. Die Stimmung in der Volksoper hätte nicht besser sein können.

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"Put On Your Sunday Clothes" - Der Song zum Sonntag

2010-09-26T10:06:00.003+02:00

"Put On Your Sunday Clothes" ist ein Titel aus "Hello, Dolly!". Eine Neuinszenierung dieses Klassikers hatte gestern an der Volksoper Premiere und hat mich sehr begeistert - die Premierenkritik folgt in Kürze. Der Song ist mir lange im Ohr geblieben, er hat eine wunderbare Melodie und macht gute Laune.

Hier der Song aus dem Filmmusical (1969) mit Barbra Streisand, Michael Crawford und Danny Lockin:

Links:

Dies & Das

2010-09-22T11:40:00.001+02:00

...seit kurzem ist mein Blog auch über diese Adresse erreichbar. Außerdem habe ich auch ein wenig am Layout herumgebastelt - ihr könnt nun alle Einträge zu den verschienden Ländern bzw. den Kategorien "cd book dvd", "interviews" und "concerts" auf einen Klick erreichen. Es gibt jetzt auch eine kleine "Musical-Linksammlung" und neue Möglichkeiten mit mir in Kontakt zu treten (email, twitter, bloglovin', Kommentare).
An einem Musicalkalender wird noch gearbeitet, allerdings fehlt mir dazu im Moment die Zeit...

In den nächsten Tagen folgt noch eine weitere Neuerung sowie der Premierenbericht zu "Hello, Dolly!" an der Volksoper. Heute werde ich mir die Voraufführung anschauen und kann es kaum erwarten - bin schon sehr gespannt!

(So) Jest End

2010-09-20T11:18:00.001+02:00

"So Jest End" oder auch nur "Jest End" ist eine Show nach dem Forbidden Broadway-Format. 2008 und 2009 ist sie ganz erfolgreich im West End gelaufen und bot dem Publikum einen lustigen Überblick über die aktuellen Produktionen und die Situation der Londoner Theaterlandschaft. Geschieben wurde die Show von Garry Lake, der auch die Regie übernahm.

Auf youtube gibt es noch einige Videos der Spoof-Show zu sehen und man glaubt es kaum, aber da erkennt man doch einige bekannte Gesichter, wie z.B. Drew Sarich und Stuart Matthew Price.

Es lohnt sich ein wenig durch die Videolandschaft zu klicken und nach Jest End-Juwelen zu suchen, hier ein paar Vorschläge:

Drew Sarich @ Jest End

Stuart Matthew Price @ Jest End

LesMis Parodie

Little Mermaid Parodie

Billy Elliot Parodie

...weiterführende Links:

"Anything Worth Holding On To" - Der Song zum Sonntag

2010-09-19T11:49:00.000+02:00

Der heutige Song ist eine Komposition des großartigen Scott Alan. "Anything Worth Holding On To" heißt der Song, der auf Alans neuem Album "What I Wanna Be When I Grow Up" zu hören sein wird. Es soll Ende des Jahres erscheinen. Nach "Still...Dreaming Wide Awake" und "Keys: The Music Of Scott Alan" ist dies bereits sein drittes Studioalbum.

Scott Alan, der kürzlich erst ein paar Auftritte in Australien absolviert hat, wird nächste Woche ein Konzert in London geben. "Simply the Music of Scott Alan" findet am 26. September im New Players Theatre statt. Mit dabei sind u.a. Willemijn Verkaik, Stuart Matthew Price, Norm Lewis, Patina Miller, Sierra Boggess und Shoshana Bean. Ich wünschte ich wäre dabei...

"Anything Worth Holding On To" - geschrieben und performt von Scott Alan:

Musical Rocks! – Museumsquartier, Halle E

2010-09-18T19:48:00.001+02:00

Was als „The Rock Musical Multimedia Sensation“ angepriesen wurde, war weniger Sensation, als Reinfall. Leider, denn bei der Riege an bekannten Darstellern habe ich mir mehr erwartet. Es liegt nicht zu sehr an ihnen, das Konzept und die Umsetzung stimmen einfach nicht. Man erwartet bessere Qualität als die x-te „Best of Musical“-Tourneeproduktion, wird jedoch trotz des guten Ensembles enttäuscht. Kein Flair, nur volle Lautstärke und das Herunterspulen der Hits.

Überzeugen konnte mich eigentlich nur die Popversion von „The Impossible Dream“, dargeboten von Mathias Edenborn, Serkan Kaya und Vincent Bueno, die sich auch selbst mit Gitarren begleitet haben. Eine gute neue Interpretation des Songs und einmal etwas Neues. Der einzige Darsteller, der wirklich die Bühne gerockt hat war Serkan Kaya. Auch wenn er nicht unbedingt in die Rollen des Grafen Krolock oder des Phantoms passt (zumindest nicht in dieser Show), die meiste Zeit hatte er einfach Spaß auf der Bühne und das hat man gemerkt.

Teilweise hat „Musical Rocks“ leider wie eine Laienproduktion gewirkt. Nicht eingespielt, Licht nicht im Griff, die In-Ears machten sich die meiste Zeit selbstständig und boten anscheinend auch den Darstellern nicht den perfekten Sound,… Ich verstehe schon, dass es schwer ist, eine Show auf die Beine zu stellen, wenn so viele Darsteller zusammenkommen, die im Moment ganz woanders ein Engagement haben und es deswegen nicht viel Zeit zum Proben gibt - aber ohne Bemühen wird das leider nichts. Mathias Edenborn wirkte unsicher und nicht ganz präsent; Jessica Kessler stieß regelmäßig mit dem Tanzensemble zusammen – ja, kann passieren, aber es wirkte einfach alles ein wenig unkoordiniert und wackelig (ihr „Xanadu“ war aber ganz nett).

Nadine Schreier und Anke Fiedler, keine Frage, auch sie haben großartige Stimmen. Aber stellenweise war es mehr Geschrei als Melodie. Rock heißt nicht gleich schreien und laut. Vincent Bueno verriss der "Circle Of Life", trotz seiner Bemühungen. Es klang schrecklich. Das ständige Beatboxen war leider auch an der falsche Stelle. Es nervte ab einem gewissen Zeitpunkt. Wenigstens war er locker bei der Sache...

Tja, was wurden denn noch so gesungen?
Der Opener? Time Warp – okay, nicht der typische Opener, aber gut, es war nicht schlecht. Lady Marmelade – naja, wirklich? Let the sunshine in – mit einem Publikum-Animierversuch, der eher peinlich war, als gute Stimmung machte, Totale Finsternis, The Beauty and the Beast, Der letzte Tanz, She’s like the wind und The Time of My Life, Don’t Cry for me Argentina – die Schlager halt. Achja, und ein überraschend langer High School Musical-Block. Keine schlechte Idee, allerdings wirkte es eher unpassend. Viele der Musicalsongs wurden „verhunzt“, klangen einfach nicht mehr gut. Teilweise war es wirklich dem Genre unwürdig.

Leider muss ich zugeben, dass der Schluss das Beste am ganzen Konzert war. Nicht nur weil man wusste, dass es gleich vorbei sein würde, sondern auch weil dann endlich die Songs gesungen wurden, zu denen das Konzept passte – die Jukebox-Musicals „We will rock you“ und „Mamma Mia“.

Die versprochenen Visual Effects, die wichtiger Bestandteil der Show sein sollten, waren leider auch enttäuschend. Die Bühne wirkte steril und das konnte nicht durch irgendwelche, mittelmäßigen (manchmal lächerlichen) Projektionen aufgehoben werden. Ganz nett, die kurze Intervieweinspielung vor der „Flashdance“-Sequenz.

Durch die enorme Lautstärke hat man vielleicht versucht die Leere auf der Bühne zu kompensieren, aber leider ist dies nicht gelungen. Der Sound war gut (MG-Sound), die Übergänge zwischen den Songs okay. Wieder wurde einiges nur angeschnitten und zusammengemischt. Ein Phantom, das in Elisabeth übergeht – wirklich? Muss das sein? Das war leider kein genialer Einfall, sondern eher komisch und verwirrend. Das Tanzensemble kann allerdings gelobt werden. Sie waren engagiert bei der Sache, Conchita Zandbergen stach sehr positiv hervor. Die Choreographie von Doris Marlis wirkte ab und zu etwas uninspiriert, war aber im Großen und Ganzen doch ganz gut.

Ich habe leider auch kein Rezept oder einen Lösungsvorschlag für Musical-Galas parat, aber so bitte nicht. Da lob ich mir doch den netten Abend im Stadttheater Klagenfurt bei „Broadway Melody“, so sollte es am ehesten sein – außerdem zu halbwegs vernünftigen Preisen. Ich ärgere mich nämlich jetzt noch so viel Geld dafür ausgegeben zu haben. Über 50 Euro für 110 Minuten mittelmäßige Unterhaltung – eine Frechheit!

"Waitin' for the light to shine" - Der Song zum Sonntag

2010-09-12T19:10:00.000+02:00

Auf das Musical "Big River" bin ich durch Zufall gestoßen und zwar als ich letztes Jahr das Mark Twain Haus in Hartford, Connecticut, besucht habe. Das Musical basiert auf Twains "The Adventures of Huckleberry Finn" und hatte 1985 am Broadway Premiere. Sieben Tony Awards, darunter auch Best Musical, hat es damals gewonnen und auch das Revival 2003 wurde mit einem Tony (und 2 Nominierungen) ausgezeichnet.
Die Musik (Roger Miller) ist großartig und reicht von Gospel bis hin zu Country-Tönen, typisch Südstaaten eben.

"Waitin' for the light to shine" ist einer der wunderbaren Songs und mein heutiger "Song zum Sonntag" - hier in einer netten Gala-Version:

Hier ein weiterer Song aus "Big River" - man beachte das Wasser :)

Taylor, the Latte Boy + Response

2010-09-10T10:23:00.005+02:00

"Taylor, the Latte Boy" ist ein Song der seit Jahren durch die Musicallandschaft geistert, aber eigentlich aus keinem Musical stammt. Bekannt wurde der Song durch Kristin Chenoweth, die ihn auf ihrem Album "As I Am" (2005) veröffentlichte und in diversen (TV-)Shows zum Besten hab. Geschrieben wurde er von Marcy Heisler und Zina Goldrich, ein sehr erfolgreiches Autorenteam, das u.a. auch die Songs zur Musicalversion von "Ever After" ("Auf immer und ewig", 1998) geschrieben hat, die es allerdings - obwohl geplant - noch nicht auf den Broadway geschafft hat. Außerdem haben "Marcy & Zina" noch eine ganze Reihe anderer witziger Songs verfasst, darunter "Fifteen Pounds" und "Alto's Lament". Zu finden auf "Marcy & Zina - The Album".

Andrew M. Byrne, ein Vocal Coach und Music Director mit Broadway Credits u.a. aus Les Miserables, hat eine Reaktion auf "Taylor, the Latte Boy" verfasst - "Taylor (A Response)". Eine gute und vor allem lustige Idee, doch leider geht der schöne Spirit des Originalsongs verloren, da es sich jetzt um "Carol, The Stalker Chick" handelt. Der Comedy-Song geht plötzlich in eine ganz andere Richtung...doch hört selbst!

Ein paar Links:

Legally Blonde - London Cast Recording

2010-09-08T20:09:00.001+02:00

Legally Blonde ist ein Feel-Good-Musical mit viel Herz und Humor. Schon lange bevor ich die Show auch wirklich live sehen konnte (zum Review), habe ich mir die Original Broadway Cast Recording gerne angehört. Die Show hat viel Schwung und die Musik reißt einen mit und versetzt mich stets in gute Stimmung. Mittlerweile feiert das Musical schon auf der ganzen Welt Erfolge, so war es z.B. auf den Phillipinen zu sehen und ab November wird es auch das Pariser Publikum beglücken. Auch die Finnen werden Elle Woods ab Sommer 2011 auf ihrem Weg der Selbstfindung begleiten können.

Kürzlich ist eine neue Castaufnahme von Legally Blonde veröffentlicht worden, die Original London Cast Recording. Es handelt sich dabei um eine Live-Aufnahme vom 12. bis 14. Juni im Savoy Theatre in Londons West End - gerade noch bevor der erste Cast-Wechsel vollzogen wurde. Duncan James ist also noch auf der Aufnahme zu hören, ein Grund warum sich der Kauf lohnt.

Ist man Fan des Musicals, um die Malibu-Schönheit Elle, die sich für ihre vermeintlich große Liebe in eine Ivy League Universität kämpft und dabei zu sich selbst findet, so ist die West End CD ein empfehlenswerter Kauf. Doch kommt man, wenn man nicht gerade ein großer Liebhaber von Live-Aufnahmen ist, auch gut ohne ihr aus. Viele Unterschiede zur Broadway Cast Recording gibt es nicht. Eine andere Besetzung, das "live-Feeling" und ein paar Textstellen mehr - ansonsten beinhaltet die neue Castaufnahme ebenso 18 Tracks, ein umfassendes Booklet mit Lyrics und ein paar Bildchen. Allerdings ist das Feeling anders und deswegen bereue ich den Kauf nicht. Es ist live, das heißt es wirkt noch ein wenig schwungvoller und lockerer. Das Publikum lacht zwar ab und zu dazwischen, das stört aber weiter nicht, man kommt sich dann eben vor wie im Theater. Der Applaus wurde auf ein Minimum reduziert - danke! Warum Applausaufnahmen immer bis zum Äußersten ausgereizt werden ist mir sowieso ein Rätsel... Im Großen und Ganzen wirkt die neue Legally Blonde CD frisch, mitreißend und entführt den Hörer für 77 Minuten ins Savoy Theatre.

Sheridan Smith als Elle Woods ist im Vergleich zu Laura Bell Bundy eine ganz eigene Elle Woods. Ebenso charming, allerdings mit einer ganz anderen und sehr interessanten Stimmfarbe. Duncan James als Warner Huntington III ist eine Bereicherung für das Stück und übertrifft für mich Richard H. Blake deutlich. Auch Jill Halfpenny als Paulette und Alex Gaumond als Emmett enttäuschen nicht.

Auf dieser Aufnahme merkt man wie viel Spaß diese Show den Menschen macht. Besonders lustig sind auch die Reaktionen auf die Europäer-Witze bzw. die "Ireland"-Sequenzen des englischen Publikums.

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"Louder Than Words" - Der Song zum Sonntag

2010-09-05T18:14:00.000+02:00

Heute habe ich beschlossen aus "Der Song zum Sonntag" eine feste Kategorie zu machen und - wie schon letzten Sonntag - jede Woche einen Song vorzustellen, der mich berührt, mir besonders am Herzen liegt bzw. einfach gut gefällt...

Für diesen Sonntag habe ich einen Song aus einem meiner Lieblingsmusicals ausgewählt. Er heißt "Louder Than Words" und ist aus Jonathan Larsons Tick, Tick...Boom! Für mich ist es einer der besten Songs überhaupt, ich kann ihn nicht oft genug hören. Hier gesungen von der Original Cast Raúl Esparza, Amy Spanger und Jerry Dixon...

Cages or wings?

Which do you prefer?

Ask the birds.

Fear or love, baby?

Don't say the answer.

Actions speak louder than words.

"Babytalk" im Wiener Gloria Theater

2010-09-04T18:04:00.002+02:00

„Babytalk“ – Das Kinder-Krieg-Musical von Peter Lund und Thomas Zaufke ist ein kleines, aber feines Musical. In Kooperation mit myproductionsONSTAGE, die auch schon sehr erfolgreich „Das Orangenmädchen“ in Wien auf die Bühne gebracht haben, wurde „Babytalk“ unter der Regie von Katharina Dorian (ab 11. September wieder als Rebecca in Tanz der Vampire zu sehen) im Gloria Theater inszeniert. Premiere wurde gestern gefeiert, unter den Premierengäste hauptsächlich Kollegen der beiden Hauptdarsteller Tina Schöltzke und Stefan Bischoff.

„Babytalk“ nennt sich auch „Das Kinder-Krieg-Musical“, wobei dieser Titel natürlich zweideutig zu verstehen ist. Es geht ums Kinder kriegen und die Auseinandersetzungen, die damit einhergehen. Davor, während, danach.

Interessant an diesem Musical sind seine Entwicklung und der Bogen, den es schlägt. Der erste Akt ist vor allem lustig. Es gibt viel zu lachen, wenn man Robert und Charlotte auf ihrem Weg zum „schwanger werden“ begleitet. Von dem anfänglichen Kinderwunsch auf seiner Seite, ihrer Weigerung, über seine Unsicherheit bis hin zum endgültigen Entschluss und der „Durchführung“. Im zweiten Akt dreht sich die Stimmung, Charlotte ist zwar endlich schwanger, behält aber vieles für sich. Robert fühlt sich vernachlässigt, ausgeschlossen, alleine und ängstlich und wendet sich einer anderen Frau zu. Als Charlotte das Kind jedoch verliert, kommt es zur Beziehungspause. Sie fühlt sich allein gelassen und Robert, der nicht mehr an sie herankommt, weiß nicht was er tun soll. Aus dem Abschiedssex entsteht ein Baby, doch Charlotte will die Trennung. Robert ist traurig, versucht zu verstehen und akzeptiert. Die Tragik steht im Raum, man fühlt mit beiden Seiten und hofft auf ein Happy End. Irgendwie gibt es das dann auch. Die zwei setzen sich noch einmal zusammen. Es scheint, als würden sie es noch einmal versuchen wollen…

Tina Schöltzke und Stefan Bischoff als Charlotte und Robert tragen das Stück und harmonieren sehr gut miteinander. Beide geben sehr ehrliche Versionen ihrer Rollen, mit viel Tiefe. Vor allem Bischoff spricht viel mit seinen Augen, es scheinen sich die ganzen Emotionen darin zu sammeln. Das Publikum spürt mit, wird tief berührt. Die Wendung zum Tragischen kommt natürlich und nachvollziehbar daher, zeigt die Nähe von Glück und Unglück.

Katharina Dorian hat auf der kleinen Bühne des Gloria Theater Varietés das Stück gut zur Geltung gebracht. Es will nicht zu viel, sondern wiegt gut zwischen Komödie und Drama ab. Obwohl es ein Musical ist, steht Musik nicht direkt im Vordergrund. Die Songs fügen sich in das Geschehen ein und fallen nicht weiter auf, unterstützen die jeweilige Stimmung jedoch gut. Die Charaktere brechen mit ihnen kurz aus der Szene aus und zeigen wie es in ihnen aussieht. Charlottes „Mein Körper und Ich“ dürfte einer der bekannteren Songs sein und das sich wiederholende „Baby, Baby, Baby“-Motiv schwirrt einem noch länger im Kopf herum.
Leider wurden die Darsteller nur von einem Playback begleitet. Vielleicht wäre ein Klavier und ein Cello wie bei „Das Orangenmädchen“ besser gewesen. Persönlicher und irgendwie stimmungsvoller...

Peter Lund hat mit „Babytalk“ ein sehr aktuelles Musical geschrieben, das aus witzigen Dialogen, ehrlichen Gefühlen und heftigen Auseinandersetzungen besteht. Es zeigt ein Spektrum des Mensch seins rund um eine Partnerschaft. In „Babytalk“ geht es um weit mehr als das Kinder bekommen.

„Babytalk“ – Das Kinder-Krieg-Musical ist noch heute und morgen im Gloria Theater in Wien Floridsdorf zu sehen. Beginn ist jeweils um 20:00. Die Karten kosten 18 Euro und können über die Homepage des Theaters bzw. unter der Telefonnummer +43 1 278 54 04 bestellt werden oder auch direkt bei der Abendkassa gekauft werden.

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"All Things In Time" - Stuart Matthew Price

2010-09-02T11:46:00.007+02:00

Macht ein Musicaldarsteller ein Soloalbum so hat er mehrere Möglichkeiten. Er kann z.B. ein Album mit seinen größten Erfolgen, ein Unplugged Album, eines mit ganz neuen Arrangements oder eigenen Songs machen, oder er kann auch in eine ganz andere Richtung gehen und seine „andere“ musikalische Seite auf Publikumstauglichkeit testen.

Bei einem Soloalbum geht es größtenteils um Selbstverwirklichung - so sollte es zumindest sein, finde ich. Nur so kann sich die Persönlichkeit des Künstlers auch auf einer CD authentisch entfalten. Kommerz steht da oft im Weg, aber in den letzten Jahren haben sich einige Independent Labels gefunden, die wirklich hinter den Projekten der Darsteller stehen. Wichtig ist es, eine Entscheidung zu treffen, die sowohl Künstler als auch Publikum gefällt.

Stuart Matthew Price hat sich auf eine ganz eigene Reise gemacht. Er überrascht mit einer überzeugenden Idee und deren grandiosen Umsetzung. Sein Anliegen war es neue und eher unbekanntere Musical-Komponisten vorzustellen. Price bezeichnet „All Things In Time“ als „collection of songs by some of the best new writers of contemporary musical theatre“. Inspiriert von deren Material hat Price eine kleine Auswahl getroffen und ist ins Studio gegangen. Das Ergebnis sind 14 Titel, davon 9 Songs, die noch nie zuvor aufgenommen wurden, 11 Songs, bei denen Stuart Matthew Price von den Komponisten höchstpersönlich begleitet wurde und 3 Duette.

Jason Robert Brown (u.a. „The Last 5 Years“) ist neben Tom Kitt & Brian Yorkey (“Next to Normal”) und vielleicht auch noch Scott Alan wahrscheinlich der bekannteste Komponist auf dem Album. Für „All Things In Time“ hat er nicht nur den Titelsong beigesteuert, sondern auch ein kurzes Vorwort verfasst, in dem er das Kennenlernen und die Zusammenarbeit mit Price beschreibt. Brown im Vorwort: „People just don’t sing like Stuart does, and even great singers don’t manage to convey the emotional depth that Stuart effortlessly summons.“ Ein großes Lob. Wenn man Price live erlebt oder sogar nur auf Videos oder dieser Aufnahme sieht und hört, dann kann man nur zustimmen. Stuart Matthew Price gelingt es das Gefühl jedes einzelnen Songs auf den Hörer zu übertragen. Er scheint dies ohne große Anstrengung zu machen, er kann es einfach. Price gibt sich den Songs ganz hin und scheint darin aufzugehen. Es ist ein Verschmelzen. Zusätzlich verleiht er ihnen eine ganz individuelle Note, die das Transportieren der Emotionen erst ermöglicht.

„All Things In Time“ ist ein ruhiges Album. Balladen überwiegen, mit wenigen Ausnahmen (u.a. „I’m Alive“ aus Next to Normal“). Die Titel fügen sich gut zusammen und ergeben ein abgerundetes Ganzes. Es ist ein Album, das auch gut zur kommenden Jahreszeit passt. Herbstlich, melancholisch, nachdenklich und doch auch aufmunternd und Mut machend.

Jason Robert Brown schließt sein Vorwort u.a. mit den Worten „Stuart is a composer’s best friend“. Das mag wohl stimmen, denn mit diesem Album hat er Großartiges vollbracht. Price hat Songs aufgenommen, die ihm am Herzen liegen und gleichzeitig große, aber eher unbekannte Talente gewürdigt und mit ihnen zusammen ein kleines Juwel für Musicalfreunde geschaffen.

Track Listing:
1. The Old Red Hills Of Home (Jason Robert Brown)
2. The Touch Of Love (Dougal Irvine)
3. Goodnight Kiss (Laurence Mark Wythe)
4. Angels (Richard Taylor) - duet with Annalene Beechey
5. There's A World / I'm Alive (Tom Kitt & Brian Yorkey)
6. Greenwich Time (Sam Davis & Randy Buck)
7. Free (Scott Alan) - duet with. Louise Dearman
8. Sonnet XXIX (Georgia Stitt & William Shakespeare)
9. Hope Springs Eternal (Richard Beadle)
10. Run Away With Me (Brian Lowdermilk & Kait Kerrigan)
11. Wishing For The Normal (George Stiles & Anthony Drewe) - duet with Caissie Levy
12. Midnight Will Happen Without Us (Grant Olding)
13. All Things In Time (Jason Robert Brown)
Bonus Track: Autumn Days (Stuart Matthew Price)

"All Things In Time" von Stuart Matthew Price - SimG Records, 2010. Online erhätlich u.a. bei:

...ein paar interessante Links zum Thema:

P.S.: Der Song „Free“ von Scott Alan erinnert in manchen Passagen stark an Frank Wildhorns „Vetrau in uns“ aus Rudolf – oder kommt das nur mir so vor?

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Q&A

2010-09-01T19:17:00.001+02:00

Q&A (Question & Answer)-Videos haben es mir angetan. Seiten wie broadway.com oder auch playbill stellen regelmäßig welche online, einfach Websites durchforsten und Interviews anschauen! An einem regnerischen Nachmittag wie gestern waren die lustigen Posts für mich ein kleine Stimmungsaufheiterung, aber auch an sonnigen Tagen sind sie empfehlenswert :)

Man hat stets was zu lachen und bekommt nebenbei einige interessante Informationen und Erlebnisse aus den Karrieren und Lebenswegen der Darsteller erzählt.
Auf broadway.com gibt es neben dem klassischen "Ask a Star", bei dem auf Fragen von Fans eingegangen wird, auch die etwas andere Fragerunde "Side by Side" by Susan Blackwell (von der ich hier schon einmal berichtet habe), die Broadway-Darsteller von einer ganz anderen Seite zeigt. Auch Playbill hat einiges zu bieten. Da wären die lustigen Frageeinheiten mit gelegentlichen Gesangs- und Tanzeinlagen namens "Obsessed!" mit dem etwas abgedehten "Broadway-Know-It-All" Seth Rudetsky oder das kurz Cue & A Fragespiel.

"Grateful" - Der Song zum Sonntag :)

2010-08-29T19:53:00.002+02:00

Ein Song zum heutigen Sonntag ist für mich "Grateful" von John Bucchino. Es ist ein wunderbar gefühlvolles Lied und u.a. auf der CD "Grateful - The Songs of John Bucchino" zu finden.

Natalie Weiss hat diesen Song bei ihrem Birdland Konzert im Februar gesungen und ihren Eltern gewidmet. Es ist eine sehr berührende Performance und zeigt welch Potential in ihr steckt. Weiss ist eine up-and-coming Darstellerin, die sicher noch eine große Zukunft vor sich hat - von einer Teilnehmerin der vierten American Idol Staffel bis hin zur Wicked-Tour Elphaba (understudy) hat sie es schon geschafft. Auch auf Scott Alan's zweiten Album "keys - the music of Scott Alan" ist sie mit "The Distance You Have Come" vertreten.

Drew Sarich, Kyrre Kvam & Dave Moskin live @ ost bar

2010-08-29T11:47:00.003+02:00

Gestern fand im klub ost/ ost bar wieder ein kleines Konzert von Drew Sarich und Kyrre Kvam statt. Klein aufgrund der Größe des Raumes, nicht aufgrund der Länge, denn gespielt wurde (mit kurzer Pause) von 21h bis 23:30...

Wie Drew Sarich zu anfangs schon richtig meinte "Willkommen in unserem Wohnzimmer", der Rahmen in der ost bar ist wirklich sehr heimelig. Fehlende Sitzmöglichkeiten ein kleines Problem, aber für so großartige Musiker steht man sich schon mal die Beine in den Bauch. Unterstützt wurden Sarich und "The Norwegian" diesmal von ihrem Kollegen Dave Moskin, der im Moment als "Blues Brother" durch Österreich tingelt und zuletzt Patrick Stanke als Big Bopper in "Buddy" (Colosseum Theater, Essen) abgelöst hat, als dieser sich auf die Best of Musical-Gala begab...
Moskin widmete sich zunächst den Bongos und begleitete Kyrre Kvam, eröffnete dann aber den zweiten Konzertteil mit eigenen Songs, darunter "Reflection", Österreichs Beitrag zum Eurovision Songcontest 1999.

Jeder der drei unglaublich begabten Musiker hatte die Möglichkeit Eigenes zu präsentieren. Drew Sarich stellte ein paar neue Songs vor, sang ein paar ältere - eine nette Mischung aus wunderbarem Material, das eine Veröffentlichung wert wäre...
Kyrre Kvam startete am Klavier und performte Songs aus seinem Album "Pling Plong". Es entsteht eine wunderbar ruhige Atmosphäre wenn er singt und auch wenn doch ganz anders als Drew Sarich, irgendwie ergänzen sie sich sehr gut. Vor allem merkt man, dass sich Sarich, Kvam und Moskin (die gemeinsam in "Hair" im Raimund Theater auf der Bühne gestanden sind) auch privat gut verstehen. Die intime Atmospähre in der ost bar ermöglicht eine sehr offene Interaktion mit dem Publikum, sodass die Konzerte ab und zu eher wie Jamsessions wirken. Es wird gewitzelt, geflucht, gechillt und mit viel Gefühl musiziert.

Kyrre Kvam's - aka The K & L Orchestra - Album "Pling Plong" ist via itunes erhätlich. Mein Anspieltipp "Me & Myself & I"!

RENT im Hollywood Bowl - Part 2

2010-08-25T23:41:00.000+02:00

...die Aufführungen von RENT im Hollywood Bowl dürften ein großer Erfolg gewesen sein, doch von CD oder DVD-Aufnahmen war bis jetzt noch nichts zu hören. Schade.

Dank youtube kann man einige Highlights der Show aber doch sehen, oft in miserabler Qualität - vom hintersten Plätzchen des Hollywood Bowl gefilmt - aber dennoch wert angeschaut zu werden.

Überrascht war ich über die überaus gelungene Performance von Nicole Scherzinger als Maureen. Ihr "Over the Moon" ist perfekt getroffen. Dieser Song ist wirklich alles andere als leicht zu interpretieren, denn er driftet leicht ins absolut Lächerliche ab bzw. bewegt sich an der Grenze zwischen komisch und vollkommen verblödet. Es ist schwer das richtige Maß, den richtigen Ausdruck, zu finden, doch Scherzinger schafft es auf ihre eigene Art.

Auch die anderen Darsteller haben ihre Sache anscheinend ganz gut gemacht. Ein Highlight aus dem gesammelten Internet-Filmmaterial ist für mich auch Aaron Tveit's "One Song Glory". Was für ein Song, oder? Das denke ich mir jedes Mal... Tveit singt ihn sehr gefühlvoll und ich bin mir sicher, dass er Rogers Gefühlsgewirr dem Publikum vermitteln konnte, was bei einem Fassungsvermögen von ca. 17.000 Leuten eine enorme Herausforderung darstellt.

In diesem Video geben die Darsteller kurze Interviews und sprechen über die Arbeit mit Regisseur Neil Patrick Harris...durchaus sehr interessant!

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Josef E. Köpplinger bei den „Brückengesprächen“

2010-08-20T18:50:00.003+02:00

Als ich gestern zufällig in der Zeitung las, dass Josef E. Köpplinger – Intendant des Stadttheater Klagenfurt – heute Vormittag zu Gast bei den Klagenfurter Brückengesprächen ist, habe ich mich spontan dazu entschlossen, mich ins Strandbad aufzumachen, um dort dem Interview beizuwohnen.

Über eine Stunde nahm sich Köpplinger Zeit für Fragen und zeigte sich als offener, lustiger, mutiger und sehr ehrlicher sympathischer Mann. Mich hat das Gespräch sehr beeindruckt und ich habe mir viel mitnehmen können. Nicht nur über das Theater, sondern auch über das Mensch sein und das Leben.

Zuschauer gab es fast keine. Ein paar Badegäste, vorwiegend aus der älteren Generation, ein paar Journalisten, ein paar unfreiwillige Zuhörer – rund 25 Personen. Köpplinger gab offen zu, vor Interviews nervös zu sein und so war es gut, dass der Rahmen nicht allzu groß war und in angenehmer Atmosphäre stattfand. Der Wörthersee im Hintergrund, aber auch die dem Untergang geweihte Wörtherseebühne in unweiter Nähe. Im „Brückengespräch“ ging es um Gott und die Welt, Theater, Kindheit, Politik, Zukunft – das Leben.

Die erste Frage? Warum Josef E. Köpplinger immer eine Baseballkappe trägt. Sie ist fast schon zu seinem Markenzeichengeworden, die blaue Kappe – doch eigentlich trägt er sie, weil er lichtempfindliche Augen hat. Werbung würde er nie damit machen wollen.

Eigentlich hatte er nicht daran geglaubt Intendant des Klagenfurter Stadttheaters zu werden, da er weder Lobby noch Parteizugehörigkeit aufweisen konnte. Doch mit dem Vertrauen des verstorbenen Vorgängers Dietmar Pflegerl hat er dann doch diesen Schritt gewagt und ihn – zumindest NOCH – nicht bereut.
Mit Ende der Spielzeit 2011/12 wechselt Köpplinger an das Theater am Gärtnerplatz in München. Ein Haus mit Musiktheatertradition. Eine neue Herausforderung in einem von Köpplingers „Traumhäusern“. Zu diesen Theatern, die für ihn mit viel positiver Energie verbunden sind, zählen auch die Wiener Volksoper und die Grazer Oper. Zwei Häuser für die er immer wieder inszenieren durfte. Auch wenn er in München „Staatsintendant“ wird, der Titel bedeutet ihm nichts. Allerdings ist es für ihn eine große Ehre dort hin berufen zu werden. Von der Bandbreite sei das Gärtnerplatztheater wie die Wiener Volksoper. Experimentieren ist und sollte möglich sein. Köpplinger tut genau das. Er ist ein leidenschaftlicher Theatermensch.

Wer aber wird seine Nachfolge antreten? Diese Frage soll ein Gremium beantworten und fünf Finalisten festlegen. Ursprünglich wollte Josef E. Köpplinger kein Teil dieser Jury sein, doch als er nach geeigneten Mitgliedern für das Gremium gefragt wurde, nannte er Namen wie Robert Meyer und Ioan Holender, und schließlich entschied er sich doch dazu selbst mitzuberaten, da er das Haus kenne und für dessen Zukunft nur das Beste wolle. Immerhin schließt man ein Theater über die Jahre ins Herz und denkt für den Betrieb in die Zukunft.

Auf die Frage, ob denn der Erfolg eines Stücks vorhersehbar wäre, antwortete der 46-jährige, dass Erfolg nie beeinflussbar sei. Natürlich merkt man bei den Endproben, was im Prozess gelungen ist, aber auch die Stimmung bei einer Premiere – die merkwürdigerweise oft eher zurückhaltend ist – sagt letztendlich nicht viel aus. Beim Inszenieren soll jedoch nicht Provokation das Ziel sein, Skandal ist nie, was Skandal sein will. Wenn aber das Allgemeine zum Wichtigsten wird, dann wird es nie etwas Besonderes geben.

Beim Theater geht es Intendant Josef E. Köpplinger ums Geschichten erzählen. Er hat keine Lieblingspate. Die Unterscheidung zwischen Spaten hält er für unnötig - in London würde schließlich auch nicht strikt getrennt werden. Theater ist ein Ort der Reflexion, eine Art „Zeitung für das Volk“. Genau deswegen steht für ihn auch Shakespeare über allem. Die derbe Ehrlichkeit sieht er als überaus erfrischend. Auch Stephen Sondheim gehört für ihn zu jenen Künstlern, die ihrer Zeit immer voraus sind. Erst jetzt sei seine Musik auch wirklich bei den Menschen angekommen – hier zeigt sich die Genialität dieses Komponisten.

Interessant die Frage, was denn einen guten Intendanten ausmache und wie Köpplinger seinen Führungsstil beschreiben würde. Er habe sich diese Frage noch nicht gestellt und wüsste die Antwort eigentlich nicht, meinte er zu anfangs. Doch ein paar Eigenschaften, die eine Art Voraussetzung für einen Intendantenposten seien, kamen dann doch zusammen. Der Theatervirus, Direktheit, Menschlichkeit und den Mut, die Einsamkeit an der Spitze zu akzeptieren, auszuhalten und manche Entscheidungen alleine zu treffen. Außerdem müsse man in der Lage sein, Versagen einzugestehen und Konsequenzen zu tragen. Man sollte nie aufgeben man selbst zu sein. Er würde z.B. nie seine Infantilität aufgeben wollen. Sein eigener Führungsstil? Herzlich UND hart.

Als es zum Thema Wörtherseebühne kam, wurde Köpplinger ein wenig aufbrausend. Im positiven Sinn, denn es zeigt, dass ihm das Thema doch beschäftigt, die Unfähigkeit der Politik aber auf die Nerven ginge. Wörthersee-Festspiele hält er für die beste Idee und durchaus machbar. Sowohl aus organisatorischen, als auch aus finanziellen Gründen. Wenn aber die Kärntner Landesregierung an der Kultur sparen möchte, dann sollte sie es gleich lassen. Mit halben Sachen lässt sich nicht arbeiten. Das Stadttheater an sich kann eine Bespielung der Wörtherseebühne nicht umsetzen, da die Betriebsform nicht dazu geeignet ist. Im Moment ist das halbvermoderte Etwas, das da auf dem Wasser schwimmt, dem Untergang geweiht. Für eine führende Kulturnation der Welt, wie Österreich es ist, sei es jedoch schade die Chance auszulassen und nicht zu retten, was noch zu retten wäre.

Die Publikumsauslastung des Stadttheaters stieg in der Ära Köpplinger um bis zu 23 Prozent an und das zeigt, dass trotz Wirtschaftskrise die Leute ins Theater wollen. Im Jubiläumsjahr bringt das Stadttheater die Welturaufführung einer Cherubini Oper und im Februar dürfen sich die Musicalinteressierten auf eine österreichische Erstaufführung von Miss Saigon freuen.

Am 25. September hat das Musical „Hello, Dolly!“, bei dem Josef E. Köpplinger Regie führt, Premiere in der Wiener Volksoper. Viele bekannte Gesichter aus den letzten Stadttheater Inszenierungen sind mit dabei, Karten sind direkt über die Homepage der Volksoper erhältlich.

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